Les sculptures

Cette sculpture en métal poli est une réinterprétation contemporaine du célèbre casque d’Iron Man. Mitch Richmond revisite ici l’icône de la pop culture en la transformant en une pièce sculpturale aux lignes nettes et à la surface miroir, qui reflète l’espace environnant et souligne la précision du travail artisanal. En isolant l’objet de son contexte narratif et en le façonnant dans un métal brillant, l’artiste en fait un symbole hybride : à la fois armure futuriste et artefact d’exposition. Cette approche met en lumière la fascination collective pour la technologie et les figures héroïques modernes, tout en interrogeant la frontière entre objet de divertissement et œuvre d’art.

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Avec cette édition spéciale, Medicom Toy revisite le monde coloré et tendre des Care Bears à travers l’un de ses personnages les plus iconiques : Cheer Bear (Bisounours). Reconnaissable à sa fourrure rose et à son ventre orné d’un arc-en-ciel, Cheer Bear incarne la joie, l’amitié et l’optimisme. Cette version Costume Edition se distingue par son revêtement en fausse fourrure, qui transforme la silhouette culte du Bearbrick en véritable peluche. Doux au toucher et fidèle au design original du personnage, ce Bearbrick combine l’univers pop des jouets de collection avec la nostalgie réconfortante des années 80. En format 400%, ce Bearbrick devient une pièce unique et attachante, idéale pour les collectionneurs de Bearbricks, les amateurs de pop culture et tous ceux qui souhaitent ajouter une touche de bonne humeur à leur collection.

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Cette édition spéciale rend hommage à l’une des œuvres les plus emblématiques de Banksy, artiste mystérieux et figure incontournable du street art contemporain. Le Love Rat, apparu pour la première fois dans les rues de Londres, est devenu au fil du temps l’un de ses symboles les plus reconnaissables : un rat noir tenant un pinceau dégoulinant de rouge, dessinant un cœur. Imprimé en all-over sur la silhouette culte du Bearbrick, ce motif allie la simplicité graphique de Banksy et la force de son message, mêlant provocation, poésie et critique sociale. Le fond imitant des lignes de cahier apporte une touche urbaine et brute, renforçant l’identité street art de la pièce. Proposé en set 400% et 100%, ce Bearbrick se présente comme une véritable œuvre d’art à collectionner, idéale pour les amateurs de street culture, d’art contemporain et de l’univers provocateur de Banksy.

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Cette édition unique réunit deux icônes de l’art contemporain : Andy Warhol et Jean-Michel Basquiat. Inspiré de leurs œuvres collaboratives et de leur dialogue artistique dans le New York des années 1980, ce Bearbrick transpose leur énergie créative sur la silhouette culte du jouet-objet. Le design reprend des éléments emblématiques des deux artistes : le graphisme brut et instinctif de Basquiat, mêlant visages, mots et symboles, fusionne avec les références pop et commerciales de Warhol, notamment ses chiffres et typographies colorées. Le résultat est une pièce explosive, où se rencontrent deux univers qui ont redéfini les frontières entre art majeur et culture populaire. En format 400%, ce Bearbrick devient une véritable œuvre d’art à collectionner, célébrant la puissance et l’avant-garde de deux figures incontournables de l’histoire de l’art contemporain.

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Cette édition spéciale du Bearbrick a été réalisée en collaboration avec atmos, le célèbre label japonais de streetwear et de sneakers. Véritable hommage à Tokyo, la figurine reprend le design iconique du plan du métro tokyoïte et New-Yorkais, symbole de la vie urbaine trépidante de la capitale japonaise. Le motif intégral de la carte, appliqué sur le corps du Bearbrick, transforme cette silhouette culte en une œuvre graphique où design et culture métropolitaine se rencontrent. Le logo atmos s’affiche fièrement sur la poitrine, renforçant le lien entre la street culture et l’esthétique contemporaine du jouet-objet. Proposé en set 400% et 100%, ce Bearbrick s’impose comme une pièce incontournable pour les collectionneurs et les passionnés de design, de mode urbaine et de culture tokyoïte.

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Ce Bearbrick en édition 400% est signé par Tristan Eaton, artiste américain reconnu pour ses fresques monumentales et son style unique mêlant pop art, culture urbaine et collage visuel. Sur cette figurine, Eaton déploie son univers explosif : une mosaïque de visages, de typographies rétro et de références graphiques issues de la culture populaire et du cinéma. Le design riche en couleurs et en contrastes incarne parfaitement la démarche de l’artiste, qui joue avec les couches d’images et de symboles pour créer des compositions dynamiques et captivantes. L’association entre le support iconique du Bearbrick et l’esthétique vibrante de Tristan Eaton donne naissance à une pièce de collection incontournable, au carrefour de l’art contemporain, du design et du street art. Un objet d’art unique, idéal pour les passionnés de pop culture et les collectionneurs exigeants.

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Ce Bearbrick rend hommage au grand maître japonais de l’estampe ukiyo-e, Utagawa Kuniyoshi (1798-1861), célèbre pour ses représentations spectaculaires de guerriers, de créatures mythologiques et de scènes surnaturelles. Sur cette figurine iconique, on retrouve un collage d’œuvres emblématiques de Kuniyoshi, notamment ses célèbres squelettes et spectres, illustrant la puissance dramatique et l’énergie graphique qui caractérisent son art. L’association entre le design moderne et minimaliste du Bearbrick et l’intensité visuelle des estampes traditionnelles crée un objet de collection unique, à la croisée de la culture pop et de l’art classique japonais. Disponible en set 400% et 100%, ce Bearbrick devient une véritable pièce d’art contemporain, idéale pour les amateurs de design, de street culture et d’estampe japonaise.

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Le Bearbrick Keith Haring V8, édité par MediCom Toy, célèbre l’univers graphique unique de l’artiste new-yorkais Keith Haring, figure emblématique du street art des années 1980. Sur la silhouette iconique du Bearbrick, on retrouve les motifs noirs et rouges caractéristiques de Haring : silhouettes dansantes, lignes vibrantes et petits cœurs rouges, exprimant à la fois énergie, mouvement et humanité. Ce set réunit les deux formats classiques, 400% et 100%, permettant d’apprécier les détails du design autant en version compacte qu’en pièce décorative de taille intermédiaire. La finition blanche, sur laquelle se déploient les figures stylisées de Haring, évoque ses fresques murales et ses dessins réalisés à la craie dans le métro new-yorkais. À la croisée de l’art urbain et du design contemporain, ce Bearbrick incarne la volonté de MediCom Toy de transformer la figurine en support d’expression artistique et rend hommage à l’esthétique universelle, joyeuse et engagée de Keith Haring.

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Le Bearbrick Banksy Riot Cop, édité par MediCom Toy, rend hommage à l’univers subversif et provocateur de l’artiste britannique Banksy. Inspiré de l’une de ses œuvres les plus emblématiques, cette figurine reprend le motif du policier anti-émeute portant un casque de protection, dont le visage est remplacé par un smiley jaune iconique, symbole d’ironie et de critique sociale. Sur la surface de la figurine, on retrouve un graphisme texturé, mêlant nuances sombres, effets de graffiti et superpositions de motifs, qui rappellent l’esthétique du street art urbain. Cette déclinaison existe en plusieurs tailles (ici visibles en 400% et 100%), permettant aux collectionneurs d’apprécier les détails aussi bien en version monumentale qu’en format miniature. À la croisée de l’art contemporain, du design et de la contre-culture, le Bearbrick Banksy Riot Cop illustre parfaitement la démarche de Banksy : détourner les symboles du pouvoir et de l’autorité pour leur opposer un message critique et accessible au plus grand nombre.

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Le Bearbrick Marilyn 25 – Andy Warhol 100% & 400% est une édition exclusive rendant hommage à l’une des œuvres les plus célèbres du maître du pop art, le portrait de Marilyn Monroe réalisé en 1967. Ce coffret réunit deux figurines, un modèle 100% de 7 cm et un modèle 400% de 28 cm, entièrement recouverts du motif iconique de Warhol dans une explosion de couleurs vives mêlant rose, jaune, bleu et noir. La signature de l’artiste vient compléter ce design vibrant, transformant l’objet en véritable pièce de collection. Entre l’aura intemporelle de Marilyn Monroe, le style unique d’Andy Warhol et l’univers créatif de Medicom Toy, ce Bearbrick s’impose comme un incontournable pour les amateurs d’art contemporain et de design.

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Avec Starboy, Mitch Richmond signe un hommage sculptural à l’imaginaire futuriste et à l’esthétique robotique popularisée par la musique et la pop culture. Inspiré du casque emblématique de Daft Punk, l’artiste en propose une version épurée, figée dans un alliage doré miroir qui capte l’espace environnant autant qu’il le distord. La surface parfaitement lisse et réfléchissante du casque évoque une présence à la fois humaine et déshumanisée — une figure androgyne, sans visage, suspendue entre machine et émotion. En recourant à l’or, Richmond confère à l’objet une dimension sacrée, presque mythologique : le robot devient idole. Starboy incarne cette tension entre individualité et anonymat, entre technologie et identité. C’est un portrait du XXIe siècle où l’ego s’efface derrière des interfaces brillantes, où l’artiste s’efface derrière l’avatar.

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Dans cette oeuvre, Mitch Richmond détourne l'iconique casque de Stormtrooper de l’univers Star Wars pour en faire une sculpture résolument contemporaine, aussi brillante qu’introspective. Entièrement recouvert d’un chromage miroir, l’objet devient surface de réflexion – au sens propre comme au figuré. L’effet miroir interroge la place de l’individu dans les systèmes qu’il sert aveuglément, à l’image des soldats impériaux anonymes. L’œuvre oscille entre pop culture et critique sociétale. En figeant dans un métal éclatant ce symbole de conformisme et d’obéissance, Richmond le transforme en totem luxueux et paradoxal. Le spectateur y aperçoit son propre reflet, prisonnier d’un casque qui semble dire : « Qui êtes-vous derrière le masque ? » Cette pièce interroge l’identité, la standardisation et le pouvoir des symboles dans notre imaginaire collectif. À travers cette armure figée, Mitch Richmond nous invite à réfléchir à notre propre rôle dans les récits que nous consommons et perpétuons.

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Avec Saber Lux, Mitch Richmond livre une interprétation personnelle et poétique du sabre de Luke Skywalker. Cette œuvre en métal patiné ne cherche pas à reproduire l’objet à l’identique, mais à en capter l’essence : celle d’un passage, d’un legs, d’un objet chargé d’histoire autant que de symbolique. Le traitement bronze patiné, aux accents sombres et profonds, donne à cette sculpture des allures d’objet sacré, presque mystique. Les lignes sont épurées mais puissantes, alternant entre douceur des courbes et rigueur industrielle. Chaque détail – la molette hexagonale, les rainures régulières, la terminaison sculptée – évoque le lien entre l’ancien et le futur, entre l’artisanat et la technologie, entre le mythe et la matière. En revisitant le sabre de Luke, Richmond dépasse la simple référence à Star Wars : il interroge ce que signifie hériter, transmettre, et transformer un symbole collectif en une œuvre unique, dense et silencieuse.

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Mitch Richmond propose ici une sculpture saisissante mêlant nostalgie et puissance symbolique. Inspirée de l’iconographie de la science-fiction, cette œuvre en métal évoque immédiatement le célèbre sabre laser de la saga Star Wars, ici revisité comme une relique intemporelle. La finition en bronze patiné renforce l’effet d’objet ancien, presque archéologique, comme si cette pièce avait traversé les âges. Le traitement des surfaces, à la fois brut et maîtrisé, confère à l’objet une densité visuelle et tactile, incitant le spectateur à contempler l’artefact non plus comme une arme futuriste, mais comme une sculpture à part entière. Par ce geste, Richmond transforme un symbole de culture populaire en œuvre d’art contemporaine, jouant avec les notions de mémoire, d’héritage et de transformation des objets iconiques.

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Dans cette sculpture étonnante, Filippo Pietro Castrovinci réinterprète Spider-Man à travers une approche résolument contemporaine, utilisant l’acier Corten comme support d’expression. Réalisée par superposition de strates métalliques découpées, l’œuvre forme une silhouette stylisée de la tête du célèbre super-héros, immédiatement reconnaissable par sa structure dynamique et tendue. Le choix de l’acier Corten — matériau brut qui se patine avec le temps — vient renforcer l’idée d’un héros ancré dans le réel, façonné par les couches de son histoire, de ses combats et de sa dualité humaine. La construction en tranches évoque un scan tridimensionnel ou une modélisation numérique arrêtée dans son élan, figée dans une esthétique post-industrielle. La pièce dialogue entre force et fragilité, matière et vide, masque et identité, offrant une lecture à plusieurs niveaux : Spider-Man y devient symbole de résilience, mais aussi de fragmentation — comme si sa figure elle-même était déconstruite par le poids du monde moderne.

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Avec Banksy Bomb, Van Apple propose une sculpture aussi ironique que percutante, fusionnant le monde animal avec l’univers militaire. Réalisée en résine chromée, la tortue arbore un corps lisse et brillant, contrastant avec une carapace transformée en casque tactique noir, qui devient le cœur du propos artistique. Sur chaque côté du casque, l’artiste a intégré une reproduction d’une œuvre emblématique de Banksy, renforçant ainsi le dialogue entre art de rue, satire sociale et sculpture contemporaine. Ces motifs, à la fois critiques et reconnaissables, injectent une dose de rébellion et d’humour dans la pièce. La juxtaposition entre la lenteur paisible de la tortue et l’univers armé, technologique et engagé évoqué par le casque et les visuels de Banksy, offre une lecture à plusieurs niveaux : entre résistance et absurdité, fragilité et blindage, temps long et urgence sociale.

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Dans The Flowers Gun, Van Apple détourne un symbole universel de violence – le revolver – pour en faire une œuvre résolument pacifique et poétique. La sculpture, chromée ou dorée selon les versions, représente une arme à feu dont le canon laisse jaillir un bouquet éclatant de fleurs, en résine colorée ou en métal, symbolisant la beauté, la vie et l’espoir. Fidèle à son style pop-art contemporain, Van Apple mêle provocation visuelle et message engagé : ici, l'artiste nous invite à désarmer le monde par la culture, l’amour et la nature. The Flowers Gun n’est pas seulement un objet esthétique ; c’est un manifeste contre la violence, une célébration de la paix et un appel à l’émerveillement dans un monde trop souvent dominé par la brutalité. Avec cette œuvre forte et audacieuse, Van Apple poursuit son travail sur les contrastes et les détournements d’objets, offrant une pièce qui ne laisse personne indifférent.

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Cette œuvre emblématique de Karl Lagasse  revisite le billet de un dollar américain à travers une interprétation audacieuse mêlant street art, pop art et abstraction contemporaine. Réalisée sur une structure en relief ondulée, la pièce associe des éléments visuels forts — comme la pyramide et l’aigle — à des coulures de peinture vives et des textures superposées, signature esthétique de l’artiste. Chaque exemplaire est numéroté et signé par l’artiste, et témoigne de son travail sur la notion de valeur, à la fois monétaire et artistique. Une pièce saisissante qui interroge notre rapport à l’argent, à l’icône et à l’art.

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Cette œuvre originale de Popik met en scène une interaction spectaculaire entre la bande dessinée et la sculpture. Un exemplaire du numéro 1 de "Fantastici Quattro" (les Quatre Fantastiques en italien) semble littéralement exploser sous l’impact d’un poing massif en relief, qui surgit du papier comme s’il perçait une barrière entre la fiction et la réalité. Le poing représente La Chose, l’un des membres emblématiques des Quatre Fantastiques, avec sa texture rocheuse caractéristique. La mise en scène joue sur l’effet de trompe-l'œil et de destruction dynamique, donnant l’impression que le super-héros sort du cadre du comics pour s’inviter dans notre monde. Cette création hybride entre art pop et sculpture rend hommage à l’univers des comics en insufflant une impression de mouvement et d’énergie brute, fidèle à l’esprit explosif des bandes dessinées de super-héros.

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Cette sculpture en acier, réalisée par l'artiste Léa Poncharal, est une œuvre saisissante qui marie la force du métal à la délicatesse des papillons dorés. Intitulée "AMOR", elle présente ce mot en lettres imposantes et texturées, sublimées par une application riche de peinture à l'huile dorée. Autour et sur les lettres, des papillons semblent s'envoler, symbolisant la légèreté, l'éphémère et la transformation. Le contraste entre la rigidité de l'acier et la fluidité organique des papillons apporte une dynamique unique à cette pièce, évoquant l'idée que l’amour, bien qu'ancré dans la matière, reste un sentiment vivant et en perpétuel mouvement. L’ensemble repose sur un socle élégant, soulignant son caractère sculptural et raffiné.

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Cette œuvre saisissante de l’artiste Popik est une fusion entre la bande dessinée et la sculpture, donnant une nouvelle dimension au pop art et à la culture geek. L’artiste détourne une couverture du comic L'Uomo Ragno (version italienne de Spider-Man), en y intégrant un poing en relief, surgissant hors du cadre comme s’il voulait briser la frontière entre la fiction et la réalité. Réalisée grâce à la technique de synthèse laser, qui permet une impression 3D couche par couche à base de poudre, cette sculpture met en valeur un travail minutieux sur les textures et les effets de matière. L’intégration d’éléments déchirés et de détails sculptés renforce la puissance visuelle de l'œuvre, évoquant la force brute du super-héros et l’impact de la pop culture sur notre imaginaire collectif. Une pièce unique et percutante qui joue sur les contrastes entre le dessin bidimensionnel et la tridimensionnalité de la sculpture, faisant de cette création un véritable objet de collection.

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Cette sculpture emblématique de Diederick Van Apple fait partie de la collection Art Against War, une série engagée qui détourne l’imagerie des armes pour en proposer une interprétation artistique et pacifiste. L’arme arbore un contraste saisissant entre une crosse dorée texturée et un canon recouvert d’un motif floral délicat, symbolisant la dualité entre violence et beauté. L’ensemble repose sur un socle noir élégant, accentuant son caractère sculptural et conceptuel. Avec cette œuvre, l’artiste joue sur les codes du luxe et de la pop culture pour inviter à une réflexion sur la guerre et la paix.

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Karl Lagasse revisite l’iconique billet d’un dollar américain dans une œuvre d’art saisissante qui fusionne symbolisme économique et expression artistique contemporaine. Jouant avec les contrastes entre la rigueur monétaire et l’énergie du street art, l’artiste applique des touches vibrantes de rouge, bleu et noir sur la surface du billet, créant ainsi un effet dynamique et presque tridimensionnel. L’œuvre, courbée comme si elle flottait dans l’espace, illustre la flexibilité et la fragilité de la valeur perçue de l’argent. George Washington, figure centrale, semble émerger de ce mélange chromatique, rappelant la permanence et la transformation de la monnaie à travers le prisme de l’art. Signée et numérotée, cette édition limitée à 33 exemplaires incarne la vision de Lagasse sur l’économie, l’abstraction et le luxe, faisant de chaque pièce un objet de collection exclusif.

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