Toutes les œuvres d'art

Karl Lagasse revisite l’iconique billet d’un dollar américain dans une œuvre d’art saisissante qui fusionne symbolisme économique et expression artistique contemporaine. Jouant avec les contrastes entre la rigueur monétaire et l’énergie du street art, l’artiste applique des touches vibrantes de rouge, bleu et noir sur la surface du billet, créant ainsi un effet dynamique et presque tridimensionnel. L’œuvre, courbée comme si elle flottait dans l’espace, illustre la flexibilité et la fragilité de la valeur perçue de l’argent. George Washington, figure centrale, semble émerger de ce mélange chromatique, rappelant la permanence et la transformation de la monnaie à travers le prisme de l’art. Signée et numérotée, cette édition limitée à 33 exemplaires incarne la vision de Lagasse sur l’économie, l’abstraction et le luxe, faisant de chaque pièce un objet de collection exclusif.

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Cette toile réalisée entièrement à la main par Dr. Hide est un portrait vibrant et expressif inspiré de Charlie Chaplin. L’artiste utilise une palette de couleurs vives et contrastées, mêlant des teintes de bleu, rouge, jaune et rose pour donner une énergie saisissante à l’œuvre. Le personnage, représenté avec son emblématique chapeau melon et son nœud papillon, est peint dans un style pop art et néo-expressionniste, où les ombres et lumières sont accentuées par des jeux de couleurs dynamiques. L’arrière-plan abstrait enflammé ajoute de l’intensité à l’image, renforçant le caractère théâtral du sujet. Chaque coup de pinceau témoigne du talent et de la maîtrise de Dr. Hide, offrant un hommage moderne et audacieux à l’une des figures les plus emblématiques du cinéma.

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Cette œuvre de Dr. Hide est une composition artistique réalisée à partir de vinyles découpés et assemblés en forme de triptyque. Le visuel central, imprimé sur le disque principal, représente l’iconique passage piéton d’Abbey Road, avec les silhouettes des Beatles en ombre chinoise, superposées à un fond reprenant le drapeau britannique. L’inscription "LET IT BE" en grandes lettres majuscules, accompagnée du sous-titre "A CELEBRATION OF THE MUSIC OF THE BEATLES", renforce l’hommage au groupe légendaire. Les vinyles latéraux, dont les étiquettes sont visibles (marquées "A DECAP SOUND"), complètent la composition en créant un effet de symétrie et de profondeur. L’artiste Dr. Hide joue ici sur la matérialité du disque vinyle, à la fois support musical et élément plastique, transformant un objet culte en œuvre d’art contemporaine.

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  Cette peinture originale de Freda People, réalisée entièrement à la main, rend hommage aux Rolling Stones avec une fusion artistique entre le célèbre passage piéton d'Abbey Road et l'iconique logo de la langue des Stones. L'œuvre est exécutée en noir, blanc et rouge, créant un effet visuel percutant. Les membres du groupe avancent dans un style graphique et expressif, avec des coulures de peinture qui renforcent l'effet brut et urbain de l'ensemble. Le rouge vif met en valeur leurs vêtements et le logo central, tandis que le noir et blanc structure la composition, rappelant le style du street art et du pop art. Chaque détail est réalisé avec soin, offrant une interprétation moderne et dynamique de l'univers du rock, où énergie et rébellion se rencontrent sur la toile.

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Le tableau de Stéfanie Raus représenté sur la photo est une œuvre abstraite caractérisée par des coups de pinceau noirs dominants sur un fond crème clair. Les formes noires, dynamiques et expressives, présentent un aspect brut et irrégulier. Avec ses dimensions imposantes (110x160 cm), l’œuvre accentue l’impact visuel de ces traits audacieux, évoquant l’expressionnisme abstrait par son geste pictural. L’œuvre est livrée roulée, sans châssis. Un chassis de 100x150x2 cm est recommandé pour son montage. Chaque création de l’artiste est unique, réalisée à la main selon diverses techniques. Les fissures, entailles, reliefs et projections de peinture font partie intégrante du style et ne constituent pas des défauts, mais un choix artistique assumé. Toutes les œuvres sont signées à la main et accompagnées d’un certificat d’authenticité.

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"Urban Little Girl" – Une œuvre audacieuse signée Lasveguix Plongez dans l’univers percutant de Lasveguix avec "Urban Little Girl", une œuvre où le street art rencontre l’histoire de la culture pop et de la contestation. Entre affiches déchirées, couleurs éclatantes et textures brutes, cette composition unique capte l’énergie vibrante de la rue. Au centre, une fillette en noir et blanc, pinceau levé, semble redéfinir son monde à travers l’art. Son geste innocent et rebelle à la fois contraste avec les icônes culturelles qui l’entourent, notamment l’influence du mouvement OBEY et l’esprit rock de Nirvana. Ce dialogue visuel entre révolte et poésie souligne un message puissant : l’expression artistique est une arme, une liberté et une voix intemporelle. Transformez votre intérieur avec cette œuvre engagée, symbole d’émotion brute et d’indépendance créative.

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Plongez dans l’univers unique de Lasveguix avec "The little artist", une œuvre vibrante mêlant collage urbain, street art et nostalgie cinématographique. Inspirée par l’affiche vintage de Charlie Chaplin, cette création dévoile un enfant en noir et blanc, pinceau à la main, comme un hommage aux esprits libres et créatifs. Les textures déchirées, les éclats de couleurs et les inscriptions manuscrites donnent à cette pièce une profondeur saisissante, témoignant du dialogue entre passé et modernité. L’inscription imposante "ART" souligne le message central : l’expression artistique est une rébellion, un héritage et un jeu d’enfant à la fois. Ajoutez une touche d’authenticité et d’émotion à votre intérieur avec cette œuvre de caractère.

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Plongez dans l’univers de Jean-Philippe Ghiglione avec cette œuvre unique, réalisée à l’huile sur toile et appliquée au couteau. Spécialiste du coquelicot, l’artiste capture toute la délicatesse et l’intensité de cette fleur emblématique. Les pétales rouge profond contrastent magnifiquement avec le fond clair, tandis que les touches de noir et d’or apportent relief et dynamisme. Chaque coup de couteau révèle la texture et le mouvement, offrant une composition à la fois puissante et élégante. Cette peinture est signée par l’artiste et livrée avec un certificat d’authenticité. Idéale pour sublimer un intérieur avec une touche artistique forte et intemporelle.

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Plongez dans l’univers de Lasveguix avec Urban Notre-Dame, une œuvre puissante où le street art dialogue avec l’histoire. En mêlant une photographie en noir et blanc de la cathédrale à un collage urbain fait d’affiches déchirées, de graffitis et de textures brutes, l’artiste capture l’âme de Paris, entre grandeur et résilience. Cette interprétation contemporaine résonne d’autant plus aujourd’hui, alors que Notre-Dame poursuit sa renaissance après l’incendie qui l’a marquée. À travers cette fusion de chaos et d’harmonie, Urban Notre-Dame devient un hommage à la mémoire et à la reconstruction, incarnant à la fois la fragilité et la force d’un monument emblématique. Son esthétique percutante, où les couleurs et les matières s’entrelacent, fait de cette œuvre une pièce unique, idéale pour les passionnés d’art et de patrimoine. Elle invite à voir la beauté là où le temps et l’épreuve laissent leur empreinte, transformant un symbole en une expression artistique puissante et intemporelle.

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Plongez dans l’univers captivant de Lasveguix avec Urban Sacré-Cœur, une œuvre où le street art rencontre l’architecture iconique de Paris. Ce collage urbain, mêlant affiches déchirées, graffitis et photographie en noir et blanc de la basilique du Sacré-Cœur, capture l’essence vibrante de la capitale. Chaque détail raconte une histoire, entre modernité et patrimoine, chaos et harmonie. Cette œuvre incarne toute l’authenticité de l’art urbain, avec une intensité visuelle saisissante grâce à ses textures et ses contrastes. En revisitant un symbole emblématique de Paris avec audace, Urban Sacré-Cœur devient une pièce forte, idéale pour apporter une touche contemporaine et artistique à votre intérieur. Oeuvre unique, elle s’adresse aux amateurs d’art en quête d’une expression brute et vibrante du paysage urbain.

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Ajoutez une pièce d'art urbain unique et chargée de sens à votre collection avec cette œuvre exceptionnelle signée Lasveguix, inspirée du style graphique percutant d'Obey. Intitulée "Make Art Not War White", cette version en blanc symbolise la pureté de la création artistique face au chaos du monde contemporain, tout en conservant un message engagé en faveur de la paix et de la liberté d'expression. La pièce se distingue par ses affiches déchirées et ses superpositions de textures, accompagnées d'éclaboussures de peinture dans des tons vifs qui rappellent l'énergie brute du street art. Au centre, on retrouve Marianne, figure emblématique de la République française, ici entourée de fleurs bleues symbolisant espoir et renaissance. Son regard déterminé incarne la résistance et le pouvoir de l’art pour provoquer le changement. L’originalité de l’œuvre réside également dans son cadre peint à la main, qui fait partie intégrante de la composition. Chaque éclat de peinture, chaque inscription, et chaque couche de collage apportent une dimension vivante et texturée, transformant l'œuvre en une véritable déclaration artistique. Cette œuvre invite à la réflexion tout en apportant une esthétique urbaine chic et contemporaine à votre intérieur. Les couleurs blanches, bleues et éclats multicolores se marient parfaitement avec tout type de décoration, ajoutant une touche audacieuse et sophistiquée à vos espaces de vie ou de travail.

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Découvrez cette œuvre unique de Lasveguix, un vibrant hommage à l’univers graphique d’Obey, emblématique du mouvement street art. Intitulée "Make Art Not War Pink", cette version rose apporte une touche féminine et engagée, tout en conservant la puissance du message militant qui fait la renommée d’Obey. La pièce se distingue par ses affiches lacérées et superposées, mêlées à des éclaboussures de peinture vives qui accentuent l’effet brut et spontané du collage urbain. Le visage iconique de Marianne, symbole intemporel de liberté et de révolution, occupe le centre de la composition, entourée d'un cadre peint à la main, faisant intégralement partie de l’œuvre. Ce cadre original renforce le caractère artistique de la pièce et sublime les détails chaotiques et texturés du collage. Chaque élément de l'œuvre raconte une histoire : les déchirures, les couches de peinture, et les inscriptions ajoutent une profondeur visuelle captivante, rendant chaque regard différent. La palette de tons roses, blancs et éclats multicolores évoque un mélange de douceur et d’intensité, apportant une énergie unique à votre espace. Cette pièce est bien plus qu'une simple œuvre murale : elle est un véritable manifeste artistique, porteur d’un message intemporel en faveur de la création et de la paix. Parfait pour les collectionneurs, les amateurs de street art, ou ceux qui souhaitent insuffler une touche rebelle et chic à leur intérieur.

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Plongez dans l'univers fascinant de Lasveguix avec cette création de street art réalisée grâce à des techniques de collage mixte. Inspirée par l’affiche emblématique du film "Interstellar" de Christopher Nolan, cette œuvre met en scène un astronaute solitaire en noir et blanc, semblant émerger des profondeurs d’un monde déchiré et superposé. Autour de cette image centrale, des fragments de posters colorés, des typographies urbaines et des graffitis aux tons vifs — rouge, bleu, vert et noir — créent un effet de contraste saisissant. Les couches déchirées, juxtaposées avec soin, évoquent une atmosphère à la fois cinématographique et brute, fidèle à l’essence du street art. Les tags et textures ajoutent une dimension authentique et dynamique, tandis que l’ensemble de l’œuvre joue avec l’idée de temps et d’espace, à l’image du film qui l’inspire. Parfait pour les amateurs de science-fiction, de cinéma culte et d’art urbain, ce collage unique apportera une touche moderne et audacieuse à votre intérieur, en célébrant à la fois la culture pop et l’expression artistique contemporaine.

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Découvrez cette création singulière de Lasveguix, mêlant avec brio collage urbain et hommage culturel. Au cœur de la composition, une icône intemporelle du cinéma, Charlie Chaplin, surgit avec élégance sur un fond vibrant de jaune éclatant. Son regard malicieux et son célèbre costume ajoutent une touche rétro, tout en contrastant avec les affiches déchirées et superposées. Les multiples couches révèlent des fragments d'affiches de concerts, de typographies anciennes et de graffitis aux tons vifs — bleu, rouge, noir — créant un effet de profondeur riche et dynamique. L'intégration subtile de tags noirs renforce l'authenticité street art, offrant une œuvre brute mais raffinée, fidèle à l'esthétique urbaine. Cette pièce unique célèbre l’héritage du 7ᵉ art tout en s'ancrant résolument dans la modernité des rues. Parfaite pour les amateurs d'art urbain et de cinéma, elle apportera une touche artistique audacieuse et colorée à n'importe quel intérieur.

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Plongez dans un univers vibrant avec "Call Me Baby Nº10", une œuvre audacieuse signée par l'artiste contemporain Mikko. Cette toile fusionne le style pop art et l'expressionnisme abstrait, mettant en avant un visage féminin captivant qui semble émerger d'une pluie de couleurs éclatantes. Mikko joue avec une palette vive de jaune, rouge, rose, bleu et vert, créant une harmonie de taches et d'éclaboussures qui apportent vie et mouvement à l'œuvre. Les lignes noires audacieuses définissent les contours du visage et des cheveux, ajoutant profondeur et intensité à ce tourbillon artistique. Chaque détail semble raconter une histoire unique, rendant cette pièce parfaite pour dynamiser un espace moderne et affirmé. Transformez votre intérieur avec cette explosion artistique qui incarne la créativité sans limite de Mikko. Une œuvre incontournable pour les amateurs d'art moderne et de couleurs vibrantes.

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Découvrez une réinterprétation audacieuse de la célèbre Mona Lisa dans un style street art unique par l'artiste Quinoa+ (Quinoa Ribes). Sur fond doré, ce tableau fusionne l’élégance intemporelle de l’icône de la Renaissance avec l'énergie brute du graffiti urbain. L'auréole blanche symbolique apporte une touche d'ironie céleste, tandis que les lettrages et tags colorés, dont les mots "SEND YOUR CHILD TO ART SCHOOL" et "QUEEN," injectent une modernité vibrante et engagée. Chaque détail, des coulures dynamiques aux bombages multicolores, révèle la dualité entre tradition et rébellion artistique, rendant cette pièce incontournable pour les amateurs d'art contemporain et de culture urbaine. Ajoutez cette œuvre iconique à votre collection et donnez à votre espace une touche d’audace, d’histoire et de créativité urbaine.

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Cette œuvre, réalisée par l'artiste HÖK, est une explosion de couleurs, de symboles et de références culturelles qui s'inscrit dans le style pop art urbain. L'œuvre met en avant un personnage inspiré de l'iconographie du Joker, célèbre pour son sourire exagéré et ses couleurs vibrantes. Ce personnage est souvent utilisé pour représenter des concepts comme la dualité, la folie ou une critique sociale. On distingue des éléments liés à la culture pop, notamment le logo emblématique de Coca-Cola, qui symbolise la société de consommation et la mondialisation. Des mots et phrases comme "Love is a game", "Power to the People", et "Love" ajoutent une dimension textuelle, incitant le spectateur à réfléchir sur l'amour, le pouvoir et les idéaux. La palette est dominée par des couleurs vives et saturées : rouge, bleu, vert, jaune, et rose, typiques du pop art. Les techniques incluent des éclaboussures de peinture, des graffitis et des superpositions, créant un effet énergique et chaotique. Les lignes noires renforcent les contours du personnage et donnent une structure visuelle à l'œuvre. Le style évoque une fusion entre le pop art de Warhol et les influences street art modernes. L'utilisation de marques comme Coca-Cola et de figures culturelles populaires souligne une critique ou une réflexion sur l'omniprésence des médias et du capitalisme dans notre quotidien. En résumé, cette œuvre de Hök est un hommage provocateur à la culture contemporaine, combinant art urbain et symbolisme pop. Elle interpelle sur des thématiques sociétales tout en captivant par son énergie visuelle.

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Cette œuvre de l'artiste EGHNĀ revisite l'iconique personnage de Hello Kitty dans un style street art audacieux et saturé. Le visage du célèbre chat est au centre, mais déformé et enrichi d'un ensemble de graffitis, tags et éléments graphiques éclatants. Le contour noir épais de Hello Kitty est accentué par des touches de rose, rouge et noir qui lui donnent une allure presque irrévérencieuse, en opposition à son apparence traditionnelle et épurée. Sur la partie supérieure, des inscriptions manuscrites, telles que "NAME KITTY HELLO?" et des expressions en lettres noires, ajoutent une couche de questionnement ou de réinterprétation. Des motifs de cœurs, des yeux stylisés, et des mots comme "LOVE" et "CUTE" apparaissent de façon déstructurée. Un contraste visuel important est créé par les couches de peinture rose et les traits noirs qui couvrent certaines parties, donnant une impression de chaos maîtrisé et d'ironie. Le mot "HELLO K." peint en majuscules roses au bas de l'œuvre, et les phrases "BYE BYE BYE" et "LOVE" sur le côté droit renforcent l'idée d'un dialogue entre le personnage familier et sa transformation contemporaine. Cette juxtaposition symbolise l'appropriation culturelle et la transformation d'éléments pop en outils de contestation et d'expression artistique. Le mélange de techniques et de styles, typique du street art, transmet une critique douce-amère du consumérisme et de l'image idéale que représente Hello Kitty.

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Cette œuvre de l'artiste Quinoa+ (Quinoa Ribes), réalisée dans un style street art, s'inspire d'une peinture classique tout en la revisitant de manière moderne et audacieuse. Elle représente une figure féminine drapée qui rappelle les tableaux de Vermeer (The Milkmaid), notamment par sa posture contemplative et la lumière qui semble tomber sur son visage. L'arrière-plan est d'un bleu apaisant qui contraste avec les éléments vibrants superposés. La figure est entourée de graffitis colorés, tags et éléments abstraits qui couvrent partiellement la scène, insufflant énergie et mouvement. On y trouve des mots tels que "FUN" et des motifs variés en jaune, rose, bleu et vert qui rappellent l'art urbain. Ces ajouts illustrent une collision entre l'art classique et la culture urbaine contemporaine, symbolisant à la fois la modernité et l'héritage du passé. Une inscription humoristique "Send Your Child to Art School" apparaît également, ajoutant une note de satire.

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Cette œuvre d'art réalisée avec de la peinture acrylique sur toile de l'artiste de pop art EGHNĀ met en scène le personnage de Snoopy dans un style vibrant et dynamique. L'arrière-plan se compose de teintes de rouge, blanc, et rose, formant une texture abstraite et énergique. Snoopy est représenté avec un large sourire et un cœur rouge proéminent entouré de motifs de cœurs plus petits et de différents textes manuscrits tels que "LOVE SONG" et "POP LOVE". Les coups de pinceau semblent délibérément expressifs, donnant une sensation d'énergie et de spontanéité. Des éléments comme des lignes, des dessins griffonnés et des phrases inscrites renforcent l'aspect joyeux et chargé d'émotion de la pièce.

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L'œuvre "Campbells Spray Fuck The Police" de Mikko est une pièce percutante qui évoque l'esprit de la contestation et de la provocation. Dans un style très proche de celui de Banksy, Mikko juxtapose l'innocence et la rébellion en mettant en scène un policier, un enfant et une canette de soupe Campbell, icône de la culture pop. Le policier, symbole de l'autorité, se tient à côté d'un enfant dont l'insouciance contraste avec l'acte de défi représenté par le nom de l'oeuvre "Fuck The Police". Le fond bariolé, un tourbillon de couleurs vives et chaotiques, est une explosion visuelle de techniques mixtes. Utilisant de la peinture acrylique, des masques, des feutres, de l'aérosol, des crayons et la technique de giclée, Mikko crée une texture riche et dynamique qui ajoute une profondeur à la scène, tout en renforçant l'intensité du message. L'ironie de la célèbre canette de soupe Campbell, symbole de la culture de masse et de la société de consommation, vient souligner la critique implicite des institutions. Cette œuvre, à la fois provocante et esthétiquement frappante, s'inscrit dans une tradition d'art engagé, où chaque élément visuel participe à la narration d'un message de résistance sociale.

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