Toutes les œuvres d'art

Sur ce panneau de signalisation authentique, Lasveguix présente une nouvelle variation autour de l’esthétique urbaine qui fait sa signature. Au centre, une figure féminine inspirée de l’iconographie d’Obey apparaît à travers un collage dense de fragments d’affiches, de typographies éclatées et de couleurs vives. Le bleu profond du portrait contraste avec les strates de papier déchiré qui l’entourent, évoquant le caractère éphémère et vivant des murs de la ville. La texture réfléchissante du panneau, encore visible sous le collage, apporte un jeu de lumière subtil et renforce le contraste entre la rigidité du mobilier urbain et la liberté expressive du street art. Les bordures rouges du panneau encadrent la composition comme un rappel de son origine fonctionnelle, désormais détournée en support artistique. Les couches superposées de papier, parfois usées, parfois éclatantes, donnent à l’ensemble une profondeur presque sculpturale. On y perçoit l’accumulation du temps, les traces de passages, les récits visuels qui se chevauchent pour former un fragment de ville figé dans l’instant. Avec cette œuvre, Lasveguix brouille les frontières entre symbole, matière brute et esthétique urbaine. Il transforme un objet utilitaire en un support chargé de poésie visuelle, où l’icône renaît au cœur du chaos urbain, entre mémoire collective et réinvention artistique.

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Sur ce véritable panneau de signalisation détourné, Lasveguix déploie l’une de ses signatures artistiques : un collage vibrant, saturé de fragments d’affiches, de typographies éclatées et de textures urbaines qui semblent arrachées aux murs de la ville. Au cœur de cette composition surgit la figure de Marianne, inspirée de l’esthétique d’Obey, symbole de liberté et d’engagement citoyen. La silhouette de Marianne apparaît comme une révélation au milieu d’un chaos visuel maîtrisé. Les couches déchirées, les couleurs vives et les superpositions de papier créent un effet de profondeur qui évoque l’érosion naturelle des murs urbains, où les affiches se succèdent, se recouvrent et finissent par raconter une histoire collective. Le fond réfléchissant du panneau, partiellement visible sous les interventions artistiques, introduit un contraste fort entre la rigidité du code routier et l’énergie libre du street art. Les éclaboussures de peinture rose, les graffitis et la signature de l’artiste renforcent l’impression d’un objet arraché à l’espace public puis transformé en œuvre unique. Avec cette pièce, Lasveguix joue sur les frontières : celles entre symbole républicain et culture pop, entre espace réglementé et expression personnelle, entre effacement et révélation. L’œuvre devient un fragment de ville, figé dans le temps, où Marianne renaît au cœur du chaos urbain.

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Dans cette œuvre singulière, Lasveguix détourne un véritable panneau de signalisation pour en faire un support artistique chargé de sens et de contrastes. Au cœur du panneau, un collage fragmenté laisse apparaître une image iconique de Charlot, le personnage légendaire incarné par Charlie Chaplin, assis avec un petit chien. Cette figure emblématique du cinéma muet surgit à travers des strates d’affiches déchirées, de typographies partiellement lisibles et de motifs urbains qui se chevauchent. Le fond réfléchissant du panneau, encore visible par endroits, crée un dialogue saisissant entre l’univers réglementé de la signalisation routière et l’énergie brute du street art. Les bords noircis, les griffures, ainsi que les tags ajoutés par l'artiste renforcent l’impression d’un objet arraché à la rue pour être réinventé. La superposition de textures — papier arraché, traces de colle, usure naturelle et interventions picturales — confère à l’ensemble une dimension quasi archéologique. Comme un fragment du paysage urbain figé dans le temps, le panneau raconte l’histoire de la rue tout en rendant hommage à Chaplin, symbole intemporel d’humanité, de poésie et de mélancolie. En utilisant un support aussi codifié et chargé de fonction que le panneau de signalisation, Lasveguix brouille les frontières entre art, mobilier urbain et détournement poétique. L’œuvre devient alors un objet hybride, à la fois familier et subversif, où tradition iconique et chaos urbain se rencontrent pour former une pièce à l’esthétique puissante et mémorielle.

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Cette œuvre de Lasveguix revisite avec audace l’iconique Vache qui Rit, figure familière de la culture populaire française, en l’inscrivant dans un univers urbain vibrant. Au centre de la composition, la célèbre vache rouge souriante apparaît en grand format, entourée d’affiches lacérées, de textures brutes, de fragments typographiques et de tags qui composent un mur vivant, typique du style street art de l’artiste. Le slogan « Vachement Bon » surgit dans la partie supérieure, tandis que le bas du visuel laisse apparaître, partiellement dissimulée sous les déchirures d’affiches, l'inscription « La Vache qui Rit ». Ce jeu de superpositions crée une tension visuelle entre le message publicitaire d’origine et son réinterprétation contemporaine. En mêlant nostalgie d’une icône publicitaire, énergie des rues et chaos poétique du collage, Lasveguix détourne un symbole du quotidien pour le transformer en objet d’art. L’œuvre joue sur les contrastes : entre propreté graphique et usure urbaine, entre image lisse et textures éclatées, entre mémoire collective et réappropriation artistique. Par cette composition dynamique et expressive, Lasveguix inscrit La Vache qui Rit au cœur de son univers : un espace où la pop culture, la rue et la création se rencontrent et se réinventent.

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Marianne Obey Urban Wall est une œuvre urbaine vibrante signée Lasveguix, mêlant collage, superposition d’affiches déchirées et iconographie emblématique. Au centre de la composition apparaît la figure de Marianne, inspirée du style graphique d'Obey, entourée de motifs floraux et positionnée sur un fond tricolore bleu-blanc-rouge. L’inscription républicaine “Liberté, Égalité, Fraternité” traverse verticalement l’œuvre, renforçant la portée symbolique de la pièce. Autour de cette figure centrale, Lasveguix construit un mur vivant, fait d’affiches arrachées, de tags, d’éclats de couleurs et de textures irrégulières. Les couches successives révèlent un dialogue entre ordre et chaos, entre message officiel et expression populaire. Les fragments de typographies, les traces de peinture et les symboles graphiques confèrent à l’ensemble une esthétique brute, énergique et résolument street art. En fusionnant une icône de l’identité française avec l’esthétique urbaine contemporaine, l’artiste crée une œuvre qui interroge l’espace public, la citoyenneté et la puissance visuelle des symboles. Marianne Obey Urban Wall affirme ainsi une identité forte : celle d’un mur qui parle, qui vit, et qui porte à la fois mémoire et modernité.

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Dans cette œuvre, Lasveguix rend hommage à Obey, figure emblématique du street art mondial, en revisitant l’iconique Marianne au travers de sa propre esthétique. Sur un morceau de carton déchiré, aux bords brûlés par le temps, l’artiste recrée l’illusion d’un fragment arraché à un mur urbain — témoin d’un passage, d’un cri visuel, d’une mémoire de rue. Les couches d’affiches superposées, les traces de graffiti et les éclats de peinture mêlent chaos et harmonie. Le visage de la Liberté, partiellement dévoilé, émerge du collage comme un symbole intemporel, à la fois fragile et indestructible. La mention “Made in France”, inscrite à la main, agit comme une signature manifeste : celle d’un artiste qui célèbre la scène urbaine française tout en dialoguant avec ses influences internationales. À travers Fragment de Liberté, Lasveguix interroge la notion de trace et d’héritage. Chaque déchirure devient la marque d’un geste, chaque morceau de carton, une parcelle de mur qui raconte la liberté d’expression. Taille encadrée : 42 x 32 x 3 cm

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Cette œuvre de Lasveguix incarne parfaitement la tension entre héritage et modernité. Sur un fond noir minimaliste se détache un collage vibrant où se mêlent textures, fragments d’affiches et éclats de couleurs. Au centre, le visage féminin iconique — inspiré des codes graphiques du street art engagé — symbolise la Liberté, mot partiellement dévoilé, comme arraché au mur du temps. Autour de cette figure, Lasveguix superpose des couches de papiers déchirés, de graffitis et de peintures aux nuances vives, créant une composition à la fois brute et poétique. L’inscription “Made in France”, peinte à la main, vient ancrer le message : une affirmation d’identité artistique et culturelle, fièrement enracinée dans la scène urbaine française. Entre hommage et détournement, cette oeuvre célèbre la puissance du collage comme acte de mémoire et de résistance. Chaque déchirure devient un geste de liberté, chaque trace une empreinte de rue. Taille encadrée : 42 x 32 x 3 cm

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Dans cette œuvre, Lasveguix explore la technique du collage et de l’affiche déchirée pour revisiter une icône graphique bien connue : la Marianne popularisée par Shepard Fairey (Obey). Au centre, le visage stylisé et ornementé émerge à travers des strates d’affiches colorées, typographiques et manuscrites, créant un jeu de dévoilement progressif. La composition donne l’impression d’un fragment arraché à un mur urbain, comme une section de palimpseste visuel où les couches successives d’affichage racontent une histoire collective. En mêlant l’univers visuel d’Obey — symbole de résistance et de contre-culture — à son propre langage plastique, Lasveguix compose une pièce à la fois brute et poétique. Les déchirures, les superpositions et les textures font écho à la matérialité de la rue, où les images s’effritent et se réinventent au fil du temps. L’œuvre interroge ainsi la tension entre icône et appropriation contemporaine, entre mémoire commune et expression personnelle. Taille encadrée : 42 x 32 x 3 cm

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Avec Abstrakt schwarz weiss XXL, Stéfanie Raus propose une immersion dans un univers où rythme, mouvement et énergie picturale s’entrelacent. La toile, monumentale, se déploie dans un contraste radical entre noir profond et tracés blancs dynamiques. Ces lignes, tour à tour courbes, boucles et arabesques, recouvrent la surface comme une écriture spontanée, une calligraphie abstraite qui échappe à toute lecture rationnelle. Le fond noir agit comme un champ d’intensité sur lequel se détachent ces gestes répétés, créant un effet de vibration visuelle. L’alternance entre densité et respiration, entre superpositions et espaces laissés libres, confère à l’ensemble une musicalité presque hypnotique. Cette œuvre s’inscrit dans la recherche constante de Stefanie Raus : faire de l’abstraction un langage sensoriel et immédiat, où le spectateur est invité à projeter son propre imaginaire et à se laisser emporter par la force du geste.

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Dans cette œuvre, Stéfanie Raus explore la radicalité du contraste et la puissance du geste pictural. Une large forme noire, dense et mouvante, occupe presque tout l’espace de la toile, créant une tension immédiate entre plénitude et vide. Le fond clair, laissé apparent par fragments, agit comme un contrepoint lumineux qui souligne la profondeur de la masse sombre. Les contours irréguliers et les ouvertures blanches au cœur de la composition suggèrent un mouvement organique, presque calligraphique, où le noir se déploie comme une énergie brute. Les éclaboussures et traces périphériques rappellent l’instantanéité de l’acte créatif, où la spontanéité du geste s’impose sur toute recherche de perfection formelle. Par sa force minimaliste et son intensité visuelle, cette toile acrylique incarne la démarche de Stefanie Raus : une peinture de l’essentiel, qui interroge la matière, l’espace et le regard, en oscillant entre chaos et équilibre.

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Dans cette œuvre, Stéfanie Raus déploie un langage visuel minimaliste et gestuel où la fluidité des lignes dialogue avec la rigueur de la composition. Sur un fond brun chaleureux et mat, des tracés blancs épais, souples et continus s’entrelacent pour former un réseau labyrinthique. L’artiste explore ici la tension entre contrôle et spontanéité : chaque ligne semble à la fois calculée et libre, évoquant un mouvement perpétuel. Les éclaboussures de peinture, laissées volontairement visibles, renforcent la dimension organique de la toile et rappellent le geste de l’artiste dans l’instant de création. Cette combinaison entre rigueur géométrique et vitalité du geste confère à l’œuvre une présence à la fois graphique et méditative. Cette toile acrylique illustre parfaitement la démarche de Stefanie Raus, où l’abstraction devient terrain d’expérimentation sensorielle et émotionnelle, invitant le spectateur à se perdre dans les méandres des lignes et à retrouver son propre rythme intérieur.

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Cette œuvre de Lasveguix s’inscrit dans une esthétique urbaine brute, entre collage, détournement et graffiti. Le fond est constitué de couches successives d’affiches arrachées, de fragments typographiques et d’images publicitaires qui rappellent les murs saturés de la ville, porteurs de mémoires visuelles superposées. Au centre, un visuel en noir et blanc reprend l’iconographie du célèbre jeu vidéo Space Invaders, accompagné du mot « LOST », renforçant l’idée de disparition ou d’errance dans le chaos visuel urbain. Par-dessus, un graffiti en lettres noires épaisses et spontanées annonce « INVADER WAS HERE », clin d’œil direct à l’artiste de rue Invader et à sa pratique du marquage de territoire par ses mosaïques. Un halo bleu en arrière-plan souligne l’inscription, comme pour lui donner une aura particulière, tandis que les couleurs déchirées et les textures des affiches participent à l’effet de palimpseste. L’œuvre interroge la trace, la mémoire et l’éphémérité dans l’espace public : ce qui est collé, recouvert, griffé, puis à nouveau réapproprié. Elle met en tension la culture populaire (jeu vidéo, street art) et la décomposition poétique des murs de la ville.

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Cette toile grand format d’Irina Vladau (150 x 150 cm) se déploie comme une véritable explosion de textures et de couleurs. L’artiste joue avec des nuances de rose poudré, bleu azur, gris profond et blanc lumineux, créant une composition aérienne et organique. Les coups de pinceau amples et les superpositions de matière donnent une impression de mouvement, presque de respiration, comme si la toile captait l’éphémère d’un ciel en mutation ou d’un paysage abstrait en suspension.Quelques touches plus vives – bleu turquoise, rouge carmin ou brun chaleureux – viennent rythmer l’ensemble et attirer le regard vers des zones de densité contrastant avec des espaces plus légers et diffus. À la fois abstraite et poétique, cette œuvre invite à la contemplation et à l’introspection. L’équilibre entre spontanéité et subtilité des nuances reflète la recherche d’Irina Vladau : transformer l’émotion brute en harmonie picturale.

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Cette œuvre naît de la rencontre de deux univers complémentaires.En arrière-plan, Lasveguix compose une fresque urbaine vibrante : affiches déchirées, fragments de typographies, héros de la pop culture et matières arrachées forment une mosaïque brute, comme les murs d’une ville saturés de mémoire collective et d’imaginaires populaires. Parmi ces strates, on devine la figure mythique de Goldorak, icône intergénérationnelle, surgissant tel un totem héroïque au milieu du chaos. Sur la vitre qui protège le collage, Wawapod intervient avec son langage visuel caractéristique : une grille de points colorés, quasi pixelisée, qui agit comme un filtre optique et une relecture contemporaine. Ce voile graphique transforme la perception de l’œuvre, la brouille et la révèle à la fois, en rappelant aussi bien les codes du numérique que ceux de la sérigraphie. En combinant leurs gestes, les deux artistes offrent une double lecture : la mémoire nostalgique et urbaine de Lasveguix dialogue avec l’abstraction pop et rythmée de Wawapod. L’ensemble devient une œuvre hybride, à la fois hommage à l’enfance et exploration esthétique du regard contemporain.

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Urban Girl est une ode à la féminité au cœur du chaos urbain. Le visage d’une jeune femme, avec une intensité presque photographique, émerge d’un tourbillon de couleurs, d’affiches déchirées et de textures arrachées. Les lambeaux de papiers, aux teintes vives de bleu, rose et or, se superposent comme les strates de mémoire de la ville, créant une tension entre fragilité et puissance. Le regard fermé et l’expression de la figure suggèrent un abandon, une respiration, comme si elle s’offrait un instant d’intimité dans le tumulte du monde extérieur. L’arrière-plan, marqué de graffitis et de mots griffonnés — “je t’aime” — inscrit cette présence féminine dans l’énergie brute de la rue, entre déclaration intime et cri public. Avec Urban Girl, Lasveguix capte la beauté fugitive qui se cache dans les murs écorchés et les ruines colorées de nos cités. L’œuvre devient ainsi un portrait à la fois poétique et sauvage, où la ville et l’intime se fondent en une même vibration.

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Dans cette œuvre éclatante, Willis revisite le mythe antique de Cupidon, dieu de l’amour, en le propulsant dans une esthétique résolument contemporaine. L’enfant ailé, arc tendu, s’apprête à tirer une flèche d’amour — symbole universel du désir, de la passion et de la vulnérabilité humaine. Sur un fond jaune vibrant, éclaboussé de projections blanches dynamiques, la silhouette de Cupidon se détache avec force. Les ailes vertes, détaillées et organiques, contrastent avec le traitement graphique en noir et blanc du corps, offrant un jeu de textures et de matières. La posture en suspension, presque chorégraphique, fige le mouvement en plein vol, renforçant l’intensité dramatique du geste. L’utilisation conjointe du pochoir, de la peinture acrylique et de la bombe aérosol témoigne de la signature de l’artiste : un style urbain assumé, à la croisée de l’art classique et du street art. Le « W » noir apposé dans le coin inférieur droit affirme l’identité de l’œuvre. Avec The FLIGHT of LOVE, Willis propose une relecture audacieuse de la figure mythologique, mêlant amour, tension et énergie urbaine dans un tableau aussi pop que poétique.

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Dans cette œuvre percutante, Willis, Street Artist, explore le thème de la dualité de l’être à travers un visage scindé en deux moitiés contrastées. D’un côté, le personnage arbore un rictus de clown inquiétant, renvoyant à une figure chaotique et théâtrale ; de l’autre, un visage plus sombre, plus réaliste, exprimant une tension intérieure. Cette fusion évoque clairement le Joker de l’univers Batman, et plus particulièrement l’interprétation intense et tourmentée de Joaquin Phoenix dans le film Joker (2019), où le personnage oscille entre marginalisation sociale, souffrance psychologique et explosion de violence. Le fond texturé en nuances de gris et de noir, traité avec un effet marbré, accentue la violence latente de la composition et met en valeur le contraste saisissant du portrait central. L’artiste joue habilement avec le clair-obscur, utilisant le pochoir comme outil d’impact visuel et symbolique. En bas à droite, l’empreinte "W" signée au pochoir confirme l’identité de l'artiste tout en rappelant l'univers urbain de ses créations. Avec Dualité, Willis questionne les limites entre le personnage et la personne, entre apparence et vérité, dans une société où les masques sont omniprésents.

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Dans "Amour Sauvage", Lasveguix fusionne l’instinct brut de la nature avec l’énergie urbaine du street art contemporain. Cette œuvre foisonnante juxtapose l’image majestueuse et hyperréaliste d’un lion, symbole de force et de fierté, à un collage chaotique de publicités, de graffitis et d’affiches vintage lacérées, témoins d’une mémoire collective urbaine. Le mot "OUI", peint en rose vif au centre de la toile, tranche avec la sauvagerie du félin et évoque un élan d’acceptation, d’espoir ou de passion brute. On y devine aussi une femme illustrée, façon pop art, qui semble regarder le spectateur avec intensité — un rappel à la fois nostalgique et puissant de la figure féminine dans l'imaginaire populaire. Lasveguix explore ici la dualité entre l’amour et l’instinct, le civilisé et le sauvage, le passé et le présent. Les couches de peinture éclaboussées, les typographies superposées et les éléments déchirés donnent à l'œuvre un rythme presque musical, entre tension et harmonie. "Amour Sauvage" est une déclaration visuelle où la tendresse côtoie la puissance, et où l’art de rue devient le langage d’émotions primaires, exprimées avec une intensité saisissante.

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Dans Cautiva dorada, J. Hanter poursuit son exploration sensible de la féminité et de l’intériorité à travers une composition à la fois puissante et poétique. Le portrait d’une femme, de profil, les yeux clos et le visage apaisé, occupe toute la verticalité de la toile. Sa chevelure sombre, fluide et légèrement tourmentée, devient le support d’un ornement somptueux, fait de motifs dorés stylisés évoquant à la fois des feuilles, des cellules, des empreintes génétiques ou des parures végétales. Ces tracés à l’acrylique dorée, d’une précision ornementale presque calligraphique, s’entrelacent dans les cheveux comme une cage précieuse, à la fois captivante et protectrice. Ils semblent retenir, comme en suspens, la pensée ou la mémoire de la figure représentée, tout en soulignant son mystère. L’arrière-plan, dans des tons chauds et veloutés, fait ressortir la délicatesse du visage, traité à l’huile avec un modelé doux et une palette subtile. L’ensemble dégage une impression de silence intérieur, d’abandon, de captivité choisie. Avec Cautiva dorada, J. Hanter interroge le lien entre ornement et identité, entre contrainte et beauté. L’œuvre évoque une dualité entre l’enfermement symbolique et la richesse intérieure, suggérant que certaines prisons sont faites d’or, mais aussi de rêve.

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