Toutes les œuvres d'art

Dans cette œuvre percutante, Lasveguix rend hommage à Jean-Michel Basquiat, figure emblématique de l’art urbain et de la culture afro-américaine. Le visage en noir et blanc de Basquiat, vêtu d’un costume-cravate sobre, contraste avec l’explosion chaotique de papiers déchirés, de couches d’affiches arrachées, de couleurs et de graffitis qui l’entourent. Le portrait classique se voit littéralement envahi par une matière urbaine vivante, marquant la tension entre l’icône figée et l'énergie brute de la rue. L’approche de Lasveguix consiste à déconstruire l’image pour mieux la recontextualiser, dans un langage plastique fait de couches superposées, de textures et de typographies à moitié effacées. On y distingue des fragments de mots ("err", "live", "you"), des éclats de peinture rose, jaune et noire, ainsi que des éclaboussures qui rappellent le geste spontané du street art. Le résultat est un portrait à la fois révérencieux et organique, dans lequel l’identité de Basquiat émerge à travers le tumulte visuel comme une présence persistante, insoumise et mythique.

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Dans cette œuvre saisissante, Giorgio Stocco compose une danse entre image, texte et couleur. Sur une double-page de dictionnaire ancien (imprimée et collée sur la toile), l’artiste peint une ballerine en plein mouvement, sourire aux lèvres, incarnant grâce et légèreté. Le fond typographique devient scène et décor, où chaque mot imprimé semble participer au ballet. La robe de la danseuse, constituée de motifs losangés rouges et turquoise, évoque le costume d’un arlequin, symbole d’élégance et de jeu. Autour d’elle, une pluie de pétales en rouge, turquoise et noir explose littéralement sur la page, mêlant dynamisme et poésie. Cette profusion de couleurs rompt la rigidité du texte imprimé et évoque une libération joyeuse de l’expression artistique. Par cette œuvre, Stocco explore le contraste entre structure (le dictionnaire, outil de définition et de cadre) et liberté (le mouvement, la couleur, la danse), donnant ainsi une seconde vie à une page oubliée en la transformant en scène d’émotion.

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Cette pièce de Lasveguix présente une réinterprétation urbaine et contemporaine d'une icône mondiale : Mickey Mouse. Sur un fond bleu éclatant, le célèbre personnage de Disney est représenté de manière classique avec son short rouge et son large sourire, mais il est en partie recouvert par un collage chaotique de papiers déchirés, d’affiches lacérées et de couches de peinture.La juxtaposition entre la netteté du dessin animé et l'aspect brut et fragmenté du collage évoque une tension entre nostalgie, culture populaire et effacement du temps. Les éclats de couleurs vives (rouge, bleu, noir, jaune) associés aux matières déchirées apportent un dynamisme qui semble faire éclater l'image de Mickey hors de son cadre original.En bas à droite, la signature "Lasveguix" ancre l'œuvre dans l’univers du street art et du pop art, fidèle au style de l'artiste qui aime mêler références populaires et esthétiques de rue.

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Dans cette œuvre haute en couleurs, Chris Giio revisite avec humour et espièglerie plusieurs icônes de la pop culture. Au centre, Pinocchio, symbole universel du mensonge et de l'innocence, est représenté avec son nez allongé, entouré d’éléments emblématiques : Snoopy émergeant d’une boîte de soupe rappelant Warhol, Titi en plein vol, une banane en clin d'œil à Warhol et au pop art, ainsi que plusieurs personnages inspirés du style de Keith Haring. L’arrière-plan turquoise vif accentue l'énergie de la composition, tandis que les mots "LOVE", "ART" et "WOOW" ajoutent une touche d'enthousiasme et de légèreté. Chris Giio fusionne ici différents codes visuels pour créer un hommage vivant et décalé à l’univers du street art et du pop art.

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Avec Balloonn Mickey, Chris Giio réinvente une icône de la pop culture dans une version gonflée d’humour, de références artistiques et de légèreté. Le célèbre personnage prend ici l’apparence d’un ballon aux reflets brillants, assis joyeusement sur une boîte Brillo en hommage direct à l’univers d’Andy Warhol. La présence d’une couronne jaune flottante ajoute une touche d’irrévérence façon Basquiat, fusionnant ainsi trois mondes artistiques en un seul tableau. L’artiste joue sur les codes de l’art contemporain en mêlant nostalgie, culture populaire et esthétisme ludique dans une œuvre pleine d’énergie. Avec son fond blanc épuré, Balloonn Mickey capte immédiatement l’attention et s’impose comme une pièce forte dans un intérieur moderne, une galerie ou une collection privée.Parce qu’il réunit Mickey, Warhol et Basquiat dans un seul clin d’œil malicieux, Balloonn Mickey est une explosion de références pop et d’énergie positive. Un must-have pour les amateurs d’art contemporain qui n’ont pas perdu leur âme d’enfant.

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Chris Giio rend hommage à l'une des plus grandes légendes de la scène rock internationale à travers une œuvre saisissante, énergique et profondément expressive. Sur une toile ronde de 80 cm de diamètre, l’artiste capture avec puissance l’aura scénique et l’intensité mythique de cette icône universelle, figée dans une pose devenue culte. L’arrière-plan noir mat fait ressortir avec force les contrastes du personnage : le blanc éclatant de sa tenue de scène, la célèbre veste jaune à sangles, le micro à la main et l’expression concentrée de celui qui électrisait les foules. Le mot "ICON", subtilement inscrit dans l’ombre, vient renforcer le caractère intemporel de ce portrait vibrant.

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Plongez dans l’univers pop et coloré de Chris Giio avec cette œuvre vibrante et décalée mettant en scène un personnage emblématique revisité à la sauce street art. Sur un fond orange éclatant, ce canard bien connu, vêtu d’un smoking bleu électrique et coiffé d’un haut-de-forme, affiche des symboles dollars à la place des yeux, incarnant avec ironie l’obsession contemporaine pour la richesse. Autour de lui gravitent billets de banque stylisés, signes monétaires, et références subtiles à l’univers de Keith Haring et Jean-Michel Basquiat, dans une composition explosive mêlant pop culture et art urbain. Le mot "DOLLAR'S", écrit à la main près d’une couronne jaune, renforce le clin d’œil critique à notre société de consommation. Un mélange percutant entre nostalgie, critique sociale et esthétique street pop. Parfaite pour dynamiser un intérieur moderne avec une œuvre originale qui ne passe pas inaperçue.

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Cette œuvre d'EGHNĀ est une peinture sur toile qui fusionne les codes du street art avec une icône de la culture populaire, ici détournée de manière provocatrice. On y reconnaît une représentation stylisée et fragmentée de Mickey Mouse, dont le visage est recouvert de graffitis, de coulures de peinture, et de textes gribouillés évoquant l’univers urbain et rebelle du graffiti. La palette de couleurs est dominée par le noir, le blanc, le gris et le rouge. Le fond, chaotique et saturé, mêle effets de brume, traces de pinceau larges, éclaboussures et coulures rouges, qui rappellent des taches de sang. Des inscriptions comme « BRONX », « vandal », ou encore des tags illisibles ajoutent une dimension contestataire et underground à l’ensemble. L’attitude du personnage, bien qu’esquissée avec humour par son grand sourire, semble presque menaçante ou cynique, renforcée par des éléments discordants comme la couture blanche en forme de X sur le bas du visage. Des cœurs griffonnés à la hâte côtoient des messages plus agressifs, créant un contraste entre l’innocence supposée du personnage et l’univers brut qui l’entoure. L’œuvre semble interroger la place de la culture de masse dans l’art contemporain, tout en rendant hommage à l’esthétique du graffiti new-yorkais des années 80-90. Elle évoque une forme de désacralisation du mythe Disney au profit d’une expression libre, brute, presque anarchique.

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Dans The Flowers Gun, Van Apple détourne un symbole universel de violence – le revolver – pour en faire une œuvre résolument pacifique et poétique. La sculpture, chromée ou dorée selon les versions, représente une arme à feu dont le canon laisse jaillir un bouquet éclatant de fleurs, en résine colorée ou en métal, symbolisant la beauté, la vie et l’espoir. Fidèle à son style pop-art contemporain, Van Apple mêle provocation visuelle et message engagé : ici, l'artiste nous invite à désarmer le monde par la culture, l’amour et la nature. The Flowers Gun n’est pas seulement un objet esthétique ; c’est un manifeste contre la violence, une célébration de la paix et un appel à l’émerveillement dans un monde trop souvent dominé par la brutalité. Avec cette œuvre forte et audacieuse, Van Apple poursuit son travail sur les contrastes et les détournements d’objets, offrant une pièce qui ne laisse personne indifférent.

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Avec Happy Nephews, Chris Giio livre une œuvre pleine de joie, de nostalgie et de références pop. On y retrouve les célèbres neveux de Donald Duck — Riri, Fifi et Loulou — revisités dans un style graphique assumé, mêlant humour visuel, couleurs vives et clins d’œil à la culture urbaine et contemporaine. Chaque personnage porte un sweat orné de symboles, graffitis, emojis et motifs inspirés du pop art, formant une composition dynamique et expressive. Fidèle à l’univers de l’artiste, les yeux en forme de croix apportent une touche plus profonde, suggérant une lecture émotionnelle au-delà de l’apparente gaieté. Une œuvre unique, à la fois joyeuse et percutante, qui apportera une forte personnalité à n’importe quel intérieur.

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Cette œuvre emblématique de Karl Lagasse  revisite le billet de un dollar américain à travers une interprétation audacieuse mêlant street art, pop art et abstraction contemporaine. Réalisée sur une structure en relief ondulée, la pièce associe des éléments visuels forts — comme la pyramide et l’aigle — à des coulures de peinture vives et des textures superposées, signature esthétique de l’artiste. Chaque exemplaire est numéroté et signé par l’artiste, et témoigne de son travail sur la notion de valeur, à la fois monétaire et artistique. Une pièce saisissante qui interroge notre rapport à l’argent, à l’icône et à l’art.

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Cette œuvre colorée et expressive de Chris Giio rend hommage à l’univers du pop art en mêlant références culturelles emblématiques et humour visuel. On y retrouve Popeye, célèbre marin de bande dessinée, brandissant fièrement une boîte de conserve stylisée à la manière des célèbres soupes Campbell d’Andy Warhol. La boîte affiche le mot "Spinaci" (épinards en italien) et "POP", soulignant le jeu de mots entre "pop art" et l'effet revitalisant des épinards dans l’univers de Popeye. Le personnage est dessiné avec des traits exagérés et un style cartoon assumé, accentuant l’esthétique pop. On note également l'ajout d'une couronne jaune, clin d’œil probable à Jean-Michel Basquiat, renforçant encore les références à la culture artistique contemporaine. L’inscription "POP ART" en bas à droite ancre davantage l’œuvre dans ce courant artistique, et la signature de l’artiste apparaît en bas à gauche. Chris Giio fusionne avec originalité culture populaire, icônes graphiques et techniques modernes dans une œuvre joyeuse, pleine d’énergie et de clins d’œil artistiques.

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Cette œuvre de Bruno Cantais, réalisée en hommage à Pierre Soulages, s’inscrit dans la continuité de l’outrenoir, mouvement initié par Soulages où la lumière naît de l’interaction avec la matière noire. Ici, l’artiste exploite la texture de la peinture pour structurer la surface, créant un jeu subtil entre opacité et reflets. Les stries dynamiques, tracées avec énergie, évoquent un mouvement presque organique, rappelant les empreintes du temps ou les traces d’une pluie battante figée dans la matière. L’utilisation exclusive du noir, loin d’être une absence de couleur, devient une source infinie de variations lumineuses et de profondeur. Par cet hommage, Bruno Cantais ne se contente pas de citer Soulages, mais s’approprie son langage plastique pour proposer une œuvre qui interroge notre perception du noir et de la lumière, entre rigueur et émotion brute.

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Cette œuvre originale de Popik met en scène une interaction spectaculaire entre la bande dessinée et la sculpture. Un exemplaire du numéro 1 de "Fantastici Quattro" (les Quatre Fantastiques en italien) semble littéralement exploser sous l’impact d’un poing massif en relief, qui surgit du papier comme s’il perçait une barrière entre la fiction et la réalité. Le poing représente La Chose, l’un des membres emblématiques des Quatre Fantastiques, avec sa texture rocheuse caractéristique. La mise en scène joue sur l’effet de trompe-l'œil et de destruction dynamique, donnant l’impression que le super-héros sort du cadre du comics pour s’inviter dans notre monde. Cette création hybride entre art pop et sculpture rend hommage à l’univers des comics en insufflant une impression de mouvement et d’énergie brute, fidèle à l’esprit explosif des bandes dessinées de super-héros.

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Cette pièce unique réunit deux univers emblématiques du street art : l’iconique Homme en blanc de Jérôme Mesnager, symbole de lumière et d’humanité, et l’univers urbain vibrant de Lasveguix, mêlant collages, graffitis et textures brutes. Dans cette composition puissante, deux figures blanches s’enlacent au cœur d’un chaos coloré, représentant l’amour et l’unité au milieu du tumulte du monde moderne. Le message "ONE LOVE", tagué en haut de l’œuvre, renforce cette idée d’universalité et de connexion. Les inscriptions, affiches lacérées et éclats de couleurs offrent une profondeur visuelle qui rappelle les murs chargés d’histoire des grandes métropoles. Cette œuvre originale, à la croisée de l’art urbain et de la poésie visuelle, est une célébration de l’amour, de la résilience et du partage. Une pièce forte et intemporelle, idéale pour les amateurs d’art contemporain et de street art.

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Cette œuvre de Lasveguix présente une esthétique urbaine et texturée, inspirée du street art et du collage. Elle juxtapose des éléments graphiques emblématiques, notamment un visuel en pixel art rappelant les créations de Space Invader, avec les mots "LOST" et "LOVE". Le mot "LOVE" est partiellement tagué en jaune, transformant le message et créant une tension entre perte et espoir. Les différentes couches d'affiches arrachées, de graffitis et de textures colorées confèrent à l'œuvre une dimension organique et spontanée, évoquant les murs de la ville marqués par le temps et les interventions artistiques successives. On y retrouve aussi des fragments de mots et de phrases ("luck", "TIME", "for ever for ever"), ajoutant un caractère poétique et introspectif. Le travail de Lasveguix ici semble interroger la mémoire collective, la dégradation du temps et l’interaction entre l’art et l’espace urbain.

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Cette sculpture en acier, réalisée par l'artiste Léa Poncharal, est une œuvre saisissante qui marie la force du métal à la délicatesse des papillons dorés. Intitulée "AMOR", elle présente ce mot en lettres imposantes et texturées, sublimées par une application riche de peinture à l'huile dorée. Autour et sur les lettres, des papillons semblent s'envoler, symbolisant la légèreté, l'éphémère et la transformation. Le contraste entre la rigidité de l'acier et la fluidité organique des papillons apporte une dynamique unique à cette pièce, évoquant l'idée que l’amour, bien qu'ancré dans la matière, reste un sentiment vivant et en perpétuel mouvement. L’ensemble repose sur un socle élégant, soulignant son caractère sculptural et raffiné.

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Cette œuvre saisissante de l’artiste Popik est une fusion entre la bande dessinée et la sculpture, donnant une nouvelle dimension au pop art et à la culture geek. L’artiste détourne une couverture du comic L'Uomo Ragno (version italienne de Spider-Man), en y intégrant un poing en relief, surgissant hors du cadre comme s’il voulait briser la frontière entre la fiction et la réalité. Réalisée grâce à la technique de synthèse laser, qui permet une impression 3D couche par couche à base de poudre, cette sculpture met en valeur un travail minutieux sur les textures et les effets de matière. L’intégration d’éléments déchirés et de détails sculptés renforce la puissance visuelle de l'œuvre, évoquant la force brute du super-héros et l’impact de la pop culture sur notre imaginaire collectif. Une pièce unique et percutante qui joue sur les contrastes entre le dessin bidimensionnel et la tridimensionnalité de la sculpture, faisant de cette création un véritable objet de collection.

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Cette sculpture emblématique de Diederick Van Apple fait partie de la collection Art Against War, une série engagée qui détourne l’imagerie des armes pour en proposer une interprétation artistique et pacifiste. L’arme arbore un contraste saisissant entre une crosse dorée texturée et un canon recouvert d’un motif floral délicat, symbolisant la dualité entre violence et beauté. L’ensemble repose sur un socle noir élégant, accentuant son caractère sculptural et conceptuel. Avec cette œuvre, l’artiste joue sur les codes du luxe et de la pop culture pour inviter à une réflexion sur la guerre et la paix.

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Cette œuvre de Lasveguix s'inscrit pleinement dans l’univers du street art en rendant hommage à l’iconographie d’Invader. Les deux figures en pixel art, inspirées du célèbre jeu vidéo Space Invaders, émergent au centre de la composition, partiellement recouvertes par des strates de papier déchiré, de graffitis et de peinture.  L’accumulation de ces couches donne l’impression d’un mur urbain vivant, témoin du passage du temps et de l'interaction entre l’artiste et la ville. Des inscriptions comme "INVADER WAS HERE" renforcent cette référence directe au street artiste français connu pour disséminer ses mosaïques dans le monde entier. La palette de couleurs pastel, mêlant bleu, rose et beige, contraste avec l’aspect brut des déchirures et des éclaboussures de peinture, créant un équilibre entre chaos et harmonie. À travers cette œuvre, Lasveguix capture l’essence d’un art urbain en perpétuelle mutation, où chaque trace laissée par un artiste devient une nouvelle couche d’histoire.

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Karl Lagasse revisite l’iconique billet d’un dollar américain dans une œuvre d’art saisissante qui fusionne symbolisme économique et expression artistique contemporaine. Jouant avec les contrastes entre la rigueur monétaire et l’énergie du street art, l’artiste applique des touches vibrantes de rouge, bleu et noir sur la surface du billet, créant ainsi un effet dynamique et presque tridimensionnel. L’œuvre, courbée comme si elle flottait dans l’espace, illustre la flexibilité et la fragilité de la valeur perçue de l’argent. George Washington, figure centrale, semble émerger de ce mélange chromatique, rappelant la permanence et la transformation de la monnaie à travers le prisme de l’art. Signée et numérotée, cette édition limitée à 33 exemplaires incarne la vision de Lagasse sur l’économie, l’abstraction et le luxe, faisant de chaque pièce un objet de collection exclusif.

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Cette toile réalisée entièrement à la main par Dr. Hide est un portrait vibrant et expressif inspiré de Charlie Chaplin. L’artiste utilise une palette de couleurs vives et contrastées, mêlant des teintes de bleu, rouge, jaune et rose pour donner une énergie saisissante à l’œuvre. Le personnage, représenté avec son emblématique chapeau melon et son nœud papillon, est peint dans un style pop art et néo-expressionniste, où les ombres et lumières sont accentuées par des jeux de couleurs dynamiques. L’arrière-plan abstrait enflammé ajoute de l’intensité à l’image, renforçant le caractère théâtral du sujet. Chaque coup de pinceau témoigne du talent et de la maîtrise de Dr. Hide, offrant un hommage moderne et audacieux à l’une des figures les plus emblématiques du cinéma.

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Cette œuvre de Dr. Hide est une composition artistique réalisée à partir de vinyles découpés et assemblés en forme de triptyque. Le visuel central, imprimé sur le disque principal, représente l’iconique passage piéton d’Abbey Road, avec les silhouettes des Beatles en ombre chinoise, superposées à un fond reprenant le drapeau britannique. L’inscription "LET IT BE" en grandes lettres majuscules, accompagnée du sous-titre "A CELEBRATION OF THE MUSIC OF THE BEATLES", renforce l’hommage au groupe légendaire. Les vinyles latéraux, dont les étiquettes sont visibles (marquées "A DECAP SOUND"), complètent la composition en créant un effet de symétrie et de profondeur. L’artiste Dr. Hide joue ici sur la matérialité du disque vinyle, à la fois support musical et élément plastique, transformant un objet culte en œuvre d’art contemporaine.

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