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Sweet est une œuvre vibrante et instinctive dans laquelle Jo Di Bona déploie toute l’énergie de son langage Street Pop Art. La composition, foisonnante et rythmée, se construit autour d’un entrelacement de lignes blanches dynamiques, de coulures noires et de projections colorées qui traversent la surface comme une pulsation visuelle. Les couleurs acidulées — roses, verts, oranges et bleus — s’entrechoquent et se superposent dans un jeu de transparences et de textures. Des fragments graphiques, typographies et signes peints émergent puis disparaissent sous les couches de matière, évoquant l’esthétique urbaine du collage et de l’affichage lacéré. Le mot Sweet, inscrit avec spontanéité, agit comme une respiration au cœur du chaos visuel. L’œuvre oscille entre abstraction et écriture urbaine. Elle traduit une émotion brute, presque musicale, où le geste libre et la couleur deviennent vecteurs d’énergie positive. Fidèle à l’univers de Jo Di Bona, Sweet mêle spontanéité, rythme et intensité, tout en conservant une dimension joyeuse et résolument contemporaine. À travers cette œuvre, l’artiste célèbre une forme de douceur paradoxale, née du tumulte graphique et de la vitalité de la rue. Sweet invite le regard à se perdre dans ses strates, à suivre les lignes et les éclats, pour mieux ressentir la force expressive d’un art urbain libre et instinctif.

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King Of Pop de Jo Di Bona est un hommage vibrant et iconique à Michael Jackson, figure universelle de la musique et de la culture populaire. À travers son langage visuel caractéristique mêlant collage, peinture et couleurs éclatantes, l’artiste réinterprète le visage du chanteur comme une icône contemporaine, à la fois intime et collective. Le portrait, structuré par de forts contrastes en noir et blanc, est dynamisé par une profusion de fragments colorés issus d’affiches, de typographies et de motifs graphiques. Ces éléments, partiellement visibles sous les aplats de peinture, évoquent la construction médiatique de la star, son omniprésence dans l’imaginaire collectif et la multiplicité des récits qui l’entourent. Le sourire lumineux de Michael Jackson occupe le centre de la composition et agit comme un point d’ancrage émotionnel. Il incarne à la fois la joie, l’énergie créative et la dimension intemporelle de l’artiste, tandis que les couleurs vives et les rythmes visuels traduisent le mouvement, la musique et la scène. Fidèle à l’esthétique Street Pop Art de Jo Di Bona, King Of Pop fait dialoguer l’héritage du street art avec la mythologie de la pop culture. L’œuvre dépasse le simple portrait pour devenir une célébration de l’icône, de son influence mondiale et de sa capacité à traverser les générations. À la fois puissante, positive et résolument contemporaine, King Of Pop transforme une légende de la musique en une image pop, urbaine et universelle, emblématique du travail de Jo Di Bona.

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Urban Wall Basquiat est une œuvre collaborative puissante signée par Jérôme Mesnager et Lasveguix, qui rend hommage à l’héritage de Jean-Michel Basquiat tout en affirmant une écriture profondément ancrée dans l’esthétique urbaine contemporaine. La composition évoque un mur de ville marqué par le temps, les affiches arrachées et les strates successives d’interventions visuelles. Les fragments d’affiches aux teintes jaunes, roses et noires, partiellement lacérées, dialoguent avec des aplats sombres, des tags et des éclats de couleur, créant une surface dense, vibrante et chaotique, fidèle à l’énergie brute de la rue. Au cœur de l’œuvre apparaît le célèbre corps blanc de Jérôme Mesnager, figure emblématique du street art, saisi dans un mouvement ascendant et expressif. Ce personnage lumineux contraste avec la violence visuelle du fond et incarne une forme d’élan, de résistance et de liberté, comme une présence humaine cherchant à émerger du tumulte urbain. L’intervention de Lasveguix renforce la dimension graphique et texturale de l’ensemble, par un travail de collage, de déchirure et de superposition qui fait écho à l’esthétique radicale de Basquiat : une peinture instinctive, politique et profondément vivante. L’œuvre joue ainsi sur la mémoire collective du street art, entre hommage, réinterprétation et réappropriation contemporaine. Urban Wall Basquiat se présente comme un palimpseste urbain, où se croisent l’histoire du graffiti, la mythologie de l’art moderne et la réalité brute de la rue. Une œuvre engagée, vibrante et résolument actuelle, qui célèbre la puissance expressive de l’art urbain comme langage universel.

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Cette œuvre naît de la rencontre de deux univers complémentaires.En arrière-plan, Lasveguix compose une fresque urbaine vibrante : affiches déchirées, fragments de typographies, héros de la pop culture et matières arrachées forment une mosaïque brute, comme les murs d’une ville saturés de mémoire collective et d’imaginaires populaires. Parmi ces strates, on devine la figure mythique de Goldorak, icône intergénérationnelle, surgissant tel un totem héroïque au milieu du chaos. Sur la vitre qui protège le collage, Wawapod intervient avec son langage visuel caractéristique : une grille de points colorés, quasi pixelisée, qui agit comme un filtre optique et une relecture contemporaine. Ce voile graphique transforme la perception de l’œuvre, la brouille et la révèle à la fois, en rappelant aussi bien les codes du numérique que ceux de la sérigraphie. En combinant leurs gestes, les deux artistes offrent une double lecture : la mémoire nostalgique et urbaine de Lasveguix dialogue avec l’abstraction pop et rythmée de Wawapod. L’ensemble devient une œuvre hybride, à la fois hommage à l’enfance et exploration esthétique du regard contemporain.

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Au cœur de cette composition foisonnante, la Joconde s’impose, revisitée avec l’audace contemporaine propre à Wawapod. Réinterprétée en une constellation de points blancs sur fond noir, elle flotte au centre de la toile telle une apparition pixelisée, à la fois reconnaissable et abstraite. Son regard, énigmatique comme toujours, se glisse dans le tumulte visuel orchestré par Lasveguix, dont les collages colorés et saturés évoquent l’énergie brute des murs de la ville. Autour de Mona Lisa, des fragments de culture populaire se télescopent : une fillette soufflant une bulle de chewing-gum, des icônes féminines issues de magazines vintage, des typographies arrachées à la rue, des figures du hip-hop et des éclats de comics. Ce chaos urbain, soigneusement composé, fait ressortir avec puissance la sérénité du visage central. Le sticker “Hello, my name is Amour Toujours”, leitmotiv de Wawapod, ponctue l’œuvre comme une déclaration de tendresse adressée à l’icône de Léonard de Vinci — et, à travers elle, à l’histoire de l’art tout entière. Ici, la Joconde n’est plus figée dans un musée : elle vit, respire, évolue dans un monde de couleurs, de bruit, de messages contradictoires. Elle devient une figure de résistance douce au sein de notre époque saturée d’images.

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Dans cette œuvre éclatante, Willis revisite le mythe antique de Cupidon, dieu de l’amour, en le propulsant dans une esthétique résolument contemporaine. L’enfant ailé, arc tendu, s’apprête à tirer une flèche d’amour — symbole universel du désir, de la passion et de la vulnérabilité humaine. Sur un fond jaune vibrant, éclaboussé de projections blanches dynamiques, la silhouette de Cupidon se détache avec force. Les ailes vertes, détaillées et organiques, contrastent avec le traitement graphique en noir et blanc du corps, offrant un jeu de textures et de matières. La posture en suspension, presque chorégraphique, fige le mouvement en plein vol, renforçant l’intensité dramatique du geste. L’utilisation conjointe du pochoir, de la peinture acrylique et de la bombe aérosol témoigne de la signature de l’artiste : un style urbain assumé, à la croisée de l’art classique et du street art. Le « W » noir apposé dans le coin inférieur droit affirme l’identité de l’œuvre. Avec The FLIGHT of LOVE, Willis propose une relecture audacieuse de la figure mythologique, mêlant amour, tension et énergie urbaine dans un tableau aussi pop que poétique.

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Dans cette œuvre percutante, Willis, Street Artist, explore le thème de la dualité de l’être à travers un visage scindé en deux moitiés contrastées. D’un côté, le personnage arbore un rictus de clown inquiétant, renvoyant à une figure chaotique et théâtrale ; de l’autre, un visage plus sombre, plus réaliste, exprimant une tension intérieure. Cette fusion évoque clairement le Joker de l’univers Batman, et plus particulièrement l’interprétation intense et tourmentée de Joaquin Phoenix dans le film Joker (2019), où le personnage oscille entre marginalisation sociale, souffrance psychologique et explosion de violence. Le fond texturé en nuances de gris et de noir, traité avec un effet marbré, accentue la violence latente de la composition et met en valeur le contraste saisissant du portrait central. L’artiste joue habilement avec le clair-obscur, utilisant le pochoir comme outil d’impact visuel et symbolique. En bas à droite, l’empreinte "W" signée au pochoir confirme l’identité de l'artiste tout en rappelant l'univers urbain de ses créations. Avec Dualité, Willis questionne les limites entre le personnage et la personne, entre apparence et vérité, dans une société où les masques sont omniprésents.

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Plongez dans un univers vibrant avec "Call Me Baby Nº10", une œuvre audacieuse signée par l'artiste contemporain Mikko. Cette toile fusionne le style pop art et l'expressionnisme abstrait, mettant en avant un visage féminin captivant qui semble émerger d'une pluie de couleurs éclatantes. Mikko joue avec une palette vive de jaune, rouge, rose, bleu et vert, créant une harmonie de taches et d'éclaboussures qui apportent vie et mouvement à l'œuvre. Les lignes noires audacieuses définissent les contours du visage et des cheveux, ajoutant profondeur et intensité à ce tourbillon artistique. Chaque détail semble raconter une histoire unique, rendant cette pièce parfaite pour dynamiser un espace moderne et affirmé. Transformez votre intérieur avec cette explosion artistique qui incarne la créativité sans limite de Mikko. Une œuvre incontournable pour les amateurs d'art moderne et de couleurs vibrantes.

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Découvrez une réinterprétation audacieuse de la célèbre Mona Lisa dans un style street art unique par l'artiste Quinoa+ (Quinoa Ribes). Sur fond doré, ce tableau fusionne l’élégance intemporelle de l’icône de la Renaissance avec l'énergie brute du graffiti urbain. L'auréole blanche symbolique apporte une touche d'ironie céleste, tandis que les lettrages et tags colorés, dont les mots "SEND YOUR CHILD TO ART SCHOOL" et "QUEEN," injectent une modernité vibrante et engagée. Chaque détail, des coulures dynamiques aux bombages multicolores, révèle la dualité entre tradition et rébellion artistique, rendant cette pièce incontournable pour les amateurs d'art contemporain et de culture urbaine. Ajoutez cette œuvre iconique à votre collection et donnez à votre espace une touche d’audace, d’histoire et de créativité urbaine.

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Cette œuvre, réalisée par l'artiste HÖK, est une explosion de couleurs, de symboles et de références culturelles qui s'inscrit dans le style pop art urbain. L'œuvre met en avant un personnage inspiré de l'iconographie du Joker, célèbre pour son sourire exagéré et ses couleurs vibrantes. Ce personnage est souvent utilisé pour représenter des concepts comme la dualité, la folie ou une critique sociale. On distingue des éléments liés à la culture pop, notamment le logo emblématique de Coca-Cola, qui symbolise la société de consommation et la mondialisation. Des mots et phrases comme "Love is a game", "Power to the People", et "Love" ajoutent une dimension textuelle, incitant le spectateur à réfléchir sur l'amour, le pouvoir et les idéaux. La palette est dominée par des couleurs vives et saturées : rouge, bleu, vert, jaune, et rose, typiques du pop art. Les techniques incluent des éclaboussures de peinture, des graffitis et des superpositions, créant un effet énergique et chaotique. Les lignes noires renforcent les contours du personnage et donnent une structure visuelle à l'œuvre. Le style évoque une fusion entre le pop art de Warhol et les influences street art modernes. L'utilisation de marques comme Coca-Cola et de figures culturelles populaires souligne une critique ou une réflexion sur l'omniprésence des médias et du capitalisme dans notre quotidien. En résumé, cette œuvre de Hök est un hommage provocateur à la culture contemporaine, combinant art urbain et symbolisme pop. Elle interpelle sur des thématiques sociétales tout en captivant par son énergie visuelle.

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Cette œuvre de l'artiste Quinoa+ (Quinoa Ribes), réalisée dans un style street art, s'inspire d'une peinture classique tout en la revisitant de manière moderne et audacieuse. Elle représente une figure féminine drapée qui rappelle les tableaux de Vermeer (The Milkmaid), notamment par sa posture contemplative et la lumière qui semble tomber sur son visage. L'arrière-plan est d'un bleu apaisant qui contraste avec les éléments vibrants superposés. La figure est entourée de graffitis colorés, tags et éléments abstraits qui couvrent partiellement la scène, insufflant énergie et mouvement. On y trouve des mots tels que "FUN" et des motifs variés en jaune, rose, bleu et vert qui rappellent l'art urbain. Ces ajouts illustrent une collision entre l'art classique et la culture urbaine contemporaine, symbolisant à la fois la modernité et l'héritage du passé. Une inscription humoristique "Send Your Child to Art School" apparaît également, ajoutant une note de satire.

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Cette œuvre d'art réalisée avec de la peinture acrylique sur toile de l'artiste de pop art EGHNĀ met en scène le personnage de Snoopy dans un style vibrant et dynamique. L'arrière-plan se compose de teintes de rouge, blanc, et rose, formant une texture abstraite et énergique. Snoopy est représenté avec un large sourire et un cœur rouge proéminent entouré de motifs de cœurs plus petits et de différents textes manuscrits tels que "LOVE SONG" et "POP LOVE". Les coups de pinceau semblent délibérément expressifs, donnant une sensation d'énergie et de spontanéité. Des éléments comme des lignes, des dessins griffonnés et des phrases inscrites renforcent l'aspect joyeux et chargé d'émotion de la pièce.

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L'œuvre "Campbells Spray Fuck The Police" de Mikko est une pièce percutante qui évoque l'esprit de la contestation et de la provocation. Dans un style très proche de celui de Banksy, Mikko juxtapose l'innocence et la rébellion en mettant en scène un policier, un enfant et une canette de soupe Campbell, icône de la culture pop. Le policier, symbole de l'autorité, se tient à côté d'un enfant dont l'insouciance contraste avec l'acte de défi représenté par le nom de l'oeuvre "Fuck The Police". Le fond bariolé, un tourbillon de couleurs vives et chaotiques, est une explosion visuelle de techniques mixtes. Utilisant de la peinture acrylique, des masques, des feutres, de l'aérosol, des crayons et la technique de giclée, Mikko crée une texture riche et dynamique qui ajoute une profondeur à la scène, tout en renforçant l'intensité du message. L'ironie de la célèbre canette de soupe Campbell, symbole de la culture de masse et de la société de consommation, vient souligner la critique implicite des institutions. Cette œuvre, à la fois provocante et esthétiquement frappante, s'inscrit dans une tradition d'art engagé, où chaque élément visuel participe à la narration d'un message de résistance sociale.

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"Lion Face On Graffiti Background" de Mikko est une œuvre puissante et captivante qui mêle diverses techniques et matériaux pour créer un portrait vibrant d'un lion. Le visage du lion, dessiné avec des tracés noirs affirmés, se dresse majestueusement au centre de l'œuvre, symbolisant à la fois la force et la noblesse. Le fond, éclatant et bariolé, est une explosion de couleurs réalisées à l’aide de peinture acrylique, aérosol, et giclée, capturant l’énergie brute du graffiti. Des masques, des feutres et des crayons viennent enrichir la composition, apportant des détails dynamiques qui contrastent avec la silhouette imposante du lion. Cette juxtaposition entre le réalisme du visage et l’abstraction colorée du fond crée une tension visuelle saisissante, où la douceur et la puissance se rencontrent. L'œuvre de Mikko, à la fois urbaine et sauvage, incarne l’esprit de la rue tout en rendant hommage à la majesté du roi des animaux. Une pièce unique qui s'inscrit dans l’univers du street art contemporain, combinant technique et spontanéité.

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Sonic & Mario Best Friends est une œuvre pop art unique de l'artiste HÖK , qui capture l'essence vibrante et énergique de deux icônes des jeux vidéo : Sonic et Mario. Réalisée sur une toile carrée de 100 cm par 100 cm, cette œuvre mélange des techniques de peinture acrylique et de peinture aérosol pour créer un effet visuel saisissant. Le fond de la toile est une explosion de couleurs éclatantes, où des motifs géométriques et des éclaboussures dynamiques évoquent l'énergie des années 80, période emblématique pour les jeux vidéo. Sonic, le hérisson bleu, est représenté dans une pose dynamique, prêt à courir à toute vitesse. Mario, avec son célèbre sourire et sa casquette rouge, est placé face à Sonic, créant un contraste saisissant entre les deux personnages emblématiques. Les couleurs vives et saturées de l'œuvre rappellent les écrans rétro des consoles Sega et Nintendo, avec des nuances de bleu électrique, de rouge vif, et des touches de jaune et de vert fluo. Les contours des personnages sont accentués par l'utilisation de la peinture aérosol, donnant un effet de flou et de mouvement qui accentue la sensation de vitesse et d’action. Cette œuvre unique, à la croisée des mondes de Sega et Nintendo, rend hommage à l'impact culturel de ces deux figures légendaires tout en s'inscrivant dans la tradition du pop art avec une touche contemporaine.

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Superbe peinture acrylique sur toile de l'artiste MrKas nommée "Flow". Cette toile fait partie de la nouvelle série de peintures abstraites . Elle est réalisée à l'aide d'une peinture acrylique et d'une bombe en aérosol. D'une taille très intéressante, elle est livrée avec son certificat d'authenticité signé et embossé par MrKas Expédition rapide et sûre et sera expédiée enroulée dans un tube d'expédition solide.Signé au recto et au verso par l'artiste.

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Magnifique œuvre réalisée à l'aide de matériaux de récupération (affiches déchirées, cartons), le tout rehaussé à l'aide de peinture aérosol, posca, bic et autocollants. Ici l'artiste Lasveguix réalise une magnifique, très détaillée, qui représente un pan de mur de Parisen reprenant beaucoup de références de la ville (Tour Eiffel, La Joconde de Leonard de Vinci, les marques de luxe ...)et qui s'intégrera très bien dans votre domicile.

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Magnifique œuvre réalisée à l'aide de matériaux de récupération (affiches déchirées, cartons), le tout rehaussé à l'aide de peinture aérosol, posca, bic et autocollants. Ici l'artiste Lasveguix réalise une magnifique, très détaillée, qui représente un pan de mur de Londres en reprenant beaucoup de références de la ville et qui s'intégrera très bien dans votre domicile.

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Magnifique œuvre réalisée à l'aide de matériaux de récupération (affiches déchirées, cartons), le tout rehaussé à l'aide de peinture aérosol, posca, bic et autocollants. Ici l'artiste Lasveguix réalise une magnifique, très détaillée, qui représente un pan de mur de New-York en reprenant beaucoup de références de la ville et qui s'intégrera très bien dans votre domicile.

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Magnifique œuvre réalisée à l'aide de matériaux de récupération (affiches déchirées, cartons), le tout rehaussé à l'aide de peinture aérosol, posca, bic et autocollants. Ici l'artiste Lasveguix donne une autre dimension à Goldorak, gigantesque machine de guerre extraterrestre en deux parties, très lourdement armée, que l'on a pu retrouver sous la forme d'un dessin animé à la fin des années 70.

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Superbe peinture acrylique sur toile de l'artiste MrKas nommée "Marrakech". Cette toile fait partie de la nouvelle série de textures abstraites. Elle est réalisée à l'aide d'une peinture acrylique et d'une bombe en aérosol. D'une taille très intéressante, elle est livrée avec son certificat d'authenticité signé et embossé par MrKas Expédition rapide et sûre et sera expédiée enroulée dans un tube d'expédition solide.Signé au verso par l'artiste.

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Peinture sur toile réalisée à la main à l'aide de peinture acrylique et de bombes aérosol. Habitués de l'utilisation d'icone de la pop culture Outside s'attaque ici à une réinterprétation du logo du groupe Les rolling stones : Big Red Mouth Egalement connu sous le nom de "Tongue and Lip Design" des Rolling Stones, est sans aucun doute l'un des logos les plus universellement reconnus. Il a été conçu en 1971 par John Pasche, un célèbre designer d'art britannique, pour la modique somme de 50 £.

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