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Dans cette œuvre, Lasveguix rend hommage à Obey, figure emblématique du street art mondial, en revisitant l’iconique Marianne au travers de sa propre esthétique. Sur un morceau de carton déchiré, aux bords brûlés par le temps, l’artiste recrée l’illusion d’un fragment arraché à un mur urbain — témoin d’un passage, d’un cri visuel, d’une mémoire de rue. Les couches d’affiches superposées, les traces de graffiti et les éclats de peinture mêlent chaos et harmonie. Le visage de la Liberté, partiellement dévoilé, émerge du collage comme un symbole intemporel, à la fois fragile et indestructible. La mention “Made in France”, inscrite à la main, agit comme une signature manifeste : celle d’un artiste qui célèbre la scène urbaine française tout en dialoguant avec ses influences internationales. À travers Fragment de Liberté, Lasveguix interroge la notion de trace et d’héritage. Chaque déchirure devient la marque d’un geste, chaque morceau de carton, une parcelle de mur qui raconte la liberté d’expression. Taille encadrée : 42 x 32 x 3 cm

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Cette œuvre de Lasveguix incarne parfaitement la tension entre héritage et modernité. Sur un fond noir minimaliste se détache un collage vibrant où se mêlent textures, fragments d’affiches et éclats de couleurs. Au centre, le visage féminin iconique — inspiré des codes graphiques du street art engagé — symbolise la Liberté, mot partiellement dévoilé, comme arraché au mur du temps. Autour de cette figure, Lasveguix superpose des couches de papiers déchirés, de graffitis et de peintures aux nuances vives, créant une composition à la fois brute et poétique. L’inscription “Made in France”, peinte à la main, vient ancrer le message : une affirmation d’identité artistique et culturelle, fièrement enracinée dans la scène urbaine française. Entre hommage et détournement, cette oeuvre célèbre la puissance du collage comme acte de mémoire et de résistance. Chaque déchirure devient un geste de liberté, chaque trace une empreinte de rue. Taille encadrée : 42 x 32 x 3 cm

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Dans cette œuvre, Lasveguix explore la technique du collage et de l’affiche déchirée pour revisiter une icône graphique bien connue : la Marianne popularisée par Shepard Fairey (Obey). Au centre, le visage stylisé et ornementé émerge à travers des strates d’affiches colorées, typographiques et manuscrites, créant un jeu de dévoilement progressif. La composition donne l’impression d’un fragment arraché à un mur urbain, comme une section de palimpseste visuel où les couches successives d’affichage racontent une histoire collective. En mêlant l’univers visuel d’Obey — symbole de résistance et de contre-culture — à son propre langage plastique, Lasveguix compose une pièce à la fois brute et poétique. Les déchirures, les superpositions et les textures font écho à la matérialité de la rue, où les images s’effritent et se réinventent au fil du temps. L’œuvre interroge ainsi la tension entre icône et appropriation contemporaine, entre mémoire commune et expression personnelle. Taille encadrée : 42 x 32 x 3 cm

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Avec Abstrakt schwarz weiss XXL, Stéfanie Raus propose une immersion dans un univers où rythme, mouvement et énergie picturale s’entrelacent. La toile, monumentale, se déploie dans un contraste radical entre noir profond et tracés blancs dynamiques. Ces lignes, tour à tour courbes, boucles et arabesques, recouvrent la surface comme une écriture spontanée, une calligraphie abstraite qui échappe à toute lecture rationnelle. Le fond noir agit comme un champ d’intensité sur lequel se détachent ces gestes répétés, créant un effet de vibration visuelle. L’alternance entre densité et respiration, entre superpositions et espaces laissés libres, confère à l’ensemble une musicalité presque hypnotique. Cette œuvre s’inscrit dans la recherche constante de Stefanie Raus : faire de l’abstraction un langage sensoriel et immédiat, où le spectateur est invité à projeter son propre imaginaire et à se laisser emporter par la force du geste.

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Dans cette œuvre, Stéfanie Raus explore la radicalité du contraste et la puissance du geste pictural. Une large forme noire, dense et mouvante, occupe presque tout l’espace de la toile, créant une tension immédiate entre plénitude et vide. Le fond clair, laissé apparent par fragments, agit comme un contrepoint lumineux qui souligne la profondeur de la masse sombre. Les contours irréguliers et les ouvertures blanches au cœur de la composition suggèrent un mouvement organique, presque calligraphique, où le noir se déploie comme une énergie brute. Les éclaboussures et traces périphériques rappellent l’instantanéité de l’acte créatif, où la spontanéité du geste s’impose sur toute recherche de perfection formelle. Par sa force minimaliste et son intensité visuelle, cette toile acrylique incarne la démarche de Stefanie Raus : une peinture de l’essentiel, qui interroge la matière, l’espace et le regard, en oscillant entre chaos et équilibre.

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Dans cette œuvre, Stéfanie Raus déploie un langage visuel minimaliste et gestuel où la fluidité des lignes dialogue avec la rigueur de la composition. Sur un fond brun chaleureux et mat, des tracés blancs épais, souples et continus s’entrelacent pour former un réseau labyrinthique. L’artiste explore ici la tension entre contrôle et spontanéité : chaque ligne semble à la fois calculée et libre, évoquant un mouvement perpétuel. Les éclaboussures de peinture, laissées volontairement visibles, renforcent la dimension organique de la toile et rappellent le geste de l’artiste dans l’instant de création. Cette combinaison entre rigueur géométrique et vitalité du geste confère à l’œuvre une présence à la fois graphique et méditative. Cette toile acrylique illustre parfaitement la démarche de Stefanie Raus, où l’abstraction devient terrain d’expérimentation sensorielle et émotionnelle, invitant le spectateur à se perdre dans les méandres des lignes et à retrouver son propre rythme intérieur.

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Cette œuvre de Lasveguix s’inscrit dans une esthétique urbaine brute, entre collage, détournement et graffiti. Le fond est constitué de couches successives d’affiches arrachées, de fragments typographiques et d’images publicitaires qui rappellent les murs saturés de la ville, porteurs de mémoires visuelles superposées. Au centre, un visuel en noir et blanc reprend l’iconographie du célèbre jeu vidéo Space Invaders, accompagné du mot « LOST », renforçant l’idée de disparition ou d’errance dans le chaos visuel urbain. Par-dessus, un graffiti en lettres noires épaisses et spontanées annonce « INVADER WAS HERE », clin d’œil direct à l’artiste de rue Invader et à sa pratique du marquage de territoire par ses mosaïques. Un halo bleu en arrière-plan souligne l’inscription, comme pour lui donner une aura particulière, tandis que les couleurs déchirées et les textures des affiches participent à l’effet de palimpseste. L’œuvre interroge la trace, la mémoire et l’éphémérité dans l’espace public : ce qui est collé, recouvert, griffé, puis à nouveau réapproprié. Elle met en tension la culture populaire (jeu vidéo, street art) et la décomposition poétique des murs de la ville.

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Cette toile grand format d’Irina Vladau (150 x 150 cm) se déploie comme une véritable explosion de textures et de couleurs. L’artiste joue avec des nuances de rose poudré, bleu azur, gris profond et blanc lumineux, créant une composition aérienne et organique. Les coups de pinceau amples et les superpositions de matière donnent une impression de mouvement, presque de respiration, comme si la toile captait l’éphémère d’un ciel en mutation ou d’un paysage abstrait en suspension.Quelques touches plus vives – bleu turquoise, rouge carmin ou brun chaleureux – viennent rythmer l’ensemble et attirer le regard vers des zones de densité contrastant avec des espaces plus légers et diffus. À la fois abstraite et poétique, cette œuvre invite à la contemplation et à l’introspection. L’équilibre entre spontanéité et subtilité des nuances reflète la recherche d’Irina Vladau : transformer l’émotion brute en harmonie picturale.

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Cette œuvre naît de la rencontre de deux univers complémentaires.En arrière-plan, Lasveguix compose une fresque urbaine vibrante : affiches déchirées, fragments de typographies, héros de la pop culture et matières arrachées forment une mosaïque brute, comme les murs d’une ville saturés de mémoire collective et d’imaginaires populaires. Parmi ces strates, on devine la figure mythique de Goldorak, icône intergénérationnelle, surgissant tel un totem héroïque au milieu du chaos. Sur la vitre qui protège le collage, Wawapod intervient avec son langage visuel caractéristique : une grille de points colorés, quasi pixelisée, qui agit comme un filtre optique et une relecture contemporaine. Ce voile graphique transforme la perception de l’œuvre, la brouille et la révèle à la fois, en rappelant aussi bien les codes du numérique que ceux de la sérigraphie. En combinant leurs gestes, les deux artistes offrent une double lecture : la mémoire nostalgique et urbaine de Lasveguix dialogue avec l’abstraction pop et rythmée de Wawapod. L’ensemble devient une œuvre hybride, à la fois hommage à l’enfance et exploration esthétique du regard contemporain.

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Urban Girl est une ode à la féminité au cœur du chaos urbain. Le visage d’une jeune femme, avec une intensité presque photographique, émerge d’un tourbillon de couleurs, d’affiches déchirées et de textures arrachées. Les lambeaux de papiers, aux teintes vives de bleu, rose et or, se superposent comme les strates de mémoire de la ville, créant une tension entre fragilité et puissance. Le regard fermé et l’expression de la figure suggèrent un abandon, une respiration, comme si elle s’offrait un instant d’intimité dans le tumulte du monde extérieur. L’arrière-plan, marqué de graffitis et de mots griffonnés — “je t’aime” — inscrit cette présence féminine dans l’énergie brute de la rue, entre déclaration intime et cri public. Avec Urban Girl, Lasveguix capte la beauté fugitive qui se cache dans les murs écorchés et les ruines colorées de nos cités. L’œuvre devient ainsi un portrait à la fois poétique et sauvage, où la ville et l’intime se fondent en une même vibration.

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Dans cette œuvre éclatante, Willis revisite le mythe antique de Cupidon, dieu de l’amour, en le propulsant dans une esthétique résolument contemporaine. L’enfant ailé, arc tendu, s’apprête à tirer une flèche d’amour — symbole universel du désir, de la passion et de la vulnérabilité humaine. Sur un fond jaune vibrant, éclaboussé de projections blanches dynamiques, la silhouette de Cupidon se détache avec force. Les ailes vertes, détaillées et organiques, contrastent avec le traitement graphique en noir et blanc du corps, offrant un jeu de textures et de matières. La posture en suspension, presque chorégraphique, fige le mouvement en plein vol, renforçant l’intensité dramatique du geste. L’utilisation conjointe du pochoir, de la peinture acrylique et de la bombe aérosol témoigne de la signature de l’artiste : un style urbain assumé, à la croisée de l’art classique et du street art. Le « W » noir apposé dans le coin inférieur droit affirme l’identité de l’œuvre. Avec The FLIGHT of LOVE, Willis propose une relecture audacieuse de la figure mythologique, mêlant amour, tension et énergie urbaine dans un tableau aussi pop que poétique.

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Dans cette œuvre percutante, Willis, Street Artist, explore le thème de la dualité de l’être à travers un visage scindé en deux moitiés contrastées. D’un côté, le personnage arbore un rictus de clown inquiétant, renvoyant à une figure chaotique et théâtrale ; de l’autre, un visage plus sombre, plus réaliste, exprimant une tension intérieure. Cette fusion évoque clairement le Joker de l’univers Batman, et plus particulièrement l’interprétation intense et tourmentée de Joaquin Phoenix dans le film Joker (2019), où le personnage oscille entre marginalisation sociale, souffrance psychologique et explosion de violence. Le fond texturé en nuances de gris et de noir, traité avec un effet marbré, accentue la violence latente de la composition et met en valeur le contraste saisissant du portrait central. L’artiste joue habilement avec le clair-obscur, utilisant le pochoir comme outil d’impact visuel et symbolique. En bas à droite, l’empreinte "W" signée au pochoir confirme l’identité de l'artiste tout en rappelant l'univers urbain de ses créations. Avec Dualité, Willis questionne les limites entre le personnage et la personne, entre apparence et vérité, dans une société où les masques sont omniprésents.

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Dans "Amour Sauvage", Lasveguix fusionne l’instinct brut de la nature avec l’énergie urbaine du street art contemporain. Cette œuvre foisonnante juxtapose l’image majestueuse et hyperréaliste d’un lion, symbole de force et de fierté, à un collage chaotique de publicités, de graffitis et d’affiches vintage lacérées, témoins d’une mémoire collective urbaine. Le mot "OUI", peint en rose vif au centre de la toile, tranche avec la sauvagerie du félin et évoque un élan d’acceptation, d’espoir ou de passion brute. On y devine aussi une femme illustrée, façon pop art, qui semble regarder le spectateur avec intensité — un rappel à la fois nostalgique et puissant de la figure féminine dans l'imaginaire populaire. Lasveguix explore ici la dualité entre l’amour et l’instinct, le civilisé et le sauvage, le passé et le présent. Les couches de peinture éclaboussées, les typographies superposées et les éléments déchirés donnent à l'œuvre un rythme presque musical, entre tension et harmonie. "Amour Sauvage" est une déclaration visuelle où la tendresse côtoie la puissance, et où l’art de rue devient le langage d’émotions primaires, exprimées avec une intensité saisissante.

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Dans Cautiva dorada, J. Hanter poursuit son exploration sensible de la féminité et de l’intériorité à travers une composition à la fois puissante et poétique. Le portrait d’une femme, de profil, les yeux clos et le visage apaisé, occupe toute la verticalité de la toile. Sa chevelure sombre, fluide et légèrement tourmentée, devient le support d’un ornement somptueux, fait de motifs dorés stylisés évoquant à la fois des feuilles, des cellules, des empreintes génétiques ou des parures végétales. Ces tracés à l’acrylique dorée, d’une précision ornementale presque calligraphique, s’entrelacent dans les cheveux comme une cage précieuse, à la fois captivante et protectrice. Ils semblent retenir, comme en suspens, la pensée ou la mémoire de la figure représentée, tout en soulignant son mystère. L’arrière-plan, dans des tons chauds et veloutés, fait ressortir la délicatesse du visage, traité à l’huile avec un modelé doux et une palette subtile. L’ensemble dégage une impression de silence intérieur, d’abandon, de captivité choisie. Avec Cautiva dorada, J. Hanter interroge le lien entre ornement et identité, entre contrainte et beauté. L’œuvre évoque une dualité entre l’enfermement symbolique et la richesse intérieure, suggérant que certaines prisons sont faites d’or, mais aussi de rêve.

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El trazo del ángel est une œuvre puissante et lumineuse qui fusionne la délicatesse du portrait réaliste avec l’abstraction symbolique. Au centre de la composition, une figure féminine, les yeux clos, semble suspendue dans un moment de profonde sérénité et d’élévation. Le modelé doux de la peau, exécuté à l’huile, contraste avec l’audace des lignes dorées tracées à l’acrylique, qui se déploient dans un mouvement ascendant, telles des ailes ou des flammes célestes. Ces tracés, fins et dynamiques, évoquent à la fois la légèreté du souffle et la puissance d’une énergie divine. Ils dessinent autour de la tête et du buste de la figure une aura stylisée, entre couronne, chevelure et ailes angéliques. La toile se teinte d’un camaïeu de beiges rosés et de dorés, renforçant la douceur et la spiritualité de la scène. À travers cette œuvre, J. Hanter explore la frontière entre l’humain et le sacré, entre le visible et l’invisible. El trazo del ángel est à la fois un hommage à la grâce intérieure et une invitation à se laisser traverser par une force plus grande, silencieuse et lumineuse.

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Dans cette œuvre saisissante, Gunnar Zyl propose une scène poétique et urbaine où un enfant, silhouette noire au pochoir, brandit un grand parapluie rouge, emblématique de protection et de vulnérabilité. Le contraste fort entre le rouge vif du parapluie et le fond déstructuré en tons gris, beige et noir, saturé de graffitis et de coulures, incarne l’un des marqueurs du style de Zyl : la fusion du street art brut avec des symboles tendres ou universels. La figure de l’enfant, anonyme, chargée de douceur et de nostalgie, évoque l’innocence face à un monde chaotique. Le parapluie, tout en étant censé protéger, semble lui-même éclaboussé et dégradé, comme si la protection était imparfaite — une métaphore subtile des défis que chacun affronte en grandissant. Le fond, volontairement désordonné, évoque un mur de rue où le tag devient mémoire, bruit ou désespoir. À travers cette pièce, Gunnar Zyl poursuit sa réflexion sur la fragilité de l’innocence dans un monde urbain saturé, mais aussi sur la résilience, l’acte de se dresser avec dignité dans un univers instable. L’œuvre, malgré la tension de ses contrastes, dégage une énergie pleine de sensibilité et de force intérieure. C’est une toile puissante, aussi graphique qu’émotive, qui s’inscrit parfaitement dans l’univers de l’artiste : à la croisée de l’intime et du collectif, du chaos urbain et de l’espoir.

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Spring Moon est une œuvre originale et unique de l’artiste Margot Laffon, aujourd’hui très recherchée par les collectionneurs et amateurs de portraits contemporains. Réalisée à la main en peinture acrylique, cette pièce exceptionnelle incarne toute la singularité de l’univers de l’artiste : puissant, raffiné et profondément expressif. La toile met en scène un portrait féminin hypnotique. Le visage — d’une pâleur presque surnaturelle — est mis en contraste avec une chevelure bleu intense, un regard perçant d’un bleu électrique, et des lèvres rouge profond. L’ensemble est encadré par un fond textile stylisé, où motifs floraux et ambiance Art Nouveau évoquent un monde onirique, dense et vivant. Le vêtement orné de fleurs vives et détails orientaux s’inspire de cultures textiles traditionnelles, offrant une touche d’élégance ethnique et une grande richesse visuelle. La fleur rouge posée dans les cheveux vient accentuer l’équilibre entre sensualité, mystère et force intérieure.

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Dans cette œuvre percutante, Lasveguix rend hommage à Jean-Michel Basquiat, figure emblématique de l’art urbain et de la culture afro-américaine. Le visage en noir et blanc de Basquiat, vêtu d’un costume-cravate sobre, contraste avec l’explosion chaotique de papiers déchirés, de couches d’affiches arrachées, de couleurs et de graffitis qui l’entourent. Le portrait classique se voit littéralement envahi par une matière urbaine vivante, marquant la tension entre l’icône figée et l'énergie brute de la rue. L’approche de Lasveguix consiste à déconstruire l’image pour mieux la recontextualiser, dans un langage plastique fait de couches superposées, de textures et de typographies à moitié effacées. On y distingue des fragments de mots ("err", "live", "you"), des éclats de peinture rose, jaune et noire, ainsi que des éclaboussures qui rappellent le geste spontané du street art. Le résultat est un portrait à la fois révérencieux et organique, dans lequel l’identité de Basquiat émerge à travers le tumulte visuel comme une présence persistante, insoumise et mythique.

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Dans cette œuvre saisissante, Giorgio Stocco compose une danse entre image, texte et couleur. Sur une double-page de dictionnaire ancien (imprimée et collée sur la toile), l’artiste peint une ballerine en plein mouvement, sourire aux lèvres, incarnant grâce et légèreté. Le fond typographique devient scène et décor, où chaque mot imprimé semble participer au ballet. La robe de la danseuse, constituée de motifs losangés rouges et turquoise, évoque le costume d’un arlequin, symbole d’élégance et de jeu. Autour d’elle, une pluie de pétales en rouge, turquoise et noir explose littéralement sur la page, mêlant dynamisme et poésie. Cette profusion de couleurs rompt la rigidité du texte imprimé et évoque une libération joyeuse de l’expression artistique. Par cette œuvre, Stocco explore le contraste entre structure (le dictionnaire, outil de définition et de cadre) et liberté (le mouvement, la couleur, la danse), donnant ainsi une seconde vie à une page oubliée en la transformant en scène d’émotion.

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Cette pièce de Lasveguix présente une réinterprétation urbaine et contemporaine d'une icône mondiale : Mickey Mouse. Sur un fond bleu éclatant, le célèbre personnage de Disney est représenté de manière classique avec son short rouge et son large sourire, mais il est en partie recouvert par un collage chaotique de papiers déchirés, d’affiches lacérées et de couches de peinture.La juxtaposition entre la netteté du dessin animé et l'aspect brut et fragmenté du collage évoque une tension entre nostalgie, culture populaire et effacement du temps. Les éclats de couleurs vives (rouge, bleu, noir, jaune) associés aux matières déchirées apportent un dynamisme qui semble faire éclater l'image de Mickey hors de son cadre original.En bas à droite, la signature "Lasveguix" ancre l'œuvre dans l’univers du street art et du pop art, fidèle au style de l'artiste qui aime mêler références populaires et esthétiques de rue.

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Dans Mickey Wall Fragment, Lasveguix revisite l'icône intemporelle de la pop culture avec son style urbain explosif. Sur un fragment de mur reconstitué, l'artiste met en scène un Mickey Mouse joyeux, entouré d’éclaboussures de peinture vive et de motifs graffiti.Les mots "LOVE" apparaissent en filigrane, insufflant une touche de douceur au chaos coloré qui entoure le personnage.À travers ce collage vibrant, Lasveguix célèbre l'enfance, l'amour et l'énergie brute du street art, tout en rendant hommage à l’univers du cartoon et à son pouvoir universel. Taille encadrée : 42 x 32 x 3 cm

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Cette œuvre d'EGHNĀ est une peinture sur toile qui fusionne les codes du street art avec une icône de la culture populaire, ici détournée de manière provocatrice. On y reconnaît une représentation stylisée et fragmentée de Mickey Mouse, dont le visage est recouvert de graffitis, de coulures de peinture, et de textes gribouillés évoquant l’univers urbain et rebelle du graffiti. La palette de couleurs est dominée par le noir, le blanc, le gris et le rouge. Le fond, chaotique et saturé, mêle effets de brume, traces de pinceau larges, éclaboussures et coulures rouges, qui rappellent des taches de sang. Des inscriptions comme « BRONX », « vandal », ou encore des tags illisibles ajoutent une dimension contestataire et underground à l’ensemble. L’attitude du personnage, bien qu’esquissée avec humour par son grand sourire, semble presque menaçante ou cynique, renforcée par des éléments discordants comme la couture blanche en forme de X sur le bas du visage. Des cœurs griffonnés à la hâte côtoient des messages plus agressifs, créant un contraste entre l’innocence supposée du personnage et l’univers brut qui l’entoure. L’œuvre semble interroger la place de la culture de masse dans l’art contemporain, tout en rendant hommage à l’esthétique du graffiti new-yorkais des années 80-90. Elle évoque une forme de désacralisation du mythe Disney au profit d’une expression libre, brute, presque anarchique.

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Cette œuvre de Bruno Cantais, réalisée en hommage à Pierre Soulages, s’inscrit dans la continuité de l’outrenoir, mouvement initié par Soulages où la lumière naît de l’interaction avec la matière noire. Ici, l’artiste exploite la texture de la peinture pour structurer la surface, créant un jeu subtil entre opacité et reflets. Les stries dynamiques, tracées avec énergie, évoquent un mouvement presque organique, rappelant les empreintes du temps ou les traces d’une pluie battante figée dans la matière. L’utilisation exclusive du noir, loin d’être une absence de couleur, devient une source infinie de variations lumineuses et de profondeur. Par cet hommage, Bruno Cantais ne se contente pas de citer Soulages, mais s’approprie son langage plastique pour proposer une œuvre qui interroge notre perception du noir et de la lumière, entre rigueur et émotion brute.

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