Œuvres récemment mises en ligne

Réalisée par l'artiste français Lasveguix, Guga est une œuvre explosive et expressive qui célèbre la légende du tennis brésilien Gustavo Kuerten. Imprimée en haute qualité sur Dibond, un support rigide en aluminium très prisé pour les œuvres contemporaines, cette pièce mêle techniques numériques, esthétique pop art et collage visuel. Au centre, le visage de Guga en profil bleu se détache sur un fond vibrant, saturé de références visuelles à son parcours : Roland-Garros, le Brésil, Florianópolis, Lacoste, et les grands moments de joie qui ont marqué sa carrière. Chaque détail raconte une facette du champion, entre puissance sportive et rayonnement culturel. Tirée à seulement 8 exemplaires, chacun signé à la main par Gustavo Kuerten lui-même, cette œuvre rare a déjà suscité l’engouement des collectionneurs.  L'œuvre est montée sur un cadre alu noir. C'est une sérigraphie de l'original vendue le 24 juin lors du gala CŒUR CENTRAL à Roland Garros au prix de 33 000e.

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"Seidenschals" de Ronan Martin est une œuvre puissante qui explore la tension entre la légèreté du mouvement et la profondeur de la matière. Sur un fond noir dense et lumineux, l’artiste rend un hommage explicite à Pierre Soulages, en travaillant la surface avec un soin particulier apporté au pigment noir et au glaçage, conférant à l’arrière-plan une texture vibrante et presque vivante. Ce noir n’est pas absence, mais présence : il capte, reflète, révèle. Au cœur de cette obscurité texturée, deux volutes de couleurs surgissent, telles des écharpes de soie suspendues dans l’espace — d’où le titre, Seidenschals. Le geste pictural, fluide mais maîtrisé, fait éclore des rouges, des jaunes, des bleus, des verts, dans une matière épaisse, presque sculptée. Ces filaments colorés se rejoignent au centre dans un point de tension fragile, comme un instant de grâce figé entre deux forces. Cette œuvre dialogue entre ombre et lumière, matière et mouvement, abstraction et émotion. Elle incarne une recherche de contraste et d’équilibre, où le noir devient un champ d’expression et non un vide, et où la couleur devient souffle.

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Cette œuvre de Jean-Philippe Ghiglione est une peinture dynamique et expressive représentant une cavalcade de chevaux en mouvement. Réalisée à l’huile avec un couteau à palette, elle se distingue par son style gestuel et semi-abstrait. Les chevaux, rendus par des touches énergiques de bruns, noirs, blancs, et jaunes, semblent surgir de la toile, emportés par un élan puissant et spontané. Le fond blanc accentue l’effet de vitesse et de liberté, donnant l’impression que les animaux galopent dans une lumière éclatante, presque irréelle. La matière est travaillée avec vigueur, évoquant à la fois la force musculaire des chevaux et le vent qui les entoure. Les contours sont volontairement flous, traduisant l’intensité du mouvement plus que la précision des formes. La signature en bas à gauche — reconnaissable entre autres par son trait libre — confirme l’authenticité du style Ghiglione, qui explore ici, comme souvent, les thèmes de la nature sauvage et de la vitalité animale.

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Avec Starboy, Mitch Richmond signe un hommage sculptural à l’imaginaire futuriste et à l’esthétique robotique popularisée par la musique et la pop culture. Inspiré du casque emblématique de Daft Punk, l’artiste en propose une version épurée, figée dans un alliage doré miroir qui capte l’espace environnant autant qu’il le distord. La surface parfaitement lisse et réfléchissante du casque évoque une présence à la fois humaine et déshumanisée — une figure androgyne, sans visage, suspendue entre machine et émotion. En recourant à l’or, Richmond confère à l’objet une dimension sacrée, presque mythologique : le robot devient idole. Starboy incarne cette tension entre individualité et anonymat, entre technologie et identité. C’est un portrait du XXIe siècle où l’ego s’efface derrière des interfaces brillantes, où l’artiste s’efface derrière l’avatar.

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Dans cette oeuvre, Mitch Richmond détourne l'iconique casque de Stormtrooper de l’univers Star Wars pour en faire une sculpture résolument contemporaine, aussi brillante qu’introspective. Entièrement recouvert d’un chromage miroir, l’objet devient surface de réflexion – au sens propre comme au figuré. L’effet miroir interroge la place de l’individu dans les systèmes qu’il sert aveuglément, à l’image des soldats impériaux anonymes. L’œuvre oscille entre pop culture et critique sociétale. En figeant dans un métal éclatant ce symbole de conformisme et d’obéissance, Richmond le transforme en totem luxueux et paradoxal. Le spectateur y aperçoit son propre reflet, prisonnier d’un casque qui semble dire : « Qui êtes-vous derrière le masque ? » Cette pièce interroge l’identité, la standardisation et le pouvoir des symboles dans notre imaginaire collectif. À travers cette armure figée, Mitch Richmond nous invite à réfléchir à notre propre rôle dans les récits que nous consommons et perpétuons.

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Avec Saber Lux, Mitch Richmond livre une interprétation personnelle et poétique du sabre de Luke Skywalker. Cette œuvre en métal patiné ne cherche pas à reproduire l’objet à l’identique, mais à en capter l’essence : celle d’un passage, d’un legs, d’un objet chargé d’histoire autant que de symbolique. Le traitement bronze patiné, aux accents sombres et profonds, donne à cette sculpture des allures d’objet sacré, presque mystique. Les lignes sont épurées mais puissantes, alternant entre douceur des courbes et rigueur industrielle. Chaque détail – la molette hexagonale, les rainures régulières, la terminaison sculptée – évoque le lien entre l’ancien et le futur, entre l’artisanat et la technologie, entre le mythe et la matière. En revisitant le sabre de Luke, Richmond dépasse la simple référence à Star Wars : il interroge ce que signifie hériter, transmettre, et transformer un symbole collectif en une œuvre unique, dense et silencieuse.

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Mitch Richmond propose ici une sculpture saisissante mêlant nostalgie et puissance symbolique. Inspirée de l’iconographie de la science-fiction, cette œuvre en métal évoque immédiatement le célèbre sabre laser de la saga Star Wars, ici revisité comme une relique intemporelle. La finition en bronze patiné renforce l’effet d’objet ancien, presque archéologique, comme si cette pièce avait traversé les âges. Le traitement des surfaces, à la fois brut et maîtrisé, confère à l’objet une densité visuelle et tactile, incitant le spectateur à contempler l’artefact non plus comme une arme futuriste, mais comme une sculpture à part entière. Par ce geste, Richmond transforme un symbole de culture populaire en œuvre d’art contemporaine, jouant avec les notions de mémoire, d’héritage et de transformation des objets iconiques.

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Avec "Urban Marianne", Lasveguix réinterprète l’icône républicaine française à travers le prisme de la culture pop et de l’imagerie urbaine. Marianne, symbole intemporel de liberté, de fraternité et de résistance, trône au centre de la composition dans une esthétique qui rappelle les gravures d’antan, mais transposée dans un chaos visuel résolument contemporain. Autour d’elle, une mosaïque d’affiches déchirées, de graffitis, de références musicales – dont l’iconique "Oasis" – et de figures féminines issues d’une autre époque. Des mots comme "LOVE" ou "LIBERTÉ" émergent des couches de papier, comme autant de cris dans la ville. Lasveguix mêle les symboles et les époques : des timbres anciens à une esthétique punk, en passant par des slogans politiques et artistiques. Cette œuvre incarne une résistance douce et esthétique, où la Marianne d’aujourd’hui ne brandit pas un drapeau, mais rayonne dans les interstices d’un monde fragmenté. "Urban Marianne" est une fresque engagée, où la femme devient le fil conducteur d’une narration collective, réinventée sur les murs de nos villes.

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Dans "Amour Sauvage", Lasveguix fusionne l’instinct brut de la nature avec l’énergie urbaine du street art contemporain. Cette œuvre foisonnante juxtapose l’image majestueuse et hyperréaliste d’un lion, symbole de force et de fierté, à un collage chaotique de publicités, de graffitis et d’affiches vintage lacérées, témoins d’une mémoire collective urbaine. Le mot "OUI", peint en rose vif au centre de la toile, tranche avec la sauvagerie du félin et évoque un élan d’acceptation, d’espoir ou de passion brute. On y devine aussi une femme illustrée, façon pop art, qui semble regarder le spectateur avec intensité — un rappel à la fois nostalgique et puissant de la figure féminine dans l'imaginaire populaire. Lasveguix explore ici la dualité entre l’amour et l’instinct, le civilisé et le sauvage, le passé et le présent. Les couches de peinture éclaboussées, les typographies superposées et les éléments déchirés donnent à l'œuvre un rythme presque musical, entre tension et harmonie. "Amour Sauvage" est une déclaration visuelle où la tendresse côtoie la puissance, et où l’art de rue devient le langage d’émotions primaires, exprimées avec une intensité saisissante.

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Cette œuvre de Jean-Philippe Ghiglione représente un combat de coqs dans un style expressionniste abstrait, caractéristique de l’artiste. Peinte au couteau avec une grande énergie, la composition capte le mouvement intense et la tension dramatique de l’affrontement. Le sujet met en scène deux coqs affrontés, figés dans une posture de combat, presque symétrique, mais chacun conservant sa propre dynamique. La palette de couleurs est vive et contrastée, dominée par des tons chauds — rouge, orange, jaune — qui évoquent la combativité et la vitalité, et des tons sombres — noir, gris, touches de blanc — qui accentuent la confrontation et la force. Les coups de couteau sont puissants et nerveux. Les empâtements apportent de la matière aux plumes et traduisent la violence et la fulgurance du duel. Le fond blanc, presque vierge, met en valeur le mouvement des coqs et concentre le regard sur la scène centrale, sans distraction. Ce combat de coqs dépasse l’anecdote animalière pour devenir une métaphore de la dualité, de la rivalité, voire du chaos maîtrisé. Le geste pictural évoque la lutte, l’instinct et l’instantanéité du choc. La signature de Jean-Philippe Ghiglione, visible en bas à droite, ancre l’œuvre dans son identité artistique, mêlant abstraction, énergie gestuelle et symbolique forte.

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Dans Cautiva dorada, J. Hanter poursuit son exploration sensible de la féminité et de l’intériorité à travers une composition à la fois puissante et poétique. Le portrait d’une femme, de profil, les yeux clos et le visage apaisé, occupe toute la verticalité de la toile. Sa chevelure sombre, fluide et légèrement tourmentée, devient le support d’un ornement somptueux, fait de motifs dorés stylisés évoquant à la fois des feuilles, des cellules, des empreintes génétiques ou des parures végétales. Ces tracés à l’acrylique dorée, d’une précision ornementale presque calligraphique, s’entrelacent dans les cheveux comme une cage précieuse, à la fois captivante et protectrice. Ils semblent retenir, comme en suspens, la pensée ou la mémoire de la figure représentée, tout en soulignant son mystère. L’arrière-plan, dans des tons chauds et veloutés, fait ressortir la délicatesse du visage, traité à l’huile avec un modelé doux et une palette subtile. L’ensemble dégage une impression de silence intérieur, d’abandon, de captivité choisie. Avec Cautiva dorada, J. Hanter interroge le lien entre ornement et identité, entre contrainte et beauté. L’œuvre évoque une dualité entre l’enfermement symbolique et la richesse intérieure, suggérant que certaines prisons sont faites d’or, mais aussi de rêve.

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El trazo del ángel est une œuvre puissante et lumineuse qui fusionne la délicatesse du portrait réaliste avec l’abstraction symbolique. Au centre de la composition, une figure féminine, les yeux clos, semble suspendue dans un moment de profonde sérénité et d’élévation. Le modelé doux de la peau, exécuté à l’huile, contraste avec l’audace des lignes dorées tracées à l’acrylique, qui se déploient dans un mouvement ascendant, telles des ailes ou des flammes célestes. Ces tracés, fins et dynamiques, évoquent à la fois la légèreté du souffle et la puissance d’une énergie divine. Ils dessinent autour de la tête et du buste de la figure une aura stylisée, entre couronne, chevelure et ailes angéliques. La toile se teinte d’un camaïeu de beiges rosés et de dorés, renforçant la douceur et la spiritualité de la scène. À travers cette œuvre, J. Hanter explore la frontière entre l’humain et le sacré, entre le visible et l’invisible. El trazo del ángel est à la fois un hommage à la grâce intérieure et une invitation à se laisser traverser par une force plus grande, silencieuse et lumineuse.

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Dans cette œuvre saisissante, Gunnar Zyl propose une scène poétique et urbaine où un enfant, silhouette noire au pochoir, brandit un grand parapluie rouge, emblématique de protection et de vulnérabilité. Le contraste fort entre le rouge vif du parapluie et le fond déstructuré en tons gris, beige et noir, saturé de graffitis et de coulures, incarne l’un des marqueurs du style de Zyl : la fusion du street art brut avec des symboles tendres ou universels. La figure de l’enfant, anonyme, chargée de douceur et de nostalgie, évoque l’innocence face à un monde chaotique. Le parapluie, tout en étant censé protéger, semble lui-même éclaboussé et dégradé, comme si la protection était imparfaite — une métaphore subtile des défis que chacun affronte en grandissant. Le fond, volontairement désordonné, évoque un mur de rue où le tag devient mémoire, bruit ou désespoir. À travers cette pièce, Gunnar Zyl poursuit sa réflexion sur la fragilité de l’innocence dans un monde urbain saturé, mais aussi sur la résilience, l’acte de se dresser avec dignité dans un univers instable. L’œuvre, malgré la tension de ses contrastes, dégage une énergie pleine de sensibilité et de force intérieure. C’est une toile puissante, aussi graphique qu’émotive, qui s’inscrit parfaitement dans l’univers de l’artiste : à la croisée de l’intime et du collectif, du chaos urbain et de l’espoir.

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Dans cette sculpture étonnante, Filippo Pietro Castrovinci réinterprète Spider-Man à travers une approche résolument contemporaine, utilisant l’acier Corten comme support d’expression. Réalisée par superposition de strates métalliques découpées, l’œuvre forme une silhouette stylisée de la tête du célèbre super-héros, immédiatement reconnaissable par sa structure dynamique et tendue. Le choix de l’acier Corten — matériau brut qui se patine avec le temps — vient renforcer l’idée d’un héros ancré dans le réel, façonné par les couches de son histoire, de ses combats et de sa dualité humaine. La construction en tranches évoque un scan tridimensionnel ou une modélisation numérique arrêtée dans son élan, figée dans une esthétique post-industrielle. La pièce dialogue entre force et fragilité, matière et vide, masque et identité, offrant une lecture à plusieurs niveaux : Spider-Man y devient symbole de résilience, mais aussi de fragmentation — comme si sa figure elle-même était déconstruite par le poids du monde moderne.

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Spring Moon est une œuvre originale et unique de l’artiste Margot Laffon, aujourd’hui très recherchée par les collectionneurs et amateurs de portraits contemporains. Réalisée à la main en peinture acrylique, cette pièce exceptionnelle incarne toute la singularité de l’univers de l’artiste : puissant, raffiné et profondément expressif. La toile met en scène un portrait féminin hypnotique. Le visage — d’une pâleur presque surnaturelle — est mis en contraste avec une chevelure bleu intense, un regard perçant d’un bleu électrique, et des lèvres rouge profond. L’ensemble est encadré par un fond textile stylisé, où motifs floraux et ambiance Art Nouveau évoquent un monde onirique, dense et vivant. Le vêtement orné de fleurs vives et détails orientaux s’inspire de cultures textiles traditionnelles, offrant une touche d’élégance ethnique et une grande richesse visuelle. La fleur rouge posée dans les cheveux vient accentuer l’équilibre entre sensualité, mystère et force intérieure.

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Avec Banksy Bomb, Van Apple propose une sculpture aussi ironique que percutante, fusionnant le monde animal avec l’univers militaire. Réalisée en résine chromée, la tortue arbore un corps lisse et brillant, contrastant avec une carapace transformée en casque tactique noir, qui devient le cœur du propos artistique. Sur chaque côté du casque, l’artiste a intégré une reproduction d’une œuvre emblématique de Banksy, renforçant ainsi le dialogue entre art de rue, satire sociale et sculpture contemporaine. Ces motifs, à la fois critiques et reconnaissables, injectent une dose de rébellion et d’humour dans la pièce. La juxtaposition entre la lenteur paisible de la tortue et l’univers armé, technologique et engagé évoqué par le casque et les visuels de Banksy, offre une lecture à plusieurs niveaux : entre résistance et absurdité, fragilité et blindage, temps long et urgence sociale.

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Dans cette œuvre saisissante, Giorgio Stocco détourne l’emblématique Arc de Triomphe en le plaçant au cœur d’une scène urbaine réinventée, à la frontière du réalisme et de la fantaisie. Réalisée numériquement puis collée sur toile, la composition offre une lecture contemporaine du monument parisien, transformé ici en terrain de jeu vertical. L'Arc devient vivant : des dizaines de personnages — minuscules mais animés — escaladent ses façades, s’accrochent à ses sculptures, déambulent sur la terrasse supérieure, ou s’abritent sous un parapluie tricolore flottant. L'œuvre introduit un jeu d’échelle fascinant, entre monumentalité architecturale et foisonnement humain. Le fond, discret mais présent, est composé de pages imprimées, ajoutant une texture culturelle et textuelle qui enrichit la lecture de la pièce. Avec cette scène décalée, Giorgio Stocco interroge la relation entre l’homme et l’histoire, entre l’individu et les symboles. Il y mêle humour, poésie visuelle et une maîtrise technique remarquable de l’image numérique, servie par un collage parfaitement intégré au support toile, à mi-chemin entre peinture traditionnelle et art digital contemporain.

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Dans cette œuvre percutante, Lasveguix rend hommage à Jean-Michel Basquiat, figure emblématique de l’art urbain et de la culture afro-américaine. Le visage en noir et blanc de Basquiat, vêtu d’un costume-cravate sobre, contraste avec l’explosion chaotique de papiers déchirés, de couches d’affiches arrachées, de couleurs et de graffitis qui l’entourent. Le portrait classique se voit littéralement envahi par une matière urbaine vivante, marquant la tension entre l’icône figée et l'énergie brute de la rue. L’approche de Lasveguix consiste à déconstruire l’image pour mieux la recontextualiser, dans un langage plastique fait de couches superposées, de textures et de typographies à moitié effacées. On y distingue des fragments de mots ("err", "live", "you"), des éclats de peinture rose, jaune et noire, ainsi que des éclaboussures qui rappellent le geste spontané du street art. Le résultat est un portrait à la fois révérencieux et organique, dans lequel l’identité de Basquiat émerge à travers le tumulte visuel comme une présence persistante, insoumise et mythique.

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Dans cette œuvre saisissante, Giorgio Stocco compose une danse entre image, texte et couleur. Sur une double-page de dictionnaire ancien (imprimée et collée sur la toile), l’artiste peint une ballerine en plein mouvement, sourire aux lèvres, incarnant grâce et légèreté. Le fond typographique devient scène et décor, où chaque mot imprimé semble participer au ballet. La robe de la danseuse, constituée de motifs losangés rouges et turquoise, évoque le costume d’un arlequin, symbole d’élégance et de jeu. Autour d’elle, une pluie de pétales en rouge, turquoise et noir explose littéralement sur la page, mêlant dynamisme et poésie. Cette profusion de couleurs rompt la rigidité du texte imprimé et évoque une libération joyeuse de l’expression artistique. Par cette œuvre, Stocco explore le contraste entre structure (le dictionnaire, outil de définition et de cadre) et liberté (le mouvement, la couleur, la danse), donnant ainsi une seconde vie à une page oubliée en la transformant en scène d’émotion.

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Cette œuvre est une fusion énergique de deux univers artistiques emblématiques du street art parisien : le corps blanc en mouvement de Jérôme Mesnager et l’univers coloré, pixelisé et urbain de Lasveguix, ici inspiré de l’exposition Invader Rubikcubist au MIMA Museum (24.06.2022 – 08.01.2023). Le fond est composé de fragments d’affiches lacérées et superposées, mêlant des motifs de Rubik's Cubes, des figures de l'artiste Invader et des éléments pop comme des cœurs, des chiffres et des étiquettes griffonnées. Le personnage blanc de Mesnager traverse visuellement l’œuvre, comme un corps libre dans le chaos urbain. Il semble émerger de la matière brute, se faufilant entre les strates d’affiches déchirées. Lasveguix ajoute sa touche en juxtaposant des symboles de la culture pop, du numérique et de l’amour urbain (rose, cœurs, graffiti).

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Cette pièce de Lasveguix présente une réinterprétation urbaine et contemporaine d'une icône mondiale : Mickey Mouse. Sur un fond bleu éclatant, le célèbre personnage de Disney est représenté de manière classique avec son short rouge et son large sourire, mais il est en partie recouvert par un collage chaotique de papiers déchirés, d’affiches lacérées et de couches de peinture.La juxtaposition entre la netteté du dessin animé et l'aspect brut et fragmenté du collage évoque une tension entre nostalgie, culture populaire et effacement du temps. Les éclats de couleurs vives (rouge, bleu, noir, jaune) associés aux matières déchirées apportent un dynamisme qui semble faire éclater l'image de Mickey hors de son cadre original.En bas à droite, la signature "Lasveguix" ancre l'œuvre dans l’univers du street art et du pop art, fidèle au style de l'artiste qui aime mêler références populaires et esthétiques de rue.

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Dans Mickey Wall Fragment, Lasveguix revisite l'icône intemporelle de la pop culture avec son style urbain explosif. Sur un fragment de mur reconstitué, l'artiste met en scène un Mickey Mouse joyeux, entouré d’éclaboussures de peinture vive et de motifs graffiti.Les mots "LOVE" apparaissent en filigrane, insufflant une touche de douceur au chaos coloré qui entoure le personnage.À travers ce collage vibrant, Lasveguix célèbre l'enfance, l'amour et l'énergie brute du street art, tout en rendant hommage à l’univers du cartoon et à son pouvoir universel. Taille encadrée : 42 x 32 x 3 cm

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Cette œuvre d'EGHNĀ est une peinture sur toile qui fusionne les codes du street art avec une icône de la culture populaire, ici détournée de manière provocatrice. On y reconnaît une représentation stylisée et fragmentée de Mickey Mouse, dont le visage est recouvert de graffitis, de coulures de peinture, et de textes gribouillés évoquant l’univers urbain et rebelle du graffiti. La palette de couleurs est dominée par le noir, le blanc, le gris et le rouge. Le fond, chaotique et saturé, mêle effets de brume, traces de pinceau larges, éclaboussures et coulures rouges, qui rappellent des taches de sang. Des inscriptions comme « BRONX », « vandal », ou encore des tags illisibles ajoutent une dimension contestataire et underground à l’ensemble. L’attitude du personnage, bien qu’esquissée avec humour par son grand sourire, semble presque menaçante ou cynique, renforcée par des éléments discordants comme la couture blanche en forme de X sur le bas du visage. Des cœurs griffonnés à la hâte côtoient des messages plus agressifs, créant un contraste entre l’innocence supposée du personnage et l’univers brut qui l’entoure. L’œuvre semble interroger la place de la culture de masse dans l’art contemporain, tout en rendant hommage à l’esthétique du graffiti new-yorkais des années 80-90. Elle évoque une forme de désacralisation du mythe Disney au profit d’une expression libre, brute, presque anarchique.

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Dans The Flowers Gun, Van Apple détourne un symbole universel de violence – le revolver – pour en faire une œuvre résolument pacifique et poétique. La sculpture, chromée ou dorée selon les versions, représente une arme à feu dont le canon laisse jaillir un bouquet éclatant de fleurs, en résine colorée ou en métal, symbolisant la beauté, la vie et l’espoir. Fidèle à son style pop-art contemporain, Van Apple mêle provocation visuelle et message engagé : ici, l'artiste nous invite à désarmer le monde par la culture, l’amour et la nature. The Flowers Gun n’est pas seulement un objet esthétique ; c’est un manifeste contre la violence, une célébration de la paix et un appel à l’émerveillement dans un monde trop souvent dominé par la brutalité. Avec cette œuvre forte et audacieuse, Van Apple poursuit son travail sur les contrastes et les détournements d’objets, offrant une pièce qui ne laisse personne indifférent.

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