Les oeuvres d'art à moins de 300 euros

Brain Roy représente ici une portion de frites Mc Donald's dont tout le monde connait le packaging inscrit dans la culture populaire. Il choisit cependant de modifier le rouge habituel par un habillage aux couleurs d'une œuvre de Piet Mondrian.

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Avec Urban Malabar, Lasveguix détourne les codes de la publicité et de l’imagerie populaire pour en révéler les mécanismes et les excès. La figure centrale, un personnage souriant au style rétro, semble surgir d’un amas d’affiches déchirées et de fragments graphiques. Son expression faussement rassurante, associée au geste du pouce levé, évoque une promesse de bonheur standardisé, immédiatement reconnaissable et pourtant profondément ironique. Le mot « MALABAR », imposant et coloré, s’impose comme un slogan publicitaire arraché à son contexte originel. Autour de lui, les couches de papier lacérées, les éclaboussures de peinture rose et les zones abrasées traduisent la violence visuelle de l’espace urbain et la saturation permanente des messages commerciaux. Le collage devient ici un terrain de confrontation entre séduction graphique et usure du réel. Les contrastes chromatiques — jaunes vifs, noirs profonds, blancs brisés et touches de rose — renforcent l’impact immédiat de l’œuvre, tout en soulignant son caractère critique. Derrière l’esthétique ludique et pop se dessine une réflexion sur la consommation, la répétition des images et la superficialité des discours publicitaires. Avec cette œuvre, Lasveguix inscrit son travail dans une filiation directe avec le street art et le pop art, transformant une icône familière en un symbole ambigu. Malabar agit comme un miroir grinçant de notre société de l’image, où l’enthousiasme affiché masque souvent une réalité plus fragmentée et chaotique.

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Avec Pop Skull, Lasveguix revisite l’iconographie universelle du crâne à travers un langage résolument pop et urbain. Au centre de la composition émerge un crâne stylisé, traité en trame noir et blanc, presque sérigraphié, qui s’impose comme une figure à la fois familière et dérangeante. Son sourire figé oscille entre ironie et provocation, rappelant la frontière ténue entre culture populaire et memento mori contemporain. L’œuvre est construite à partir d’un collage dense d’affiches lacérées, de typographies fragmentées, de logos et de références médiatiques. Les couleurs vives — jaunes saturés, bleus électriques, roses et noirs — créent un contraste saisissant avec la monochromie du crâne, accentuant son impact visuel. Cette superposition chaotique évoque les murs urbains recouverts de publicités, de slogans et de messages éphémères. Les déchirures, couches arrachées et zones abrasées participent pleinement à la narration de l’œuvre. Elles traduisent l’usure du temps, la saturation de l’image et la violence visuelle de notre environnement contemporain. Le crâne, symbole intemporel de la mort, se trouve ainsi confronté à l’excès de signes et de consommation, devenant une icône pop vidée de sa gravité première, mais chargée d’une nouvelle ironie critique. Avec Pop Skull, Lasveguix propose une œuvre percutante, à la croisée du street art et du pop art, où l’esthétique séduisante masque une réflexion plus profonde sur la culture de masse, la répétition des images et la banalisation des symboles. L’œuvre s’impose comme un miroir grinçant de notre époque, à la fois ludique, violente et profondément contemporaine.

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Avec Le Mans, Lasveguix rend hommage à une icône du cinéma et de la culture automobile en fusionnant esthétique street art, collage urbain et mémoire collective. Au centre de la composition apparaît le visage intense de Steve McQueen, figure mythique du film Le Mans (1971), incarnant à la fois la vitesse, la maîtrise et une forme de liberté brute associée à la course automobile. L’œuvre est construite à partir de fragments d’affiches lacérées, de typographies arrachées et de couches visuelles superposées, évoquant les murs de la ville marqués par le temps. Les déchirures, fissures et zones effacées créent une tension entre apparition et disparition, comme un souvenir recomposé à partir de traces. Le numéro de course, les références graphiques et les éléments textuels renforcent l’ancrage historique et symbolique de l’œuvre. Le contraste entre le portrait en noir et blanc et les éclats de couleurs vives – jaunes, bleus, verts et rouges – dynamise la composition et traduit l’énergie de la course, le bruit, la vitesse et l’adrénaline du circuit. Cette opposition chromatique souligne également le dialogue entre passé et présent, icône intemporelle et langage visuel contemporain. À travers Le Mans, Lasveguix ne se contente pas de représenter une figure culte : il la réinscrit dans l’espace urbain, la confronte à l’usure du temps et à la violence visuelle de la rue. L’œuvre devient ainsi un manifeste nostalgique et moderne à la fois, célébrant la légende, la mécanique et l’imaginaire collectif liés à la mythologie de la vitesse.

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Cette œuvre de Lasveguix revisite avec audace l’iconique Vache qui Rit, figure familière de la culture populaire française, en l’inscrivant dans un univers urbain vibrant. Au centre de la composition, la célèbre vache rouge souriante apparaît en grand format, entourée d’affiches lacérées, de textures brutes, de fragments typographiques et de tags qui composent un mur vivant, typique du style street art de l’artiste. Le slogan « Vachement Bon » surgit dans la partie supérieure, tandis que le bas du visuel laisse apparaître, partiellement dissimulée sous les déchirures d’affiches, l'inscription « La Vache qui Rit ». Ce jeu de superpositions crée une tension visuelle entre le message publicitaire d’origine et son réinterprétation contemporaine. En mêlant nostalgie d’une icône publicitaire, énergie des rues et chaos poétique du collage, Lasveguix détourne un symbole du quotidien pour le transformer en objet d’art. L’œuvre joue sur les contrastes : entre propreté graphique et usure urbaine, entre image lisse et textures éclatées, entre mémoire collective et réappropriation artistique. Par cette composition dynamique et expressive, Lasveguix inscrit La Vache qui Rit au cœur de son univers : un espace où la pop culture, la rue et la création se rencontrent et se réinventent.

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Dans cette œuvre, Lasveguix rend hommage à Obey, figure emblématique du street art mondial, en revisitant l’iconique Marianne au travers de sa propre esthétique. Sur un morceau de carton déchiré, aux bords brûlés par le temps, l’artiste recrée l’illusion d’un fragment arraché à un mur urbain — témoin d’un passage, d’un cri visuel, d’une mémoire de rue. Les couches d’affiches superposées, les traces de graffiti et les éclats de peinture mêlent chaos et harmonie. Le visage de la Liberté, partiellement dévoilé, émerge du collage comme un symbole intemporel, à la fois fragile et indestructible. La mention “Made in France”, inscrite à la main, agit comme une signature manifeste : celle d’un artiste qui célèbre la scène urbaine française tout en dialoguant avec ses influences internationales. À travers Fragment de Liberté, Lasveguix interroge la notion de trace et d’héritage. Chaque déchirure devient la marque d’un geste, chaque morceau de carton, une parcelle de mur qui raconte la liberté d’expression. Taille encadrée : 42 x 32 x 3 cm

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Cette œuvre de Lasveguix incarne parfaitement la tension entre héritage et modernité. Sur un fond noir minimaliste se détache un collage vibrant où se mêlent textures, fragments d’affiches et éclats de couleurs. Au centre, le visage féminin iconique — inspiré des codes graphiques du street art engagé — symbolise la Liberté, mot partiellement dévoilé, comme arraché au mur du temps. Autour de cette figure, Lasveguix superpose des couches de papiers déchirés, de graffitis et de peintures aux nuances vives, créant une composition à la fois brute et poétique. L’inscription “Made in France”, peinte à la main, vient ancrer le message : une affirmation d’identité artistique et culturelle, fièrement enracinée dans la scène urbaine française. Entre hommage et détournement, cette oeuvre célèbre la puissance du collage comme acte de mémoire et de résistance. Chaque déchirure devient un geste de liberté, chaque trace une empreinte de rue. Taille encadrée : 42 x 32 x 3 cm

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Dans cette œuvre, Lasveguix explore la technique du collage et de l’affiche déchirée pour revisiter une icône graphique bien connue : la Marianne popularisée par Shepard Fairey (Obey). Au centre, le visage stylisé et ornementé émerge à travers des strates d’affiches colorées, typographiques et manuscrites, créant un jeu de dévoilement progressif. La composition donne l’impression d’un fragment arraché à un mur urbain, comme une section de palimpseste visuel où les couches successives d’affichage racontent une histoire collective. En mêlant l’univers visuel d’Obey — symbole de résistance et de contre-culture — à son propre langage plastique, Lasveguix compose une pièce à la fois brute et poétique. Les déchirures, les superpositions et les textures font écho à la matérialité de la rue, où les images s’effritent et se réinventent au fil du temps. L’œuvre interroge ainsi la tension entre icône et appropriation contemporaine, entre mémoire commune et expression personnelle. Taille encadrée : 42 x 32 x 3 cm

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Magnifique oeuvre réalisée par l'artiste Alberto Ricardo et signée par l'artiste.Il s'agit ici d'une giclée sur toile professionnelle limitée à 10 exemplaires seulement. L'oeuvre présentée ici porte le numéro 1.Alberto Ricardo propose ici un portrait de Freddy Mercury, décédé le 24 novembre 1991 à Londres et qui était un chanteur, compositeur et pianiste britannique d'origine parsie. Il est principalement connu pour avoir été le leader du groupe Queen, l'un des plus grands groupes de rock de tous les temps. Mercury était célèbre pour sa voix puissante et polyvalente, ainsi que pour son incroyable présence sur scène.

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Découvrez cette sculpture très originale de l'artiste Bruno Cantais, spécialiste de l'expressionnisme abstrait et de la projection de matières. Coté par Artprice, Drouot et Akoun, Bruno Cantais nous propose ici une oeuvre nommée Disco qui consiste en une projection de peinture acrylique sur un violon en plastique. Ce dernier est livré avec son archet et pourra être posé ou accroché à un mur.

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Création originale pour tous les amateurs et collectionneurs de l'univers artistique de Warhol. Ici, SKE, artiste Français autodidacte touche à tout, rend hommage à Warhol en reprenant une de ses oeuvres autour d'une bombe aérosol : Campbell's Soup Cans. Il s'agit d'une œuvre originale signée et numérotée avec certificat d'authenticité.

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Magnifique peinture sur toile de style abstrait de l'artiste italien Silvio Formichetti réalisée à l'aide de peinture acrylique. L'oeuvre est signée à la main par l'artiste au recto et au verso et elle est livrée avec son certificat d'authenticité.

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En provenance directe de l'atelier de l'artiste, voici une très belle peinture originale réalisée à l'aide d'acrylique sur toile. L'artiste Bruto a choisi ici de représenter un Smurf (Schtroumpf en français), personnage d'une série éponyme de bande dessinée créée par Peyo en 1958 racontant l'histoire d'un peuple imaginaire de petites créatures bleues logeant dans un village champignon au milieu d'une vaste forêt.

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Oeuvre très originale de l'artiste italien Malaspina composée de plus de 1500 épingles en bambou sélectionnées et placées côte à côte pour donner forme à la sculpture. Le cadre est en acajou, l'oeuvre a été réalisée entièrement à la main et elle est signée au dos.

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Brain Roy représente ici une icone des années 50, Marilyn Monroe inscrit dans la culture populaire en la grimant des marques de Luxe actuelle avec un fond militaire. L'oeuvre est une impression sur dibond limitée seulement à 6 exemplaires.

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Brain Roy représente ici une icone des années 50, Marilyn Monroe inscrit dans la culture populaire en la grimant des marques de Luxe actuelle. L'oeuvre est une impression sur dibond limitée seulement à 6 exemplaires.

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Découvrez ce Jerrican de 5L au couleur de Nutella peint avec de la peinture aérosol Montana et vernis. Le logo est également peint pour donner un résultat homogène et une meilleure tenue dans le temps. L'artiste XTC souhaite, à travers cette œuvre, comparer l'huile de palme utilisée dans la recette du Nutella à de l'essence pour son pouvoir dévastateur.

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"La liberté bafouée" est une impression réalisée à partir d'outils numériques, cette épreuve est limitée à 30 exemplaires et imprimée sur papier Hanhemühle. L'artiste Mr Strange a choisi de représenter la liberté et les droits des femmes à travers la Statue de la Liberté qui descend de son piédestal lorsque ces derniers sont bafoués. Délai de livraison : 2 semaines

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"Tout est relatif" est une impression réalisée à partir d'outils numériques, cette épreuve est limitée à 30 exemplaires et imprimée sur papier Hanhemühle. L'artiste Mr Strange met en scène Albert Einstein, seul dans un train, regardant la pluie à l'opposé de l'animation qui règle au sein de son cerveau. On remarquera également le clin d'oeil de l'artiste à la relativité avec le titre de l'œuvre. Délai de livraison : 2 semaines

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"To Churchill, Manitoba" est une impression réalisée à partir d'outils numériques, cette épreuve est limitée à 30 exemplaires et imprimée sur papier Hanhemühle. L'artiste Mr Strange manie l'autodérision à travers les œuvres qu'il propose. Ici, il met en scène une situation improbable où un ours polaire s'apprête à prendre le bus, ce dernier étant chassé de son habitat naturel à cause du réchauffement climatique. Délai de livraison : 2 semaines

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From Burnside Avenue to kingbridge Road est une impression de  Mr Strange réalisée à partir d'outils numériques, cette épreuve est limitée à 30 exemplaires et imprimée sur papier Hanhemühle. Délai de livraison : 2 semaines

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L'aventurière est une impression réalisée à partir d'outils numériques, cette épreuve est limitée à 30 exemplaires et imprimée sur papier Hanhemühle. L'artiste Mr Strange manie l'autodérision à travers les œuvres qu'il propose. Ici, il met en scène une situation improbable où une girafe décide de prendre le volant pour vivre son propre safari. Délai de livraison : 2 semaines

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The escalator est une impression réalisée à partir d'outils numériques, cette épreuve est limitée à 30 exemplaires et imprimée sur papier Hanhemühle. L'artiste Mr Strange manie l'autodérision à travers les œuvres qu'il propose. Ici il met en scène une situation improbable où un gorille descend l'escalator d'un métro New-Yorkais. Délai de livraison : 2 semaines

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The Bath est une impression réalisée à partir d'outils numériques, cette épreuve est limitée à 30 exemplaires et imprimée sur papier Hanhemühle. L'artiste Mr Strange manie l'autodérision à travers les œuvres qu'il propose. Ici il met en scène une situation improbable où un gorille se baigne dans une piscine pour nous interpeller sur le coté illogique de cette scène. Délai de livraison : 2 semaines

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