Toutes les œuvres d'art

Dans cette œuvre, Lasveguix explore la technique du collage et de l’affiche déchirée pour revisiter une icône graphique bien connue : la Marianne popularisée par Shepard Fairey (Obey). Au centre, le visage stylisé et ornementé émerge à travers des strates d’affiches colorées, typographiques et manuscrites, créant un jeu de dévoilement progressif. La composition donne l’impression d’un fragment arraché à un mur urbain, comme une section de palimpseste visuel où les couches successives d’affichage racontent une histoire collective. En mêlant l’univers visuel d’Obey — symbole de résistance et de contre-culture — à son propre langage plastique, Lasveguix compose une pièce à la fois brute et poétique. Les déchirures, les superpositions et les textures font écho à la matérialité de la rue, où les images s’effritent et se réinventent au fil du temps. L’œuvre interroge ainsi la tension entre icône et appropriation contemporaine, entre mémoire commune et expression personnelle. Taille encadrée : 42 x 32 x 3 cm

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Cette sculpture en métal poli est une réinterprétation contemporaine du célèbre casque d’Iron Man. Mitch Richmond revisite ici l’icône de la pop culture en la transformant en une pièce sculpturale aux lignes nettes et à la surface miroir, qui reflète l’espace environnant et souligne la précision du travail artisanal. En isolant l’objet de son contexte narratif et en le façonnant dans un métal brillant, l’artiste en fait un symbole hybride : à la fois armure futuriste et artefact d’exposition. Cette approche met en lumière la fascination collective pour la technologie et les figures héroïques modernes, tout en interrogeant la frontière entre objet de divertissement et œuvre d’art.

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Dans cette œuvre percutante, Bruno Boffa célèbre l’audace et le génie créatif de David Bowie, icône intemporelle de la musique et de la culture pop. Le portrait en noir et blanc de l’artiste, marqué par l’éclair rouge emblématique de Ziggy Stardust, occupe le centre de la composition. Autour de lui, un univers foisonnant mêle graffitis, symboles graphiques, éclairs rouges, guitares électriques, inscriptions manuscrites et références à la culture underground. L’arrière-plan urbain, saturé de textures, d’affiches déchirées et d’éléments dessinés, évoque l’effervescence artistique et l’énergie contestataire qui ont accompagné Bowie tout au long de sa carrière. L’ensemble dégage une atmosphère électrique, à la croisée du rock, de la mode et de l’avant-garde. Réalisée sur support aluminium, la pièce associe montage photo et impression haute définition, rehaussée par l’application minutieuse de feuille d’or, qui apporte éclat et profondeur à la composition. Un vernis de qualité automobile est ensuite appliqué, conférant à l’œuvre une brillance exceptionnelle et une protection durable, tout en sublimant la richesse des couleurs et des contrastes. Boffa capture ici toute l’essence de David Bowie — sa créativité visionnaire, son style unique et son esprit libre — dans une esthétique contemporaine et intensément expressive.

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Dans cette œuvre énergique et colorée, Bruno Boffa rend hommage à Astro Boy, personnage iconique du manga et de l’animation japonaise. Le jeune héros surgit au premier plan dans une posture dynamique, comme prêt à bondir hors du cadre. Son univers futuriste s’entrelace avec un fond urbain texturé, composé d’affiches superposées, de graffitis, de typographies éclatées et d’éclaboussures de peinture blanche qui accentuent le mouvement et la vitalité de la scène. L’artiste mêle habilement la culture pop japonaise et l’esthétique street art occidentale, créant une composition vibrante où passé, modernité et imaginaire se rencontrent. Les nuances dominantes de bleu et de rouge apportent une intensité visuelle qui met en valeur l’énergie positive du personnage. Réalisée sur support aluminium, la pièce associe montage photo et impression haute définition, sublimée par l’application minutieuse de feuille d’or, qui apporte éclat et profondeur. Un vernis de qualité automobile est ensuite appliqué, offrant une brillance exceptionnelle et une protection durable, tout en renforçant la vivacité des couleurs et des contrastes. Boffa réussit ici à fusionner culture pop et art urbain dans une œuvre pleine d’énergie, de modernité et de nostalgie.

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Dans cette œuvre dynamique, Bruno Boffa rend hommage à Graham Hill, figure légendaire du sport automobile. À travers une composition riche et immersive, l’artiste capture l’esprit héroïque et l’élégance d’une époque mythique de la Formule 1. Le regard intense de Hill domine la scène, en noir et blanc, tandis que des images emblématiques de ses courses et de son équipe Lotus se déploient en arrière-plan : bolides en pleine action, logos historiques tels que Lotus, Goodyear ou Esso, et détails mécaniques d’époque s’entremêlent dans une fresque visuelle saisissante. L’artiste mêle habilement références historiques, graphismes contemporains et textures pour créer une atmosphère puissante, entre nostalgie et modernité. Les lignes blanches esquissées rappellent la vitesse, les trajectoires et l’énergie brute des circuits. Réalisée sur support aluminium, la pièce associe montage photo et impression haute définition, rehaussée par l’application délicate de feuille d’or, qui apporte éclat et profondeur à la composition. Un vernis de qualité automobile est ensuite appliqué, conférant à l’œuvre une brillance remarquable et une protection durable, tout en sublimant les contrastes et la richesse des détails. Bruno Boffa capture ici toute la légende de Graham Hill : son charisme unique, sa passion et son héritage sportif, dans une esthétique contemporaine et intensément expressive.

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Dans cette œuvre vibrante, Bruno Boffa rend hommage à l’élégance intemporelle et à l’esprit libre de Jane Birkin. Au centre de la composition, un portrait en noir et blanc de l’icône franco-britannique se détache sur un fond foisonnant où se mêlent graffitis, typographies fortes, symboles de la mode et références à la culture populaire. Les éléments visuels tels que le logo « LIFE », les marques Chanel et Hermès, ou encore les mots « SEX » et « Miss my drug », créent un dialogue entre sophistication, rébellion et désir. L’artiste juxtapose les codes du pop art et du street art pour donner naissance à une scène urbaine électrique, où chaque détail participe à l’énergie globale de l’œuvre. Réalisée sur support aluminium, la pièce combine montage photo et impression haute définition, sublimée par l’application délicate de feuille d’or, qui apporte éclat et profondeur à l’ensemble. Un vernis de qualité automobile est ensuite appliqué, offrant une brillance remarquable et une protection durable, tout en accentuant l’intensité des couleurs et des contrastes. Boffa capture ici la dualité de Jane Birkin — entre élégance chic et esprit libre — dans une esthétique brute, contemporaine et intensément expressive.  

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Dans cette œuvre explosive, Bruno Boffa rend hommage à l’icône du rock Mick Jagger à travers une composition mêlant pop art et street art. Le portrait en noir et blanc de la légende des Rolling Stones s’inscrit au cœur d’un univers graphique vibrant, où se mêlent graffitis, éclaboussures de peinture, typographies percutantes et références à la culture populaire. Les inscriptions « Paris », « Berlin », « London », « Tokyo » ou encore « Rock Me » évoquent l’énergie universelle et intemporelle du rock’n’roll. Réalisée sur support aluminium, l’œuvre combine montage photo et impression haute définition, rehaussée par l’application minutieuse de feuille d’or, qui apporte profondeur et éclat à la composition. Un vernis de qualité automobile est ensuite appliqué, offrant une brillance exceptionnelle et une protection durable, tout en sublimant les couleurs intenses et les contrastes du visuel. Boffa capture ici l’essence rebelle et magnétique du rock à travers une esthétique brute, libre et intensément expressive.  

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Avec cette édition spéciale, Medicom Toy revisite le monde coloré et tendre des Care Bears à travers l’un de ses personnages les plus iconiques : Cheer Bear (Bisounours). Reconnaissable à sa fourrure rose et à son ventre orné d’un arc-en-ciel, Cheer Bear incarne la joie, l’amitié et l’optimisme. Cette version Costume Edition se distingue par son revêtement en fausse fourrure, qui transforme la silhouette culte du Bearbrick en véritable peluche. Doux au toucher et fidèle au design original du personnage, ce Bearbrick combine l’univers pop des jouets de collection avec la nostalgie réconfortante des années 80. En format 400%, ce Bearbrick devient une pièce unique et attachante, idéale pour les collectionneurs de Bearbricks, les amateurs de pop culture et tous ceux qui souhaitent ajouter une touche de bonne humeur à leur collection.

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Cette édition spéciale rend hommage à l’une des œuvres les plus emblématiques de Banksy, artiste mystérieux et figure incontournable du street art contemporain. Le Love Rat, apparu pour la première fois dans les rues de Londres, est devenu au fil du temps l’un de ses symboles les plus reconnaissables : un rat noir tenant un pinceau dégoulinant de rouge, dessinant un cœur. Imprimé en all-over sur la silhouette culte du Bearbrick, ce motif allie la simplicité graphique de Banksy et la force de son message, mêlant provocation, poésie et critique sociale. Le fond imitant des lignes de cahier apporte une touche urbaine et brute, renforçant l’identité street art de la pièce. Proposé en set 400% et 100%, ce Bearbrick se présente comme une véritable œuvre d’art à collectionner, idéale pour les amateurs de street culture, d’art contemporain et de l’univers provocateur de Banksy.

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Cette édition unique réunit deux icônes de l’art contemporain : Andy Warhol et Jean-Michel Basquiat. Inspiré de leurs œuvres collaboratives et de leur dialogue artistique dans le New York des années 1980, ce Bearbrick transpose leur énergie créative sur la silhouette culte du jouet-objet. Le design reprend des éléments emblématiques des deux artistes : le graphisme brut et instinctif de Basquiat, mêlant visages, mots et symboles, fusionne avec les références pop et commerciales de Warhol, notamment ses chiffres et typographies colorées. Le résultat est une pièce explosive, où se rencontrent deux univers qui ont redéfini les frontières entre art majeur et culture populaire. En format 400%, ce Bearbrick devient une véritable œuvre d’art à collectionner, célébrant la puissance et l’avant-garde de deux figures incontournables de l’histoire de l’art contemporain.

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Cette édition spéciale du Bearbrick a été réalisée en collaboration avec atmos, le célèbre label japonais de streetwear et de sneakers. Véritable hommage à Tokyo, la figurine reprend le design iconique du plan du métro tokyoïte et New-Yorkais, symbole de la vie urbaine trépidante de la capitale japonaise. Le motif intégral de la carte, appliqué sur le corps du Bearbrick, transforme cette silhouette culte en une œuvre graphique où design et culture métropolitaine se rencontrent. Le logo atmos s’affiche fièrement sur la poitrine, renforçant le lien entre la street culture et l’esthétique contemporaine du jouet-objet. Proposé en set 400% et 100%, ce Bearbrick s’impose comme une pièce incontournable pour les collectionneurs et les passionnés de design, de mode urbaine et de culture tokyoïte.

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Ce Bearbrick en édition 400% est signé par Tristan Eaton, artiste américain reconnu pour ses fresques monumentales et son style unique mêlant pop art, culture urbaine et collage visuel. Sur cette figurine, Eaton déploie son univers explosif : une mosaïque de visages, de typographies rétro et de références graphiques issues de la culture populaire et du cinéma. Le design riche en couleurs et en contrastes incarne parfaitement la démarche de l’artiste, qui joue avec les couches d’images et de symboles pour créer des compositions dynamiques et captivantes. L’association entre le support iconique du Bearbrick et l’esthétique vibrante de Tristan Eaton donne naissance à une pièce de collection incontournable, au carrefour de l’art contemporain, du design et du street art. Un objet d’art unique, idéal pour les passionnés de pop culture et les collectionneurs exigeants.

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Ce Bearbrick rend hommage au grand maître japonais de l’estampe ukiyo-e, Utagawa Kuniyoshi (1798-1861), célèbre pour ses représentations spectaculaires de guerriers, de créatures mythologiques et de scènes surnaturelles. Sur cette figurine iconique, on retrouve un collage d’œuvres emblématiques de Kuniyoshi, notamment ses célèbres squelettes et spectres, illustrant la puissance dramatique et l’énergie graphique qui caractérisent son art. L’association entre le design moderne et minimaliste du Bearbrick et l’intensité visuelle des estampes traditionnelles crée un objet de collection unique, à la croisée de la culture pop et de l’art classique japonais. Disponible en set 400% et 100%, ce Bearbrick devient une véritable pièce d’art contemporain, idéale pour les amateurs de design, de street culture et d’estampe japonaise.

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Le Bearbrick Keith Haring V8, édité par MediCom Toy, célèbre l’univers graphique unique de l’artiste new-yorkais Keith Haring, figure emblématique du street art des années 1980. Sur la silhouette iconique du Bearbrick, on retrouve les motifs noirs et rouges caractéristiques de Haring : silhouettes dansantes, lignes vibrantes et petits cœurs rouges, exprimant à la fois énergie, mouvement et humanité. Ce set réunit les deux formats classiques, 400% et 100%, permettant d’apprécier les détails du design autant en version compacte qu’en pièce décorative de taille intermédiaire. La finition blanche, sur laquelle se déploient les figures stylisées de Haring, évoque ses fresques murales et ses dessins réalisés à la craie dans le métro new-yorkais. À la croisée de l’art urbain et du design contemporain, ce Bearbrick incarne la volonté de MediCom Toy de transformer la figurine en support d’expression artistique et rend hommage à l’esthétique universelle, joyeuse et engagée de Keith Haring.

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Le Bearbrick Banksy Riot Cop, édité par MediCom Toy, rend hommage à l’univers subversif et provocateur de l’artiste britannique Banksy. Inspiré de l’une de ses œuvres les plus emblématiques, cette figurine reprend le motif du policier anti-émeute portant un casque de protection, dont le visage est remplacé par un smiley jaune iconique, symbole d’ironie et de critique sociale. Sur la surface de la figurine, on retrouve un graphisme texturé, mêlant nuances sombres, effets de graffiti et superpositions de motifs, qui rappellent l’esthétique du street art urbain. Cette déclinaison existe en plusieurs tailles (ici visibles en 400% et 100%), permettant aux collectionneurs d’apprécier les détails aussi bien en version monumentale qu’en format miniature. À la croisée de l’art contemporain, du design et de la contre-culture, le Bearbrick Banksy Riot Cop illustre parfaitement la démarche de Banksy : détourner les symboles du pouvoir et de l’autorité pour leur opposer un message critique et accessible au plus grand nombre.

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Le Bearbrick Marilyn 25 – Andy Warhol 100% & 400% est une édition exclusive rendant hommage à l’une des œuvres les plus célèbres du maître du pop art, le portrait de Marilyn Monroe réalisé en 1967. Ce coffret réunit deux figurines, un modèle 100% de 7 cm et un modèle 400% de 28 cm, entièrement recouverts du motif iconique de Warhol dans une explosion de couleurs vives mêlant rose, jaune, bleu et noir. La signature de l’artiste vient compléter ce design vibrant, transformant l’objet en véritable pièce de collection. Entre l’aura intemporelle de Marilyn Monroe, le style unique d’Andy Warhol et l’univers créatif de Medicom Toy, ce Bearbrick s’impose comme un incontournable pour les amateurs d’art contemporain et de design.

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Avec Abstrakt schwarz weiss XXL, Stéfanie Raus propose une immersion dans un univers où rythme, mouvement et énergie picturale s’entrelacent. La toile, monumentale, se déploie dans un contraste radical entre noir profond et tracés blancs dynamiques. Ces lignes, tour à tour courbes, boucles et arabesques, recouvrent la surface comme une écriture spontanée, une calligraphie abstraite qui échappe à toute lecture rationnelle. Le fond noir agit comme un champ d’intensité sur lequel se détachent ces gestes répétés, créant un effet de vibration visuelle. L’alternance entre densité et respiration, entre superpositions et espaces laissés libres, confère à l’ensemble une musicalité presque hypnotique. Cette œuvre s’inscrit dans la recherche constante de Stefanie Raus : faire de l’abstraction un langage sensoriel et immédiat, où le spectateur est invité à projeter son propre imaginaire et à se laisser emporter par la force du geste.

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Dans cette œuvre, Stéfanie Raus explore la radicalité du contraste et la puissance du geste pictural. Une large forme noire, dense et mouvante, occupe presque tout l’espace de la toile, créant une tension immédiate entre plénitude et vide. Le fond clair, laissé apparent par fragments, agit comme un contrepoint lumineux qui souligne la profondeur de la masse sombre. Les contours irréguliers et les ouvertures blanches au cœur de la composition suggèrent un mouvement organique, presque calligraphique, où le noir se déploie comme une énergie brute. Les éclaboussures et traces périphériques rappellent l’instantanéité de l’acte créatif, où la spontanéité du geste s’impose sur toute recherche de perfection formelle. Par sa force minimaliste et son intensité visuelle, cette toile acrylique incarne la démarche de Stefanie Raus : une peinture de l’essentiel, qui interroge la matière, l’espace et le regard, en oscillant entre chaos et équilibre.

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Dans cette œuvre, Stéfanie Raus déploie un langage visuel minimaliste et gestuel où la fluidité des lignes dialogue avec la rigueur de la composition. Sur un fond brun chaleureux et mat, des tracés blancs épais, souples et continus s’entrelacent pour former un réseau labyrinthique. L’artiste explore ici la tension entre contrôle et spontanéité : chaque ligne semble à la fois calculée et libre, évoquant un mouvement perpétuel. Les éclaboussures de peinture, laissées volontairement visibles, renforcent la dimension organique de la toile et rappellent le geste de l’artiste dans l’instant de création. Cette combinaison entre rigueur géométrique et vitalité du geste confère à l’œuvre une présence à la fois graphique et méditative. Cette toile acrylique illustre parfaitement la démarche de Stefanie Raus, où l’abstraction devient terrain d’expérimentation sensorielle et émotionnelle, invitant le spectateur à se perdre dans les méandres des lignes et à retrouver son propre rythme intérieur.

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Dans cette composition, Eric Lespinasse poursuit son exploration de l’équilibre fragile entre réalisme et matière brute. Le portrait féminin, d’une grande intensité poétique, se détache avec délicatesse sur un fond texturé qui semble fissuré, comme marqué par le temps. Le visage, aux traits d’une précision saisissante, exprime une intériorité profonde, accentuée par les yeux clos et la sérénité du geste. Les aplats de peinture, épais et fragmentés, révèlent une texture presque minérale, conférant à l’ensemble une dimension sculpturale. Les teintes chaudes d’ocre, d’orange et de chair se mêlent aux nuances froides de bleu et de vert, créant un contraste vibrant qui magnifie la lumière et souligne la sensualité du corps. Cette giclée sur toile grand format (100 cm de large par 150 cm de haut) illustre parfaitement la démarche d’Éric Lespinasse, où l’émotion humaine rencontre la force expressive de la matière, entre fragilité et intensité.

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Cette œuvre d’Eric Lespinasse illustre avec puissance sa maîtrise du mélange entre hyperréalisme et matière picturale. Le portrait féminin, saisi dans une attitude d’abandon et de douceur, est rendu avec une précision quasi photographique qui contraste avec l’abstraction texturée de l’arrière-plan. La peau, délicatement modelée, se fond par endroits dans des touches épaisses de couleur, comme si la chair dialoguait directement avec la peinture. Les aplats vibrants – mauves, verts, orangés et bleus – appliqués en larges gestes au couteau viennent fragmenter la composition et confèrent à l’ensemble une intensité expressive. L’artiste joue ici sur la frontière entre figuration et abstraction, soulignant la sensualité du sujet tout en rappelant la matérialité brute de la peinture. Cette giclée sur toile de grand format (100 cm de large par 150 cm de haut) traduit parfaitement l’univers singulier d’Éric Lespinasse, où l’émotion humaine s’allie à la force gestuelle de la matière.

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Cette œuvre de Lasveguix s’inscrit dans une esthétique urbaine brute, entre collage, détournement et graffiti. Le fond est constitué de couches successives d’affiches arrachées, de fragments typographiques et d’images publicitaires qui rappellent les murs saturés de la ville, porteurs de mémoires visuelles superposées. Au centre, un visuel en noir et blanc reprend l’iconographie du célèbre jeu vidéo Space Invaders, accompagné du mot « LOST », renforçant l’idée de disparition ou d’errance dans le chaos visuel urbain. Par-dessus, un graffiti en lettres noires épaisses et spontanées annonce « INVADER WAS HERE », clin d’œil direct à l’artiste de rue Invader et à sa pratique du marquage de territoire par ses mosaïques. Un halo bleu en arrière-plan souligne l’inscription, comme pour lui donner une aura particulière, tandis que les couleurs déchirées et les textures des affiches participent à l’effet de palimpseste. L’œuvre interroge la trace, la mémoire et l’éphémérité dans l’espace public : ce qui est collé, recouvert, griffé, puis à nouveau réapproprié. Elle met en tension la culture populaire (jeu vidéo, street art) et la décomposition poétique des murs de la ville.

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Cette toile grand format d’Irina Vladau (150 x 150 cm) se déploie comme une véritable explosion de textures et de couleurs. L’artiste joue avec des nuances de rose poudré, bleu azur, gris profond et blanc lumineux, créant une composition aérienne et organique. Les coups de pinceau amples et les superpositions de matière donnent une impression de mouvement, presque de respiration, comme si la toile captait l’éphémère d’un ciel en mutation ou d’un paysage abstrait en suspension.Quelques touches plus vives – bleu turquoise, rouge carmin ou brun chaleureux – viennent rythmer l’ensemble et attirer le regard vers des zones de densité contrastant avec des espaces plus légers et diffus. À la fois abstraite et poétique, cette œuvre invite à la contemplation et à l’introspection. L’équilibre entre spontanéité et subtilité des nuances reflète la recherche d’Irina Vladau : transformer l’émotion brute en harmonie picturale.

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