Les Peintures & Tableaux Pop Art

Sweet est une œuvre vibrante et instinctive dans laquelle Jo Di Bona déploie toute l’énergie de son langage Street Pop Art. La composition, foisonnante et rythmée, se construit autour d’un entrelacement de lignes blanches dynamiques, de coulures noires et de projections colorées qui traversent la surface comme une pulsation visuelle. Les couleurs acidulées — roses, verts, oranges et bleus — s’entrechoquent et se superposent dans un jeu de transparences et de textures. Des fragments graphiques, typographies et signes peints émergent puis disparaissent sous les couches de matière, évoquant l’esthétique urbaine du collage et de l’affichage lacéré. Le mot Sweet, inscrit avec spontanéité, agit comme une respiration au cœur du chaos visuel. L’œuvre oscille entre abstraction et écriture urbaine. Elle traduit une émotion brute, presque musicale, où le geste libre et la couleur deviennent vecteurs d’énergie positive. Fidèle à l’univers de Jo Di Bona, Sweet mêle spontanéité, rythme et intensité, tout en conservant une dimension joyeuse et résolument contemporaine. À travers cette œuvre, l’artiste célèbre une forme de douceur paradoxale, née du tumulte graphique et de la vitalité de la rue. Sweet invite le regard à se perdre dans ses strates, à suivre les lignes et les éclats, pour mieux ressentir la force expressive d’un art urbain libre et instinctif.

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King Of Pop de Jo Di Bona est un hommage vibrant et iconique à Michael Jackson, figure universelle de la musique et de la culture populaire. À travers son langage visuel caractéristique mêlant collage, peinture et couleurs éclatantes, l’artiste réinterprète le visage du chanteur comme une icône contemporaine, à la fois intime et collective. Le portrait, structuré par de forts contrastes en noir et blanc, est dynamisé par une profusion de fragments colorés issus d’affiches, de typographies et de motifs graphiques. Ces éléments, partiellement visibles sous les aplats de peinture, évoquent la construction médiatique de la star, son omniprésence dans l’imaginaire collectif et la multiplicité des récits qui l’entourent. Le sourire lumineux de Michael Jackson occupe le centre de la composition et agit comme un point d’ancrage émotionnel. Il incarne à la fois la joie, l’énergie créative et la dimension intemporelle de l’artiste, tandis que les couleurs vives et les rythmes visuels traduisent le mouvement, la musique et la scène. Fidèle à l’esthétique Street Pop Art de Jo Di Bona, King Of Pop fait dialoguer l’héritage du street art avec la mythologie de la pop culture. L’œuvre dépasse le simple portrait pour devenir une célébration de l’icône, de son influence mondiale et de sa capacité à traverser les générations. À la fois puissante, positive et résolument contemporaine, King Of Pop transforme une légende de la musique en une image pop, urbaine et universelle, emblématique du travail de Jo Di Bona.

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Urban Wall de Lasveguix est une œuvre emblématique qui capte l’essence brute et authentique de la rue, en s’inspirant directement des murs urbains marqués par le temps, les interventions successives et les couches de mémoire collective. La surface de l’œuvre évoque un fragment de ville arraché à son contexte, où se superposent affiches déchirées, traces de peinture, graffiti et signes spontanés. Les textures usées, presque érodées, dialoguent avec des couleurs vives et contrastées — jaunes éclatants, roses acides, bleus profonds et noirs charbonneux — créant une tension visuelle entre dégradation et vitalité. Les inscriptions et symboles, partiellement lisibles, laissent apparaître des mots, des cœurs ou des signes universels, comme autant de messages fragmentés laissés par des anonymes. Le geste de Lasveguix est instinctif et maîtrisé à la fois. Par le collage, l’arrachage et la peinture, l’artiste construit un palimpseste urbain où chaque couche raconte une histoire différente. L’œuvre devient ainsi un témoignage vivant de l’espace public, de son énergie chaotique et de son pouvoir d’expression libre. Avec Urban Wall, Lasveguix ne cherche pas à représenter la ville, mais à en restituer la peau, ses cicatrices et sa poésie brute. L’œuvre invite le regard à circuler, à déchiffrer les strates et à ressentir l’intensité d’un art né dans la rue, profondément ancré dans le réel et résolument contemporain.

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Urban Wall Basquiat est une œuvre collaborative puissante signée par Jérôme Mesnager et Lasveguix, qui rend hommage à l’héritage de Jean-Michel Basquiat tout en affirmant une écriture profondément ancrée dans l’esthétique urbaine contemporaine. La composition évoque un mur de ville marqué par le temps, les affiches arrachées et les strates successives d’interventions visuelles. Les fragments d’affiches aux teintes jaunes, roses et noires, partiellement lacérées, dialoguent avec des aplats sombres, des tags et des éclats de couleur, créant une surface dense, vibrante et chaotique, fidèle à l’énergie brute de la rue. Au cœur de l’œuvre apparaît le célèbre corps blanc de Jérôme Mesnager, figure emblématique du street art, saisi dans un mouvement ascendant et expressif. Ce personnage lumineux contraste avec la violence visuelle du fond et incarne une forme d’élan, de résistance et de liberté, comme une présence humaine cherchant à émerger du tumulte urbain. L’intervention de Lasveguix renforce la dimension graphique et texturale de l’ensemble, par un travail de collage, de déchirure et de superposition qui fait écho à l’esthétique radicale de Basquiat : une peinture instinctive, politique et profondément vivante. L’œuvre joue ainsi sur la mémoire collective du street art, entre hommage, réinterprétation et réappropriation contemporaine. Urban Wall Basquiat se présente comme un palimpseste urbain, où se croisent l’histoire du graffiti, la mythologie de l’art moderne et la réalité brute de la rue. Une œuvre engagée, vibrante et résolument actuelle, qui célèbre la puissance expressive de l’art urbain comme langage universel.

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Avec Urban Malabar, Lasveguix détourne les codes de la publicité et de l’imagerie populaire pour en révéler les mécanismes et les excès. La figure centrale, un personnage souriant au style rétro, semble surgir d’un amas d’affiches déchirées et de fragments graphiques. Son expression faussement rassurante, associée au geste du pouce levé, évoque une promesse de bonheur standardisé, immédiatement reconnaissable et pourtant profondément ironique. Le mot « MALABAR », imposant et coloré, s’impose comme un slogan publicitaire arraché à son contexte originel. Autour de lui, les couches de papier lacérées, les éclaboussures de peinture rose et les zones abrasées traduisent la violence visuelle de l’espace urbain et la saturation permanente des messages commerciaux. Le collage devient ici un terrain de confrontation entre séduction graphique et usure du réel. Les contrastes chromatiques — jaunes vifs, noirs profonds, blancs brisés et touches de rose — renforcent l’impact immédiat de l’œuvre, tout en soulignant son caractère critique. Derrière l’esthétique ludique et pop se dessine une réflexion sur la consommation, la répétition des images et la superficialité des discours publicitaires. Avec cette œuvre, Lasveguix inscrit son travail dans une filiation directe avec le street art et le pop art, transformant une icône familière en un symbole ambigu. Malabar agit comme un miroir grinçant de notre société de l’image, où l’enthousiasme affiché masque souvent une réalité plus fragmentée et chaotique.

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Avec Pop Skull, Lasveguix revisite l’iconographie universelle du crâne à travers un langage résolument pop et urbain. Au centre de la composition émerge un crâne stylisé, traité en trame noir et blanc, presque sérigraphié, qui s’impose comme une figure à la fois familière et dérangeante. Son sourire figé oscille entre ironie et provocation, rappelant la frontière ténue entre culture populaire et memento mori contemporain. L’œuvre est construite à partir d’un collage dense d’affiches lacérées, de typographies fragmentées, de logos et de références médiatiques. Les couleurs vives — jaunes saturés, bleus électriques, roses et noirs — créent un contraste saisissant avec la monochromie du crâne, accentuant son impact visuel. Cette superposition chaotique évoque les murs urbains recouverts de publicités, de slogans et de messages éphémères. Les déchirures, couches arrachées et zones abrasées participent pleinement à la narration de l’œuvre. Elles traduisent l’usure du temps, la saturation de l’image et la violence visuelle de notre environnement contemporain. Le crâne, symbole intemporel de la mort, se trouve ainsi confronté à l’excès de signes et de consommation, devenant une icône pop vidée de sa gravité première, mais chargée d’une nouvelle ironie critique. Avec Pop Skull, Lasveguix propose une œuvre percutante, à la croisée du street art et du pop art, où l’esthétique séduisante masque une réflexion plus profonde sur la culture de masse, la répétition des images et la banalisation des symboles. L’œuvre s’impose comme un miroir grinçant de notre époque, à la fois ludique, violente et profondément contemporaine.

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Avec Le Mans, Lasveguix rend hommage à une icône du cinéma et de la culture automobile en fusionnant esthétique street art, collage urbain et mémoire collective. Au centre de la composition apparaît le visage intense de Steve McQueen, figure mythique du film Le Mans (1971), incarnant à la fois la vitesse, la maîtrise et une forme de liberté brute associée à la course automobile. L’œuvre est construite à partir de fragments d’affiches lacérées, de typographies arrachées et de couches visuelles superposées, évoquant les murs de la ville marqués par le temps. Les déchirures, fissures et zones effacées créent une tension entre apparition et disparition, comme un souvenir recomposé à partir de traces. Le numéro de course, les références graphiques et les éléments textuels renforcent l’ancrage historique et symbolique de l’œuvre. Le contraste entre le portrait en noir et blanc et les éclats de couleurs vives – jaunes, bleus, verts et rouges – dynamise la composition et traduit l’énergie de la course, le bruit, la vitesse et l’adrénaline du circuit. Cette opposition chromatique souligne également le dialogue entre passé et présent, icône intemporelle et langage visuel contemporain. À travers Le Mans, Lasveguix ne se contente pas de représenter une figure culte : il la réinscrit dans l’espace urbain, la confronte à l’usure du temps et à la violence visuelle de la rue. L’œuvre devient ainsi un manifeste nostalgique et moderne à la fois, célébrant la légende, la mécanique et l’imaginaire collectif liés à la mythologie de la vitesse.

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Sur ce panneau de signalisation authentique, Lasveguix présente une nouvelle variation autour de l’esthétique urbaine qui fait sa signature. Au centre, une figure féminine inspirée de l’iconographie d’Obey apparaît à travers un collage dense de fragments d’affiches, de typographies éclatées et de couleurs vives. Le bleu profond du portrait contraste avec les strates de papier déchiré qui l’entourent, évoquant le caractère éphémère et vivant des murs de la ville. La texture réfléchissante du panneau, encore visible sous le collage, apporte un jeu de lumière subtil et renforce le contraste entre la rigidité du mobilier urbain et la liberté expressive du street art. Les bordures rouges du panneau encadrent la composition comme un rappel de son origine fonctionnelle, désormais détournée en support artistique. Les couches superposées de papier, parfois usées, parfois éclatantes, donnent à l’ensemble une profondeur presque sculpturale. On y perçoit l’accumulation du temps, les traces de passages, les récits visuels qui se chevauchent pour former un fragment de ville figé dans l’instant. Avec cette œuvre, Lasveguix brouille les frontières entre symbole, matière brute et esthétique urbaine. Il transforme un objet utilitaire en un support chargé de poésie visuelle, où l’icône renaît au cœur du chaos urbain, entre mémoire collective et réinvention artistique.

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Sur ce véritable panneau de signalisation détourné, Lasveguix déploie l’une de ses signatures artistiques : un collage vibrant, saturé de fragments d’affiches, de typographies éclatées et de textures urbaines qui semblent arrachées aux murs de la ville. Au cœur de cette composition surgit la figure de Marianne, inspirée de l’esthétique d’Obey, symbole de liberté et d’engagement citoyen. La silhouette de Marianne apparaît comme une révélation au milieu d’un chaos visuel maîtrisé. Les couches déchirées, les couleurs vives et les superpositions de papier créent un effet de profondeur qui évoque l’érosion naturelle des murs urbains, où les affiches se succèdent, se recouvrent et finissent par raconter une histoire collective. Le fond réfléchissant du panneau, partiellement visible sous les interventions artistiques, introduit un contraste fort entre la rigidité du code routier et l’énergie libre du street art. Les éclaboussures de peinture rose, les graffitis et la signature de l’artiste renforcent l’impression d’un objet arraché à l’espace public puis transformé en œuvre unique. Avec cette pièce, Lasveguix joue sur les frontières : celles entre symbole républicain et culture pop, entre espace réglementé et expression personnelle, entre effacement et révélation. L’œuvre devient un fragment de ville, figé dans le temps, où Marianne renaît au cœur du chaos urbain.

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Dans cette œuvre singulière, Lasveguix détourne un véritable panneau de signalisation pour en faire un support artistique chargé de sens et de contrastes. Au cœur du panneau, un collage fragmenté laisse apparaître une image iconique de Charlot, le personnage légendaire incarné par Charlie Chaplin, assis avec un petit chien. Cette figure emblématique du cinéma muet surgit à travers des strates d’affiches déchirées, de typographies partiellement lisibles et de motifs urbains qui se chevauchent. Le fond réfléchissant du panneau, encore visible par endroits, crée un dialogue saisissant entre l’univers réglementé de la signalisation routière et l’énergie brute du street art. Les bords noircis, les griffures, ainsi que les tags ajoutés par l'artiste renforcent l’impression d’un objet arraché à la rue pour être réinventé. La superposition de textures — papier arraché, traces de colle, usure naturelle et interventions picturales — confère à l’ensemble une dimension quasi archéologique. Comme un fragment du paysage urbain figé dans le temps, le panneau raconte l’histoire de la rue tout en rendant hommage à Chaplin, symbole intemporel d’humanité, de poésie et de mélancolie. En utilisant un support aussi codifié et chargé de fonction que le panneau de signalisation, Lasveguix brouille les frontières entre art, mobilier urbain et détournement poétique. L’œuvre devient alors un objet hybride, à la fois familier et subversif, où tradition iconique et chaos urbain se rencontrent pour former une pièce à l’esthétique puissante et mémorielle.

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Cette œuvre de Lasveguix revisite avec audace l’iconique Vache qui Rit, figure familière de la culture populaire française, en l’inscrivant dans un univers urbain vibrant. Au centre de la composition, la célèbre vache rouge souriante apparaît en grand format, entourée d’affiches lacérées, de textures brutes, de fragments typographiques et de tags qui composent un mur vivant, typique du style street art de l’artiste. Le slogan « Vachement Bon » surgit dans la partie supérieure, tandis que le bas du visuel laisse apparaître, partiellement dissimulée sous les déchirures d’affiches, l'inscription « La Vache qui Rit ». Ce jeu de superpositions crée une tension visuelle entre le message publicitaire d’origine et son réinterprétation contemporaine. En mêlant nostalgie d’une icône publicitaire, énergie des rues et chaos poétique du collage, Lasveguix détourne un symbole du quotidien pour le transformer en objet d’art. L’œuvre joue sur les contrastes : entre propreté graphique et usure urbaine, entre image lisse et textures éclatées, entre mémoire collective et réappropriation artistique. Par cette composition dynamique et expressive, Lasveguix inscrit La Vache qui Rit au cœur de son univers : un espace où la pop culture, la rue et la création se rencontrent et se réinventent.

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Cette œuvre de Lasveguix s’inscrit dans une esthétique urbaine brute, entre collage, détournement et graffiti. Le fond est constitué de couches successives d’affiches arrachées, de fragments typographiques et d’images publicitaires qui rappellent les murs saturés de la ville, porteurs de mémoires visuelles superposées. Au centre, un visuel en noir et blanc reprend l’iconographie du célèbre jeu vidéo Space Invaders, accompagné du mot « LOST », renforçant l’idée de disparition ou d’errance dans le chaos visuel urbain. Par-dessus, un graffiti en lettres noires épaisses et spontanées annonce « INVADER WAS HERE », clin d’œil direct à l’artiste de rue Invader et à sa pratique du marquage de territoire par ses mosaïques. Un halo bleu en arrière-plan souligne l’inscription, comme pour lui donner une aura particulière, tandis que les couleurs déchirées et les textures des affiches participent à l’effet de palimpseste. L’œuvre interroge la trace, la mémoire et l’éphémérité dans l’espace public : ce qui est collé, recouvert, griffé, puis à nouveau réapproprié. Elle met en tension la culture populaire (jeu vidéo, street art) et la décomposition poétique des murs de la ville.

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Cette œuvre naît de la rencontre de deux univers complémentaires.En arrière-plan, Lasveguix compose une fresque urbaine vibrante : affiches déchirées, fragments de typographies, héros de la pop culture et matières arrachées forment une mosaïque brute, comme les murs d’une ville saturés de mémoire collective et d’imaginaires populaires. Parmi ces strates, on devine la figure mythique de Goldorak, icône intergénérationnelle, surgissant tel un totem héroïque au milieu du chaos. Sur la vitre qui protège le collage, Wawapod intervient avec son langage visuel caractéristique : une grille de points colorés, quasi pixelisée, qui agit comme un filtre optique et une relecture contemporaine. Ce voile graphique transforme la perception de l’œuvre, la brouille et la révèle à la fois, en rappelant aussi bien les codes du numérique que ceux de la sérigraphie. En combinant leurs gestes, les deux artistes offrent une double lecture : la mémoire nostalgique et urbaine de Lasveguix dialogue avec l’abstraction pop et rythmée de Wawapod. L’ensemble devient une œuvre hybride, à la fois hommage à l’enfance et exploration esthétique du regard contemporain.

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Au cœur de cette composition foisonnante, la Joconde s’impose, revisitée avec l’audace contemporaine propre à Wawapod. Réinterprétée en une constellation de points blancs sur fond noir, elle flotte au centre de la toile telle une apparition pixelisée, à la fois reconnaissable et abstraite. Son regard, énigmatique comme toujours, se glisse dans le tumulte visuel orchestré par Lasveguix, dont les collages colorés et saturés évoquent l’énergie brute des murs de la ville. Autour de Mona Lisa, des fragments de culture populaire se télescopent : une fillette soufflant une bulle de chewing-gum, des icônes féminines issues de magazines vintage, des typographies arrachées à la rue, des figures du hip-hop et des éclats de comics. Ce chaos urbain, soigneusement composé, fait ressortir avec puissance la sérénité du visage central. Le sticker “Hello, my name is Amour Toujours”, leitmotiv de Wawapod, ponctue l’œuvre comme une déclaration de tendresse adressée à l’icône de Léonard de Vinci — et, à travers elle, à l’histoire de l’art tout entière. Ici, la Joconde n’est plus figée dans un musée : elle vit, respire, évolue dans un monde de couleurs, de bruit, de messages contradictoires. Elle devient une figure de résistance douce au sein de notre époque saturée d’images.

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Dans cette œuvre éclatante, Willis revisite le mythe antique de Cupidon, dieu de l’amour, en le propulsant dans une esthétique résolument contemporaine. L’enfant ailé, arc tendu, s’apprête à tirer une flèche d’amour — symbole universel du désir, de la passion et de la vulnérabilité humaine. Sur un fond jaune vibrant, éclaboussé de projections blanches dynamiques, la silhouette de Cupidon se détache avec force. Les ailes vertes, détaillées et organiques, contrastent avec le traitement graphique en noir et blanc du corps, offrant un jeu de textures et de matières. La posture en suspension, presque chorégraphique, fige le mouvement en plein vol, renforçant l’intensité dramatique du geste. L’utilisation conjointe du pochoir, de la peinture acrylique et de la bombe aérosol témoigne de la signature de l’artiste : un style urbain assumé, à la croisée de l’art classique et du street art. Le « W » noir apposé dans le coin inférieur droit affirme l’identité de l’œuvre. Avec The FLIGHT of LOVE, Willis propose une relecture audacieuse de la figure mythologique, mêlant amour, tension et énergie urbaine dans un tableau aussi pop que poétique.

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Dans cette œuvre percutante, Willis, Street Artist, explore le thème de la dualité de l’être à travers un visage scindé en deux moitiés contrastées. D’un côté, le personnage arbore un rictus de clown inquiétant, renvoyant à une figure chaotique et théâtrale ; de l’autre, un visage plus sombre, plus réaliste, exprimant une tension intérieure. Cette fusion évoque clairement le Joker de l’univers Batman, et plus particulièrement l’interprétation intense et tourmentée de Joaquin Phoenix dans le film Joker (2019), où le personnage oscille entre marginalisation sociale, souffrance psychologique et explosion de violence. Le fond texturé en nuances de gris et de noir, traité avec un effet marbré, accentue la violence latente de la composition et met en valeur le contraste saisissant du portrait central. L’artiste joue habilement avec le clair-obscur, utilisant le pochoir comme outil d’impact visuel et symbolique. En bas à droite, l’empreinte "W" signée au pochoir confirme l’identité de l'artiste tout en rappelant l'univers urbain de ses créations. Avec Dualité, Willis questionne les limites entre le personnage et la personne, entre apparence et vérité, dans une société où les masques sont omniprésents.

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Dans cette œuvre vibrante et poétique, Jean-Philippe Ghiglione, reconnu pour sa maîtrise du coquelicot en peinture, capture toute la fragilité et la puissance de cette fleur emblématique. Réalisée à l’huile au couteau, cette composition de 100 cm par 100 cm magnifie les formes et les textures grâce à une gestuelle énergique et maîtrisée. Le rouge intense des pétales contraste avec la blancheur du fond, mettant en valeur la délicatesse des courbes et la vitalité de la fleur. Les tiges élancées, légèrement dorées, évoquent un mouvement fluide, presque dansant, tandis que les bourgeons en devenir ajoutent une touche de narration : celle du cycle de la vie. L’œuvre témoigne du style caractéristique de Ghiglione : une peinture expressive, à la frontière entre abstraction et figuration, où le coquelicot devient symbole de liberté, de beauté éphémère et de nature sublimée.

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"Seidenschals" de Ronan Martin est une œuvre puissante qui explore la tension entre la légèreté du mouvement et la profondeur de la matière. Sur un fond noir dense et lumineux, l’artiste rend un hommage explicite à Pierre Soulages, en travaillant la surface avec un soin particulier apporté au pigment noir et au glaçage, conférant à l’arrière-plan une texture vibrante et presque vivante. Ce noir n’est pas absence, mais présence : il capte, reflète, révèle. Au cœur de cette obscurité texturée, deux volutes de couleurs surgissent, telles des écharpes de soie suspendues dans l’espace — d’où le titre, Seidenschals. Le geste pictural, fluide mais maîtrisé, fait éclore des rouges, des jaunes, des bleus, des verts, dans une matière épaisse, presque sculptée. Ces filaments colorés se rejoignent au centre dans un point de tension fragile, comme un instant de grâce figé entre deux forces. Cette œuvre dialogue entre ombre et lumière, matière et mouvement, abstraction et émotion. Elle incarne une recherche de contraste et d’équilibre, où le noir devient un champ d’expression et non un vide, et où la couleur devient souffle.

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Cette œuvre de Jean-Philippe Ghiglione est une peinture dynamique et expressive représentant une cavalcade de chevaux en mouvement. Réalisée à l’huile avec un couteau à palette, elle se distingue par son style gestuel et semi-abstrait. Les chevaux, rendus par des touches énergiques de bruns, noirs, blancs, et jaunes, semblent surgir de la toile, emportés par un élan puissant et spontané. Le fond blanc accentue l’effet de vitesse et de liberté, donnant l’impression que les animaux galopent dans une lumière éclatante, presque irréelle. La matière est travaillée avec vigueur, évoquant à la fois la force musculaire des chevaux et le vent qui les entoure. Les contours sont volontairement flous, traduisant l’intensité du mouvement plus que la précision des formes. La signature en bas à gauche — reconnaissable entre autres par son trait libre — confirme l’authenticité du style Ghiglione, qui explore ici, comme souvent, les thèmes de la nature sauvage et de la vitalité animale.

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