Les Peintures & Tableaux Pop Art

Cette œuvre d'art réalisée avec de la peinture acrylique sur toile de l'artiste de pop art EGHNĀ met en scène le personnage de Snoopy dans un style vibrant et dynamique. L'arrière-plan se compose de teintes de rouge, blanc, et rose, formant une texture abstraite et énergique. Snoopy est représenté avec un large sourire et un cœur rouge proéminent entouré de motifs de cœurs plus petits et de différents textes manuscrits tels que "LOVE SONG" et "POP LOVE". Les coups de pinceau semblent délibérément expressifs, donnant une sensation d'énergie et de spontanéité. Des éléments comme des lignes, des dessins griffonnés et des phrases inscrites renforcent l'aspect joyeux et chargé d'émotion de la pièce.

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L'œuvre "Campbells Spray Fuck The Police" de Mikko est une pièce percutante qui évoque l'esprit de la contestation et de la provocation. Dans un style très proche de celui de Banksy, Mikko juxtapose l'innocence et la rébellion en mettant en scène un policier, un enfant et une canette de soupe Campbell, icône de la culture pop. Le policier, symbole de l'autorité, se tient à côté d'un enfant dont l'insouciance contraste avec l'acte de défi représenté par le nom de l'oeuvre "Fuck The Police". Le fond bariolé, un tourbillon de couleurs vives et chaotiques, est une explosion visuelle de techniques mixtes. Utilisant de la peinture acrylique, des masques, des feutres, de l'aérosol, des crayons et la technique de giclée, Mikko crée une texture riche et dynamique qui ajoute une profondeur à la scène, tout en renforçant l'intensité du message. L'ironie de la célèbre canette de soupe Campbell, symbole de la culture de masse et de la société de consommation, vient souligner la critique implicite des institutions. Cette œuvre, à la fois provocante et esthétiquement frappante, s'inscrit dans une tradition d'art engagé, où chaque élément visuel participe à la narration d'un message de résistance sociale.

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"Lion Face On Graffiti Background" de Mikko est une œuvre puissante et captivante qui mêle diverses techniques et matériaux pour créer un portrait vibrant d'un lion. Le visage du lion, dessiné avec des tracés noirs affirmés, se dresse majestueusement au centre de l'œuvre, symbolisant à la fois la force et la noblesse. Le fond, éclatant et bariolé, est une explosion de couleurs réalisées à l’aide de peinture acrylique, aérosol, et giclée, capturant l’énergie brute du graffiti. Des masques, des feutres et des crayons viennent enrichir la composition, apportant des détails dynamiques qui contrastent avec la silhouette imposante du lion. Cette juxtaposition entre le réalisme du visage et l’abstraction colorée du fond crée une tension visuelle saisissante, où la douceur et la puissance se rencontrent. L'œuvre de Mikko, à la fois urbaine et sauvage, incarne l’esprit de la rue tout en rendant hommage à la majesté du roi des animaux. Une pièce unique qui s'inscrit dans l’univers du street art contemporain, combinant technique et spontanéité.

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Cette œuvre représente une femme fragmentée en formes géométriques et planes, rappelant le style caractéristique de Picasso. EGHNĀ  utilise des couleurs vives et saturées, typiques du pop art, telles que le rose éclatant, le jaune vif, le bleu électrique et le rouge audacieux, pour créer un contraste saisissant entre les différentes parties du visage et du corps de la femme. Le visage est décomposé en plusieurs perspectives simultanées, avec des yeux asymétriques, un nez de profil et une bouche vue de face, créant un effet de distorsion dynamique. Le fond de la toile est un motif répétitif de formes abstraites aux couleurs fluorescentes, soulignant l’influence du pop art dans l’œuvre. EGHNA joue avec les textures de l'acrylique, ajoutant de la profondeur à certaines zones tout en laissant d'autres plus lisses, pour un effet visuel à la fois éclatant et énigmatique. L'œuvre capte l'essence de la féminité tout en la réinterprétant à travers un prisme moderne, invitant à une réflexion sur la complexité de l’identité et de l’image dans une société de consommation. Ce mélange audacieux de cubisme et de pop art crée une tension visuelle et symbolique, faisant écho aux thèmes de la fragmentation de l'identité et de la multiplicité des points de vue.

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Christoph Prein présente une œuvre abstraite en noir et blanc, réalisée à la main sur une toile de 150 x 120 cm, montée sur un châssis de 2 à 4 cm d'épaisseur. Chaque pièce est un original unique, signé au dos par l'artiste et daté de l'année de création. Les peintures acryliques utilisées sont de haute qualité, résistantes à la lumière, et ont été appliquées sur une toile de galerie soigneusement apprêtée en plusieurs couches blanches. Un vernis de protection a également été appliqué pour garantir la durabilité de l'œuvre et préserver son éclat au fil du temps.

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L’œuvre de Joaquim Falco représentant la ville de New York de nuit capture l’énergie vibrante et la majesté de ses gratte-ciels illuminés. Réalisée à la fois en composition digitale et à l'acrylique sur toile, elle combine des textures modernes et des éléments plus classiques. La toile présente un panorama nocturne où les silhouettes des bâtiments emblématiques, comme l’Empire State Building et le Chrysler Building, s’élèvent sous un ciel étoilé, contrastant avec les lumières éclatantes qui semblent jaillir des fenêtres et des rues de la ville. Les tons sombres de la nuit sont subtilement contrebalancés par des touches de couleurs vives, notamment des éclats de jaune, d’orange et de bleu, créant un jeu de lumière dynamique qui reflète l'activité constante de la métropole. Les techniques de Falco, mêlant le digital et l’acrylique, confèrent à la scène une profondeur singulière. Les contours des gratte-ciels sont à la fois nets et flous, rappelant la brume qui enveloppe parfois la ville.

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"Suit" de LaNord (Enric Alberti) est une œuvre abstraite captivante mesurant 100 cm de haut sur 81 cm de large. La composition s’organise autour d’une juxtaposition audacieuse de couleurs et de textures. La partie inférieure du tableau est dominée par des tons rouges profonds, presque ardents, évoquant une énergie brute et passionnée. Les couches de rouge semblent s’enchevêtrer, créant des formes indistinctes et dynamiques, comme si une force intérieure tentait de s'exprimer. Au fur et à mesure que le regard monte, les rouges se dissipent et la toile laisse place à des nuances de blanc plus calmes, quasiment éthérées, apportant un contraste frappant, mais harmonieux. La transition entre les deux couleurs est fluide, évoquant un passage entre deux états émotionnels, de la tension à la sérénité. Le blanc, pur et léger, semble évoquer un sentiment d’ouverture et de liberté, en contraste avec l’intensité du rouge en bas. La surface de la toile présente des textures variées, avec des coups de pinceau tantôt francs et puissants, tantôt plus subtils, accentuant la profondeur de l’œuvre. Le titre "Suit" suggère un lien avec une forme de progression ou de continuation, comme une poursuite ou un enchaînement naturel entre les deux zones chromatiques. Dans cette pièce, LaNord nous invite à contempler un jeu d’émotions et d’états contrastés, tout en maintenant une unité visuelle fascinante.

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Cette œuvre de Nicole Lubbers, entièrement blanche, se distingue par son minimalisme saisissant et sa symbolique profonde. Au centre de la composition, la tête sculptée d'une femme émerge, délicatement modelée, exprimant une sérénité silencieuse. Ses traits sont adoucis par la texture lisse du matériau, évoquant la pureté et l’intemporalité. Ce qui rend cette pièce particulièrement intrigante, c'est la transition subtile entre la figure humaine et la nature. Le corps de la femme se fond progressivement en une branche épineuse, comme si son essence se mêlait à celle de la nature. Les épines qui jaillissent de cette branche créent un contraste saisissant avec la douceur de la tête, symbolisant à la fois la fragilité et la résilience, la douleur et la force. L'absence de couleur dans l’œuvre amplifie l'effet de symbiose entre le corps et la nature, tout en suggérant une forme d'universalité, comme si l'œuvre transcendait les époques et les frontières pour parler d'une vérité humaine plus vaste : la cohabitation inévitable entre la douceur et l’adversité.

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Cette œuvre de street art présente une interprétation audacieuse de la célèbre mascotte de "La Vache qui rit". Elle occupe une toile de 105 cm de haut par 85 cm de large. Sur un fond bleu vibrant, caractéristique du style des Freda People, la vache est représentée de manière exubérante et colorée, fidèle à son image emblématique mais avec une touche contemporaine. Les contours sont marqués et les couleurs saturées, contrastant fortement avec le fond, créant un effet visuel dynamique. Les détails ajoutent une profondeur inattendue, donnant vie à cette icône familière dans un contexte urbain moderne. L'ensemble de l'œuvre dégage une énergie positive, invitant le spectateur à revisiter avec humour et nostalgie cette figure populaire de la culture française.

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Le tableau de Jean-Philippe Ghiglione représente un lion majestueux au centre de la composition, capturé dans toute sa splendeur et sa puissance. Le fond blanc met en valeur le sujet principal, créant un contraste saisissant qui attire immédiatement l'œil. Le lion, peint à l'huile sur toile, est rendu dans des teintes fauves, évoquant la chaleur et la sauvagerie de la savane. Les couleurs, vibrantes et intenses, vont du jaune doré au brun terreux. L'application au couteau ajoute une texture riche et une dimension presque sculpturale à la peinture. Les coups de couteau sont visibles, créant des crêtes et des creux dans la matière, ce qui confère au pelage du lion une qualité tactile et vivante. Les lignes sont à la fois nettes et dynamiques, capturant l'énergie contenue de l'animal. Le regard du lion, perçant et chargé d'une gravité royale, semble transpercer le spectateur, ajoutant une profondeur émotionnelle à l'œuvre.

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Sonic & Mario Best Friends est une œuvre pop art unique de l'artiste HÖK , qui capture l'essence vibrante et énergique de deux icônes des jeux vidéo : Sonic et Mario. Réalisée sur une toile carrée de 100 cm par 100 cm, cette œuvre mélange des techniques de peinture acrylique et de peinture aérosol pour créer un effet visuel saisissant. Le fond de la toile est une explosion de couleurs éclatantes, où des motifs géométriques et des éclaboussures dynamiques évoquent l'énergie des années 80, période emblématique pour les jeux vidéo. Sonic, le hérisson bleu, est représenté dans une pose dynamique, prêt à courir à toute vitesse. Mario, avec son célèbre sourire et sa casquette rouge, est placé face à Sonic, créant un contraste saisissant entre les deux personnages emblématiques. Les couleurs vives et saturées de l'œuvre rappellent les écrans rétro des consoles Sega et Nintendo, avec des nuances de bleu électrique, de rouge vif, et des touches de jaune et de vert fluo. Les contours des personnages sont accentués par l'utilisation de la peinture aérosol, donnant un effet de flou et de mouvement qui accentue la sensation de vitesse et d’action. Cette œuvre unique, à la croisée des mondes de Sega et Nintendo, rend hommage à l'impact culturel de ces deux figures légendaires tout en s'inscrivant dans la tradition du pop art avec une touche contemporaine.

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Tableau de Jean-Philippe Ghiglione (peinture à l'huile sur toile appliquée au couteau et feuilles d'or) qui représente une scène vibrante de bal dans le sud de la France, baignée de tons chauds rouges et jaunes. Au centre de la composition, un couple en costume traditionnel danse avec élégance. Leurs mouvements sont capturés avec une fluidité remarquable, les couleurs vives des costumes se fondant harmonieusement avec l'arrière-plan flamboyant. À droite, un joueur d'accordéon, concentré et passionné, anime la scène avec sa musique, ses mains expertes glissant sur l'instrument. La peinture à l'huile, appliquée au couteau, crée une texture riche et dynamique, donnant vie à cette ambiance festive et chaleureuse du sud de la France.

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Cette œuvre de Joaquim Falco représente une scène dynamique et vibrante des célèbres taxis jaunes de New York. Réalisée avec une combinaison de peinture acrylique et de collage numérique, cette pièce capture l'énergie effervescente de la ville qui ne dort jamais. Les taxis, peints avec des teintes vives de jaune, sont superposés avec des éléments de collage numérique qui ajoutent une dimension moderne et avant-gardiste à la composition. Les contours nets des taxis contrastent avec un arrière-plan texturé et abstrait, où des touches de rouge, de bleu et de noir s'entrelacent, évoquant les néons et les lumières de la ville. Le style audacieux de Falco, mêlant techniques traditionnelles et contemporaines, exprime l'essence même de la vie urbaine et de la modernité new-yorkaise.

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  Cette peinture de Jasmin Navoyan est une œuvre captivante qui capture l'essence poétique et mystérieuse d'une plage sous un ciel nocturne. La toile, de format carré (80 cm par 80 cm), déploie un paysage marin baigné par la lumière douce et argentée de la lune. La scène se déroule sur une plage déserte, où deux silhouettes humaines se tiennent assises sur le sable, face à l'immensité de l'océan. Les deux personnages sont représentés de manière suggestive, presque ombreuses, permettant au spectateur d'imaginer leurs pensées et leurs émotions. Leur posture détendue et contemplative évoque une ambiance de tranquillité et de réflexion, invitant à la méditation et à l'introspection. Ils semblent absorbés par le spectacle naturel, symbolisant une connexion profonde entre l'homme et la nature. L'œuvre se distingue par son utilisation délicate des couleurs et des contrastes, avec une palette dominée par les tons de bleu, de noir et de blanc, qui accentue l'atmosphère sereine et mystérieuse de la scène nocturne. Les coups de pinceau de Navoyan sont à la fois précis et fluides, créant une harmonie visuelle qui capte l'œil et l'esprit.

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Mares n°36-XXL est une œuvre abstraite de grand format signée Carolina Bellachi, une artiste réputée pour sa capacité à capturer l'essence de la nature à travers des compositions abstraites et envoûtantes. Cette peinture, mesurant 128 cm de large par 160 cm de haut, nous transporte dans un univers marin onirique et mystique, où les éléments de la mer se transforment en émotions visuelles. L'œuvre se caractérise par une palette de couleurs dominée par des tons bleus profonds, des verts émeraude et des touches de blanc nacré, évoquant les vagues, l'écume et la lumière dansante sur la surface de l'eau. Des nuances de turquoise et de cobalt se mêlent harmonieusement, créant une impression de mouvement constant, semblable à celui des vagues s'écrasant sur le rivage. Les coups de pinceau dynamiques et fluides de Bellachi donnent à l'ensemble une texture riche et tactile, invitant le spectateur à plonger dans l'abstraction et à se perdre dans la contemplation des détails. Les formes organiques et les lignes courbes rappellent les courants marins et les algues flottant gracieusement dans l'océan. Au centre de l'œuvre, des éclats de lumière dorée semblent percer la surface, symbolisant les rayons du soleil qui pénètrent les profondeurs marines et illuminent les mystères cachés sous l'eau. Cette utilisation subtile de la lumière ajoute une dimension éthérée et presque spirituelle à la composition, suggérant une connexion profonde entre la mer et l'infini. Mares n°36-XXL n'est pas seulement une représentation de la mer, mais une invitation à ressentir la sérénité, la puissance et le mystère de l'océan à travers l'abstraction. Chaque regard porté sur cette œuvre révèle de nouveaux détails et nuances, incitant à une méditation contemplative sur la beauté et la complexité du monde naturel.

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"Sigmund 3127" est bien plus qu'une simple œuvre d'art ; c'est une immersion dans l'esprit complexe de Sigmund Freud, brillamment orchestrée par Dr. Hide. Chaque couche de peinture révèle une nouvelle dimension de l'âme humaine, explorant les profondeurs de l'inconscient freudien avec une finesse inégalée. Dr. Hide utilise la technique du couche par couche pour ajouter une dimension tactile et presque sculpturale à sa toile. Chaque coup de pinceau est méticuleusement appliqué, construisant des niveaux de complexité qui se superposent harmonieusement. Le résultat est une œuvre dynamique et en constante évolution, capturant le regard et l'esprit de celui qui l'observe.

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"8 - Mickey" est une œuvre de street art vibrante et audacieuse réalisée par l'artiste contemporain Harleen. Cette peinture de 80 cm de largeur et 100 cm de hauteur capture l'iconique personnage de Mickey Mouse dans un style unique, mêlant des éléments classiques de la culture pop avec des influences modernes et urbaines. Sur un fond dynamique de graffitis colorés et de motifs abstraits, Mickey Mouse se détache en tant que figure centrale. Harleen utilise une palette de couleurs vives et contrastées, combinant des teintes de rouge, de bleu, de jaune et de noir pour donner vie au personnage tout en intégrant des techniques de superposition et de collage qui ajoutent de la profondeur et de la texture à l'œuvre. Le visage de Mickey, tout en gardant son sourire emblématique, présente des traits légèrement déformés et des ombres intenses, ce qui donne une impression de mouvement et de dynamisme. Autour de lui, des éclaboussures de peinture et des tags urbains évoquent l'énergie et la vivacité des rues, soulignant l'interaction entre la culture de masse et l'art de rue. L'œuvre est une réflexion sur l'évolution des icônes culturelles dans un contexte contemporain, où les frontières entre les différents styles artistiques sont de plus en plus floues. Harleen réussit à capturer l'essence du personnage de Mickey Mouse tout en le propulsant dans un environnement urbain moderne, créant ainsi un dialogue entre le passé et le présent. "8 - Mickey" est une pièce captivante et énergique qui attire le regard et invite à une réflexion sur la place de la culture pop dans notre société actuelle. Elle est parfaite pour les amateurs d'art contemporain et de street art, ainsi que pour ceux qui apprécient les interprétations modernes des classiques de la culture populaire.

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Offrez-vous une immersion dans l'histoire et l'art contemporain avec cette œuvre magistrale de Dr. Hide. Intitulée "Churchill 2027", cette peinture couche après couche, réalisée entièrement à la main, redonne vie à l'icône historique qu'est Winston Churchill à travers une explosion de couleurs vives. Dr Hide, artiste réputé pour sa maîtrise technique et son sens aigu de la couleur, a créé une pièce unique qui mêle tradition et modernité. Cette œuvre de 70 cm x 70 cm transcende les conventions pour offrir une vision vibrante et dynamique de l'un des personnages les plus influents du XXe siècle.

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Super œuvre de Dr. Hide, entièrement à la main par touches de peinture successives à l'aide de peinture acrylique sur toile. Cette peinture capture l'essence profonde de l'humanité à travers un portrait d'homme réalisé en couches successives. Chaque coup de pinceau ajoute une dimension, une émotion, une histoire, créant ainsi une complexité visuelle qui invite le spectateur à une introspection personnelle. Le visage de l'homme, émergeant de ce processus de superposition, semble à la fois tangible et évanescent. Les multiples couches symbolisent les strates de l'existence humaine – les souvenirs, les expériences et les sentiments qui façonnent notre identité. Les nuances de couleurs, variant du sombre au lumineux, illustrent les contrastes et les dualités de la vie. Le regard de l'homme, captivant et énigmatique, interpelle et semble murmurer des secrets de son existence. Chaque détail est soigneusement travaillé, rendant hommage à la complexité et à la beauté intrinsèque de l'âme humaine. C'est une invitation à explorer au-delà des apparences, à découvrir les profondeurs cachées de notre être, et à reconnaître la richesse qui se trouve dans chaque couche de notre vie.

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Magnifique toile sur châssis réalisée par Lasveguix en collaboration avec Jérôme Mesnager à l'aide d'affiche de récupération, de bombe aérosol, de peinture acrylique et de posca. Il s'agit d'une œuvre sur la thématique d'Invader (artiste de rue et mosaïste français) ainsi que du Rubik's Cube (casse-tête inventé par Ernő Rubik en 1974).

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Superbe peinture acrylique sur toile de l'artiste MrKas nommée "Hugs". Cette toile fait partie de la nouvelle série de peintures abstraites. Elle est réalisée à l'aide d'une peinture acrylique et d'une bombe en aérosol. D'une taille très intéressante, elle est livrée avec son certificat d'authenticité signé et embossé par MrKas

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Abstract Stile Nº80, est une magnifique œuvre créée par Oscar Bruno, inspirée de la décoration des espaces modernes pour donner une touche de lumière, de classe et d'élégance à votre environnement. Cette œuvre est réalisée entièrement à la main avec une structure en bois de pin naturel et un tissu en coton. L'artiste a utilisé ici plusieurs techniques : relief et peinture acrylique, finie avec un vernis protecteur spécial.

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Magnifique toile sur chassis réalisée par Lasveguix en collaboration avec Jérôme Mesnager à l'aide d'affiche de récupération, de bombe aérosol, de peinture acrylique et de posca. Cette toile rend hommage à la Joconde, Portrait de Mona Lisa, tableau de Léonard de Vinci le plus connu au monde. On retrouve sur ce dernier la vision des 2 artistes dans leurs styles respectifs.

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Très belle œuvre limitée à 2 exemplaires de l'artiste italien Wonder. L'artiste a ici composé l'oeuvre via des outils numériques puis à réalisé cette toile à l'aide de la technique Giclée. Il nous livre à nouveau une fantastique vision de la femme moderne, libre de ses pensées et de ses choix.

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