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Cette œuvre est une estampe réalisée par Dillon Boy à partir de techniques mixtes : Peinture en aérosol, acrylique et stylo à huile sur papier imprimé agrémentée de graffitis. Cette estampe fait partie d'une collection "Nude Comic Book Art" pour rendre les supers héros (nos models) plus humains. On peut également voir en surimpression sur le corps de Wonder Woman des femmes en pleurs, tristes et accablées afin d'imager l'expression se mettre à nue.

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Découvrez cette magnifique oeuvre sur toile (Giclée) de l'artiste et photographe Eric Lespinasse. Unique, cette toile vient directement de l'atelier de l'artiste et fait partie de la série "Voluptuousness 2" 2023. Ce tirage est sans marge sur une toile 350 gr/m2.

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Peinture sur toile réalisée à la main à l'aide de peinture acrylique et d'un vernis haute qualité. Habitués de l'utilisation d'icone de la pop culture Freda People s'attaque ici à une réinterprétation de l'œuvre de Banksy (la fille au ballon) réalisée à Londres mais le ballon est remplacé par le cœur façon Keith Haring.

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L'œuvre de street art créée par l'artiste Quinoa+ (Quinoa Ribes) est une interprétation audacieuse et contemporaine du célèbre tableau "Le Comte-Duc d'Olivares" de Diego Velázquez. Cette œuvre mesure 70 cm de large et 100 cm de haut, combinant des éléments classiques et modernes pour un rendu unique et frappant. À partir d'une impression haute qualité, Quinoa Ribes a appliqué ses talents de graffeuse pour transformer cette image emblématique. La figure imposante du Comte-Duc d'Olivares, reconnaissable à son attitude noble et son costume majestueux, est préservée en tant qu'élément central de l'œuvre. Cependant, Ribes a ajouté des couches de couleurs vives et des motifs graphiques dynamiques autour et sur le portrait, créant un contraste saisissant entre le style baroque de Velázquez et l'esthétique urbaine du graffiti. Des éclats de peinture en aérosol rouge, bleu et jaune éclatent sur le fond sombre, ajoutant une énergie vibrante et contemporaine à la composition. Des lignes noires et blanches, tracées avec précision, créent des formes géométriques et des motifs abstraits qui entourent et parfois traversent le personnage central, ajoutant une dimension de profondeur et de mouvement. L'œuvre est également ponctuée de divers éléments textuels typiques du street art, comme des fragments de phrases et des signatures stylisées, qui apportent une dimension narrative et personnelle. Ces ajouts textuels, écrits en lettres cursives et capitales, apportent un contraste intéressant avec le visage calme et sérieux du Comte-Duc. En intégrant ces éléments modernes et en les superposant à l'œuvre classique, Quinoa Ribes réussit à créer une pièce unique qui résonne à la fois avec l'héritage historique de Velázquez et la culture urbaine contemporaine. L'œuvre, par ses dimensions de 70 cm par 100 cm, s'impose par sa présence et son dynamisme, attirant l'œil et suscitant la réflexion sur le dialogue entre tradition et modernité.

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Cette œuvre d'art d'EGHNĀ dans le style pop art représentant Snoopy est une explosion de couleurs vives et de formes dynamiques, capturant l'énergie ludique et iconique du célèbre personnage de Charles Schulz. Snoopy, avec son allure décontractée et son sourire espiègle, est stylisé à travers des blocs de couleurs saturées, rappelant l'influence de Roy Lichtenstein et Andy Warhol. Le fond de l'œuvre est un kaléidoscope de teintes primaires — rouges, jaunes et bleus — contrastant avec les formes plus géométriques et abstraites qui entourent Snoopy. Chaque élément semble flotter dans un espace vibrant, ponctué de touches néon, créant une tension visuelle entre l'enfance innocente de Snoopy et l'esthétique rebelle du pop art. EGHNĀ incorpore des détails graphiques audacieux, des motifs répétitifs et des effets de superposition pour donner à Snoopy une dimension contemporaine, tout en restant fidèle à l’esprit joyeux du personnage. Cette œuvre est un hommage nostalgique au passé, mais aussi une réinterprétation audacieuse, fusionnant la culture populaire avec une esthétique avant-gardiste.

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L'œuvre de street art créée par l'artiste Quinoa+  est une pièce magistrale de Quinoa Ribes, une réinterprétation moderne et audacieuse de la célèbre fresque "La Création d'Adam" de Michel-Ange. Mesurant 100 cm de large par 70 cm de haut, cette œuvre capte immédiatement l'attention par son mélange harmonieux de classique et de contemporain. Ribes utilise une technique d'impression de haute qualité pour reproduire la scène emblématique de la Chapelle Sixtine, où Dieu tend la main à Adam pour lui insuffler la vie. Toutefois, l'artiste ne s'arrête pas là. Elle transforme cette image historique en y intégrant des éléments de street art, fusionnant ainsi deux mondes apparemment opposés : l'art sacré de la Renaissance et l'expression urbaine moderne. Des tags colorés, des graffitis dynamiques et des motifs de rue ornent la toile, apportant une énergie nouvelle et une perspective unique à la scène. Les lignes de spray de peinture, les pochoirs et les écritures manuscrites ajoutent une couche de rébellion et de spontanéité, rappelant les murs des grandes métropoles. Les couleurs vibrantes des tags contrastent avec les teintes plus subtiles et classiques de l'œuvre originale, créant un dialogue visuel entre passé et présent. Les détails soignés et les textures variées invitent le spectateur à explorer chaque recoin de la toile, découvrant des messages cachés et des symboles contemporains. "Creation of Adam" n'est pas seulement une œuvre d'art ; c'est une déclaration. Quinoa Ribes réussit à rendre hommage à Michel-Ange tout en affirmant son propre style distinctif et moderne. Cette pièce est une célébration de la continuité de l'art à travers les âges et de la capacité de la créativité humaine à se réinventer constamment.

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Cette œuvre de street art, réalisée par l'artiste Harleen, réinterprète le célèbre tableau "Cœur" de Keith Haring à travers une vision unique et contemporaine. Peinte à l'acrylique sur une toile de 80 cm par 80 cm, elle conserve l'énergie vibrante et les lignes iconiques de l'artiste new-yorkais tout en y insufflant une touche personnelle. Le cœur rouge, symbole d'amour et de vitalité chez Haring, est ici magnifié, flottant au centre de la toile avec une intensité lumineuse. Autour de lui, les figures dynamiques et stylisées, souvent présentes dans l'œuvre d'Haring, sont revisitées par Harleen avec une palette de couleurs plus contrastée, mêlant des nuances éclatantes de bleu, de jaune et de noir. Ces personnages dansent et s’entrelacent avec une fluidité qui rappelle à la fois l'héritage du pop art et la spontanéité du graffiti. La toile est structurée par des contours noirs épais, signature d'Haring, mais Harleen y apporte des touches plus personnelles en ajoutant des détails abstraits et des éclaboussures de peinture qui donnent une dimension plus brute et énergique à l'œuvre. L'arrière-plan, d'un blanc pur, permet de mettre en valeur les formes vibrantes et de leur conférer un mouvement presque hypnotique. L'ensemble respire une fusion entre l’hommage à l’original et l’expression propre à Harleen, une œuvre où l’art de rue rencontre le classique, incarnant l’essence même du street art contemporain.

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Il s'agit ici d'une peinture sur toile de  Giorgio Stocco réalisée à l'aide de plusieurs techniques. L'artiste a d'abord imprimé l'image de fond qu'il a ensuite collé, sous forme de carrés, sur une toile. Il a ensuite enrichi l'oeuvre à l'aide de peinture acrylique afin de faire apparaitre les lèvres et leur donner autant de réalisme. 

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A la manière de la sculpture géante de Carl Fredrik Reuterswärd devant le siège des nations unis à New-York, Diederik Van Apple nous offre une version détournée d'un révolver symbolisant l'amour et la paix dans une série limitée à 125 exemplaires dans le monde. Cette version s'inscrit dans une édition intitulée Art Against War où le revolver est habillée aux couleurs d'Amex (American Express)

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Découvrez cette sculpture représentant le chef d'œuvre de Karl Lagasse : "Le One Dollar" dans une version Gold Pink limitée à 100 exemplaires dans le monde. L'artiste illustre à travers ses sculptures intitulées «One Dollar» les possibilités offertes par un dollar seulement. Bien que Lagasse les produise en rouge, bleu, violet et même jaune, ces sculptures conservent l'aspect métallique distinctif de l'aluminium. Créer de l'art avec seulement un dollar représente donc un véritable savoir-faire artistique.

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Découvrez cette sculpture représentant le chef d'œuvre de Karl Lagasse : "Le One Dollar" dans une version Black Silver limitée à 100 exemplaires dans le monde. L'artiste illustre à travers ses sculptures intitulées «One Dollar» les possibilités offertes par un dollar seulement. Bien que Lagasse les produise en rouge, bleu, violet et même jaune, ces sculptures conservent l'aspect métallique distinctif de l'aluminium. Créer de l'art avec seulement un dollar représente donc un véritable savoir-faire artistique.

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Découvrez cette sculpture représentant le chef d'œuvre de Karl Lagasse : "Le One Dollar" dans une version Super Gold limitée à 100 exemplaires dans le monde. L'artiste illustre à travers ses sculptures intitulées «One Dollar» les possibilités offertes par un dollar seulement. Bien que Lagasse les produise en rouge, bleu, violet et même jaune, ces sculptures conservent l'aspect métallique distinctif de l'aluminium. Créer de l'art avec seulement un dollar représente donc un véritable savoir-faire artistique.

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Il s'agit ici d'une peinture sur toile de Parscha Mirghawameddin réalisée à l'aide de peinture acrylique hautement pigmentée et d'aérosols. Cette haute pigmentation permet d'avoir l'aspect d'une multitude de feuilles d'or. Pour créer ses surfaces profondes, l'artiste applique des couches de peinture sur la toile avec une éponge et alterne les couches douces et dures avec une raclette.

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Perle du street art français, Harleen vous propose ici une œuvre unique nommée 596. Avec son style instinctif et figuratif, elle a choisi de réinterpréter Snoopy, personnage principal du comic strip Peanuts, de race Beagle, apparu dès 1950.

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Cette toile de 90 cm par 90 cm réalisée par l'artiste barcelonais HÖK met en scène l'emblématique actrice Audrey Hepburn dans un style POP ART vibrant et contemporain. Utilisant des bombes aérosol, de la peinture acrylique et des marqueurs, HÖK capture l'essence de l'élégance intemporelle d'Hepburn tout en la transposant dans un univers coloré et dynamique. Le visage de l'actrice, rendu avec une précision remarquable, est le point focal de la composition. Les contours délicats et les traits distinctifs d'Hepburn sont accentués par des lignes nettes et des détails minutieux, réalisés à l'aide de marqueurs. Le fond de la toile est un tourbillon de couleurs vives, typiques de l'approche énergique de HÖK. Des nuances de rose, de bleu et de blanc se mêlent pour créer un arrière-plan électrique qui fait ressortir le portrait avec éclat. Des motifs graphiques et des éléments visuels empruntés à la culture pop se superposent autour du visage de l'actrice, ajoutant une dimension moderne et urbaine à l'œuvre. Ces éléments, réalisés à la bombe aérosol et à l'acrylique, apportent une texture et une profondeur supplémentaires, tout en évoquant les thèmes de la consommation et de l'expression individuelle chers à l'artiste. L'ensemble de la composition est une célébration visuelle qui rend hommage à Audrey Hepburn tout en incarnant l'énergie et la créativité débridée du POP ART. Chaque détail de cette toile est pensé pour captiver le spectateur, suscitant à la fois admiration et réflexion. Cette œuvre est un parfait exemple du talent de HÖK à fusionner des techniques variées pour créer des pièces qui sont à la fois esthétiquement plaisantes et profondément significatives.

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Dans une nouvelle série spéciale « Défragmentation », Utopia réinterprète certaines œuvres d'artistes qui l'inspirent. Cette peinture est intéressante par les détails du visage, du corps et des mains sans rien enlever au mystère de l'œuvre originale de Léonard de Vinci.On retrouve également dans cette peinture plusieurs qualités : l’expression du sujet, qui est souvent décrite comme énigmatique, la monumentalité de la composition, le modelage subtil des formes, et l’illusionnisme atmosphérique, l’amour et un regard profond et passionné de l’artiste.

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Peinture sur toile réalisée à la main à l'aide de peinture en aérosol, peinture acrylique et des stylos à huile sur toile. Son originalité réside dans le choix du personnage et les dimensions de l'œuvre. Cette peinture fait partie d'une série dédiée aux personnages de Disney comme Picsou ou Mickey. précédemment mis en vente sur PopArt Gallery qui fait appel aux souvenirs de jeunesse, le tout rehaussé par un choix de couleurs qui rend cette toile très décorative et unique. Dans ce tableau Dillon Boy met en scène Elsa (appelée la Reine des neiges) héroïne de Disney dans les films d'animations du même nom (Frozen en anglais).

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Peinture sur toile réalisée à la main à l'aide de peinture en aérosol, peinture acrylique et des stylos à huile sur toile. Dillon Boy réalise ici une représentation de Wonder Woman en version vintage telle qu'elle l'était en 1984. L'œuvre est envoyée roulée dans un tube et n'a jamais été exposé à la lumière.

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Peinture sur toile de grand format réalisée à la main à l'aide de peinture en aérosol, peinture acrylique et des stylos à huile sur toile. Dillon Boy a choisi comme élément central de son œuvre une représentation personnelle de Pluto, chien évoluant dans l'univers de la Walt Disney Company depuis 1930.

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Peinture sur toile réalisée à la main à l'aide de peinture en aérosol, peinture acrylique et des stylos à huile sur toile. Dillon Boy a choisi comme élément central de son œuvre une représentation personnelle de l'iconique sac à main  Chanel. On y retrouve la texture entrelacée de cuir et les finitions dorées sur lesquelles il applique un effet spécifique afin de faire ressortir son coté clinquant. Les gribouillis et griffonnages ajoutés par l'artiste donnent des accents ludiques à ce tableau.

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Magnifique sculpture de l'artiste italien Andrea Giorgi intitulé Omnia Vincit Amor (L'amour triomphe de tout ) en bronze. Cette sculpture en Bronze provient d'une collection composée de 12 pièces : 8 + 4 épreuves d'artiste. Il s'agit ici de la 2me épreuve.

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  Il s'agit ici d'une nouvelle peinture sur toile de Giorgio Stocco réalisée à l'aide de plusieurs techniques. L'artiste a d'abord imprimé l'image de fond qu'il a ensuite collé, sous forme de carrés, sur une toile. Il a ensuite enrichi l'oeuvre à l'aide de peinture acrylique afin de faire ressortir le tutu de la danseuse. Cette œuvre fait partie de la collection Ballerina. On reconnait aisément une danseuse étoile et plus précisément une danseuse du ballet du Bolchoï compte tenu de l'alphabet cyrillique que l'on retrouve en fond sur le journal qui se nomme "Etincelle".

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Cette œuvre utilise plusieurs techniques du Street Art en associant la lithographie sur papier Fine Art 300g/m² associée à de peinture acrylique apposée à la main par les artistes. Dans cette œuvre, Aiiroh travaille en collaboration avec Jean-Michel Collell qui est un spécialiste des portraits en treillis métallique qui étourdissent par leur aspect photoréaliste.

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Magnifique œuvre de l'artiste Quinoa+ (Quinoa Ribes) qui nous propose ici une réinterprétation de la vierge Marie avec sa vision d'artiste de rue. Elle utilise ici ce symbole comme un acte militant signifiant la liberté de penser.

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