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Il s'agit ici d'une peinture sur toile de Giorgio Stocco réalisée à l'aide de plusieurs techniques. L'artiste a d'abord imprimé l'image de fond qu'il a ensuite collé, sous forme de carrés, sur une toile. Il a ensuite enrichi l'oeuvre à l'aide de peinture acrylique afin de faire ressortir les personnages qu'il a représenté. Avec les effets d'ombres, le rendu est saisissant.

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Création originale pour tous les amateurs et collectionneurs de l'univers artistique OBEY. Ici, SKE, artiste Français autodidacte touche à tout, rend hommage à Obey en reprenant une de ses oeuvres autour d'une bombe aérosol : Make Art Not War. Il s'agit d'une œuvre originale signée et numérotée avec certificat d'authenticité.

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Perle du street art français, Harleen vous propose ici une œuvre unique nommée 757. Avec son style instinctif et figuratif, elle a choisi de réinterpréter Snoopy, personnage principal du comic strip Peanuts, de race Beagle, apparu dès 1950.

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Peinture sur toile réalisée à la main à l'aide de peinture acrylique et d'un vernis haute qualité. Habitués de l'utilisation d'icone de la pop culture Freda People s'attaque ici à une réinterprétation du duo de héros Batman et Robin de l'univers DC Comics. Considéré comme son principal allié dans les aventures de Batman, Robin fait sa première apparition en 1940.

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Sculpture très originale en bronze de l'artiste Mitch Richmond représentant le masque d'un Stormtrooper. Ce bronze est moulé, soudé et patiné à la main et ravira les fans de l'univers Star Wars.

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Cette œuvre utilise plusieurs techniques du Street Art en associant la lithographie sur papier Fine Art 300g/m² associée à de peinture acrylique apposée à la main par l'artiste. Dans cette œuvre, Aiiroh travaille en collaboration avec la jeune artiste japonaise Namisen. Originaire de la banlieue d’Osaka, elle est maître Shihan, le plus haut rang dans l’art calligraphique japonaise, le Shodou. Après un passage à l’école des beaux-arts de Nagoya, et influencée par l’œuvre d’Ernst Kolb, elle a affiné un style unique et caractéristique grâce auquel elle représente ces sujets par des tracés fins et multiples, jusqu’à en obtenir des portraits d’ombres et lumières déconcertants. Ses sujets de prédilection sont les personnages animés, manga et films de son enfance, ainsi que les icônes américaines.  

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Cette œuvre est une lithographie réalisée à partir de techniques mixtes : Peinture en aérosol, acrylique et stylo à huile sur papier imprimé agrémentée de graffitis. Dans ce oeuvre, Dillon Boy met en scène une femme très stylisée "Cartoon" qui pleure face à la violence que l'on retrouve en surimpression sur son visage.

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Œuvre très originale, cette sculpture a été réalisée en Italie avec plusieurs techniques, notamment la technique de synthèse laser qui permet l'impression en 3D à base de poudre couche par couche. Dans cette sculpture, Popik met en scène Spider-Man  (Peter Parker), super héros évoluant dans l'univers Marvel, tentant de sortir de la bande dessinée dont il est le personnage principal.

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Œuvre très originale, cette sculpture a été réalisée avec plusieurs techniques, notamment le frittage sélectif par laser qui permet l'impression en 3D à base de poudre couche par couche. Dans cette sculpture très réussie, Popik met en scène Hulk (Bruce Banner), super héros difficilement contrôlable  évoluant dans l'univers Marvel, tentant de sortir de la bande dessinée dont il est le personnage principal.

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Cette œuvre est une estampe réalisée par Dillon Boy à partir de techniques mixtes : Peinture en aérosol, acrylique et stylo à huile sur papier imprimé agrémentée de graffitis. Cette estampe fait partie d'une collection "Nude Comic Book Art" pour rendre les supers héros (nos models) plus humains. On peut également voir en surimpression sur le corps de Wonder Woman des femmes en pleurs, tristes et accablées afin d'imager l'expression se mettre à nue.

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Découvrez cette magnifique oeuvre sur toile (Giclée) de l'artiste et photographe Eric Lespinasse. Unique, cette toile vient directement de l'atelier de l'artiste et fait partie de la série "Voluptuousness 2" 2023. Ce tirage est sans marge sur une toile 350 gr/m2.

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Peinture sur toile réalisée à la main à l'aide de peinture acrylique et d'un vernis haute qualité. Habitués de l'utilisation d'icone de la pop culture Freda People s'attaque ici à une réinterprétation de l'œuvre de Banksy (la fille au ballon) réalisée à Londres mais le ballon est remplacé par le cœur façon Keith Haring.

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L'œuvre de street art créée par l'artiste Quinoa+ (Quinoa Ribes) est une interprétation audacieuse et contemporaine du célèbre tableau "Le Comte-Duc d'Olivares" de Diego Velázquez. Cette œuvre mesure 70 cm de large et 100 cm de haut, combinant des éléments classiques et modernes pour un rendu unique et frappant. À partir d'une impression haute qualité, Quinoa Ribes a appliqué ses talents de graffeuse pour transformer cette image emblématique. La figure imposante du Comte-Duc d'Olivares, reconnaissable à son attitude noble et son costume majestueux, est préservée en tant qu'élément central de l'œuvre. Cependant, Ribes a ajouté des couches de couleurs vives et des motifs graphiques dynamiques autour et sur le portrait, créant un contraste saisissant entre le style baroque de Velázquez et l'esthétique urbaine du graffiti. Des éclats de peinture en aérosol rouge, bleu et jaune éclatent sur le fond sombre, ajoutant une énergie vibrante et contemporaine à la composition. Des lignes noires et blanches, tracées avec précision, créent des formes géométriques et des motifs abstraits qui entourent et parfois traversent le personnage central, ajoutant une dimension de profondeur et de mouvement. L'œuvre est également ponctuée de divers éléments textuels typiques du street art, comme des fragments de phrases et des signatures stylisées, qui apportent une dimension narrative et personnelle. Ces ajouts textuels, écrits en lettres cursives et capitales, apportent un contraste intéressant avec le visage calme et sérieux du Comte-Duc. En intégrant ces éléments modernes et en les superposant à l'œuvre classique, Quinoa Ribes réussit à créer une pièce unique qui résonne à la fois avec l'héritage historique de Velázquez et la culture urbaine contemporaine. L'œuvre, par ses dimensions de 70 cm par 100 cm, s'impose par sa présence et son dynamisme, attirant l'œil et suscitant la réflexion sur le dialogue entre tradition et modernité.

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Cette œuvre d'art d'EGHNĀ dans le style pop art représentant Snoopy est une explosion de couleurs vives et de formes dynamiques, capturant l'énergie ludique et iconique du célèbre personnage de Charles Schulz. Snoopy, avec son allure décontractée et son sourire espiègle, est stylisé à travers des blocs de couleurs saturées, rappelant l'influence de Roy Lichtenstein et Andy Warhol. Le fond de l'œuvre est un kaléidoscope de teintes primaires — rouges, jaunes et bleus — contrastant avec les formes plus géométriques et abstraites qui entourent Snoopy. Chaque élément semble flotter dans un espace vibrant, ponctué de touches néon, créant une tension visuelle entre l'enfance innocente de Snoopy et l'esthétique rebelle du pop art. EGHNĀ incorpore des détails graphiques audacieux, des motifs répétitifs et des effets de superposition pour donner à Snoopy une dimension contemporaine, tout en restant fidèle à l’esprit joyeux du personnage. Cette œuvre est un hommage nostalgique au passé, mais aussi une réinterprétation audacieuse, fusionnant la culture populaire avec une esthétique avant-gardiste.

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L'œuvre de street art créée par l'artiste Quinoa+  est une pièce magistrale de Quinoa Ribes, une réinterprétation moderne et audacieuse de la célèbre fresque "La Création d'Adam" de Michel-Ange. Mesurant 100 cm de large par 70 cm de haut, cette œuvre capte immédiatement l'attention par son mélange harmonieux de classique et de contemporain. Ribes utilise une technique d'impression de haute qualité pour reproduire la scène emblématique de la Chapelle Sixtine, où Dieu tend la main à Adam pour lui insuffler la vie. Toutefois, l'artiste ne s'arrête pas là. Elle transforme cette image historique en y intégrant des éléments de street art, fusionnant ainsi deux mondes apparemment opposés : l'art sacré de la Renaissance et l'expression urbaine moderne. Des tags colorés, des graffitis dynamiques et des motifs de rue ornent la toile, apportant une énergie nouvelle et une perspective unique à la scène. Les lignes de spray de peinture, les pochoirs et les écritures manuscrites ajoutent une couche de rébellion et de spontanéité, rappelant les murs des grandes métropoles. Les couleurs vibrantes des tags contrastent avec les teintes plus subtiles et classiques de l'œuvre originale, créant un dialogue visuel entre passé et présent. Les détails soignés et les textures variées invitent le spectateur à explorer chaque recoin de la toile, découvrant des messages cachés et des symboles contemporains. "Creation of Adam" n'est pas seulement une œuvre d'art ; c'est une déclaration. Quinoa Ribes réussit à rendre hommage à Michel-Ange tout en affirmant son propre style distinctif et moderne. Cette pièce est une célébration de la continuité de l'art à travers les âges et de la capacité de la créativité humaine à se réinventer constamment.

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Cette œuvre de street art, réalisée par l'artiste Harleen, réinterprète le célèbre tableau "Cœur" de Keith Haring à travers une vision unique et contemporaine. Peinte à l'acrylique sur une toile de 80 cm par 80 cm, elle conserve l'énergie vibrante et les lignes iconiques de l'artiste new-yorkais tout en y insufflant une touche personnelle. Le cœur rouge, symbole d'amour et de vitalité chez Haring, est ici magnifié, flottant au centre de la toile avec une intensité lumineuse. Autour de lui, les figures dynamiques et stylisées, souvent présentes dans l'œuvre d'Haring, sont revisitées par Harleen avec une palette de couleurs plus contrastée, mêlant des nuances éclatantes de bleu, de jaune et de noir. Ces personnages dansent et s’entrelacent avec une fluidité qui rappelle à la fois l'héritage du pop art et la spontanéité du graffiti. La toile est structurée par des contours noirs épais, signature d'Haring, mais Harleen y apporte des touches plus personnelles en ajoutant des détails abstraits et des éclaboussures de peinture qui donnent une dimension plus brute et énergique à l'œuvre. L'arrière-plan, d'un blanc pur, permet de mettre en valeur les formes vibrantes et de leur conférer un mouvement presque hypnotique. L'ensemble respire une fusion entre l’hommage à l’original et l’expression propre à Harleen, une œuvre où l’art de rue rencontre le classique, incarnant l’essence même du street art contemporain.

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Il s'agit ici d'une peinture sur toile de  Giorgio Stocco réalisée à l'aide de plusieurs techniques. L'artiste a d'abord imprimé l'image de fond qu'il a ensuite collé, sous forme de carrés, sur une toile. Il a ensuite enrichi l'oeuvre à l'aide de peinture acrylique afin de faire apparaitre les lèvres et leur donner autant de réalisme. 

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A la manière de la sculpture géante de Carl Fredrik Reuterswärd devant le siège des nations unis à New-York, Diederik Van Apple nous offre une version détournée d'un révolver symbolisant l'amour et la paix dans une série limitée à 125 exemplaires dans le monde. Cette version s'inscrit dans une édition intitulée Art Against War où le revolver est habillée aux couleurs d'Amex (American Express)

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Découvrez cette sculpture représentant le chef d'œuvre de Karl Lagasse : "Le One Dollar" dans une version Gold Pink limitée à 100 exemplaires dans le monde. L'artiste illustre à travers ses sculptures intitulées «One Dollar» les possibilités offertes par un dollar seulement. Bien que Lagasse les produise en rouge, bleu, violet et même jaune, ces sculptures conservent l'aspect métallique distinctif de l'aluminium. Créer de l'art avec seulement un dollar représente donc un véritable savoir-faire artistique.

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Découvrez cette sculpture représentant le chef d'œuvre de Karl Lagasse : "Le One Dollar" dans une version Black Silver limitée à 100 exemplaires dans le monde. L'artiste illustre à travers ses sculptures intitulées «One Dollar» les possibilités offertes par un dollar seulement. Bien que Lagasse les produise en rouge, bleu, violet et même jaune, ces sculptures conservent l'aspect métallique distinctif de l'aluminium. Créer de l'art avec seulement un dollar représente donc un véritable savoir-faire artistique.

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Découvrez cette sculpture représentant le chef d'œuvre de Karl Lagasse : "Le One Dollar" dans une version Super Gold limitée à 100 exemplaires dans le monde. L'artiste illustre à travers ses sculptures intitulées «One Dollar» les possibilités offertes par un dollar seulement. Bien que Lagasse les produise en rouge, bleu, violet et même jaune, ces sculptures conservent l'aspect métallique distinctif de l'aluminium. Créer de l'art avec seulement un dollar représente donc un véritable savoir-faire artistique.

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Il s'agit ici d'une peinture sur toile de Parscha Mirghawameddin réalisée à l'aide de peinture acrylique hautement pigmentée et d'aérosols. Cette haute pigmentation permet d'avoir l'aspect d'une multitude de feuilles d'or. Pour créer ses surfaces profondes, l'artiste applique des couches de peinture sur la toile avec une éponge et alterne les couches douces et dures avec une raclette.

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Perle du street art français, Harleen vous propose ici une œuvre unique nommée 596. Avec son style instinctif et figuratif, elle a choisi de réinterpréter Snoopy, personnage principal du comic strip Peanuts, de race Beagle, apparu dès 1950.

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Cette toile de 90 cm par 90 cm réalisée par l'artiste barcelonais HÖK met en scène l'emblématique actrice Audrey Hepburn dans un style POP ART vibrant et contemporain. Utilisant des bombes aérosol, de la peinture acrylique et des marqueurs, HÖK capture l'essence de l'élégance intemporelle d'Hepburn tout en la transposant dans un univers coloré et dynamique. Le visage de l'actrice, rendu avec une précision remarquable, est le point focal de la composition. Les contours délicats et les traits distinctifs d'Hepburn sont accentués par des lignes nettes et des détails minutieux, réalisés à l'aide de marqueurs. Le fond de la toile est un tourbillon de couleurs vives, typiques de l'approche énergique de HÖK. Des nuances de rose, de bleu et de blanc se mêlent pour créer un arrière-plan électrique qui fait ressortir le portrait avec éclat. Des motifs graphiques et des éléments visuels empruntés à la culture pop se superposent autour du visage de l'actrice, ajoutant une dimension moderne et urbaine à l'œuvre. Ces éléments, réalisés à la bombe aérosol et à l'acrylique, apportent une texture et une profondeur supplémentaires, tout en évoquant les thèmes de la consommation et de l'expression individuelle chers à l'artiste. L'ensemble de la composition est une célébration visuelle qui rend hommage à Audrey Hepburn tout en incarnant l'énergie et la créativité débridée du POP ART. Chaque détail de cette toile est pensé pour captiver le spectateur, suscitant à la fois admiration et réflexion. Cette œuvre est un parfait exemple du talent de HÖK à fusionner des techniques variées pour créer des pièces qui sont à la fois esthétiquement plaisantes et profondément significatives.

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